Pinturas de Bern Jones. Edward Burne-Jones: El último prerrafaelita. Desarrollo del estilo del artista.

BERNE Jules Verne (1828-1905) - Escritor francés, uno de los creadores del género de novelas de ciencia ficción. Capaz de proeza, porque en el día y la hora adecuados

Eric Byrne

Eric Berne Eric Berne era un psiquiatra de cuarenta y seis años cuando abandonó su formación en psicoanálisis después de quince años en esta línea. Renunció a seguir esforzándose en esta dirección después de que en 1956 el Instituto de Psicoanálisis

Edward Burne-Jones Pinturas y biografía de Edward Burne-Jones Burne-Jones Edward Coley (1833-1898), pintor inglés, dibujante, maestro en artes y oficios. Nacido en Birmingham el 28 de agosto de 1833 en una humilde familia de carpinteros. Pertenecía a la generación más joven de los prerrafaelitas. Buscando revivir la espiritualidad y la poesía ingenua del arte medieval y del Renacimiento temprano, Burne-Jones estilizó las formas de sus obras en el espíritu de la pintura italiana del siglo XV. Composiciones decorativas y sofisticadas de Burne-Jones sobre temas religiosos y mitológicos ("La historia de Pigmalión", 1869-1879, Galería de Arte y Museo de la Ciudad de Birmingham; "Espejo de Venus" 1872-1877, Lisboa, Museo Nacional de Arte Antiguo; "Historia de Perseo" después de 1875, Colección de la ciudad de Stuttgart; "La escalera de oro", 1876-1880, "El rey de Kofetua y el mendigo", 1880-1884, "El amor entre las ruinas", 1893, - todas las pinturas en the Tate Gallery, Londres) se distinguen por rasgos de emoción romántica e idealización, rasgos de emoción e idealización románticas, ritmo lineal flexible, gravitación hacia la ornamentación. Desde 1853, Burne-Jones estudió en la facultad de teología del Exeter College, Oxford, pero el ansia por el arte resultó ser más fuerte, y desde los 18 asistió al estudio de pintura de Dante Gabriel Rossetti.

Entre 1859 y 1873, Burne-Jones realizó varios viajes a Italia, lo que le permite conocer mejor la obra de Mantegna, Botticelli y Miguel Ángel. Viajando con John Ruskin, quien convenció al pintor de copiar a los viejos maestros de la escuela veneciana, Edward Burne-Jones renueva su técnica. Desde entonces, se han notado signos de nuevas influencias en el estilo del artista, que finalmente le otorga fama y el título de caballero, otorgado al artista como descubridor de una nueva era en el arte.

En 1864 fue elegido miembro de la Antigua Sociedad de Acuarelistas. En 1877, el artista presentó sus obras en la primera exposición de la galería Grovenor y se convirtió en participante permanente de sus salones hasta 1887.

La fama de Burne-Jones está creciendo y se extiende mucho más allá de las fronteras de Inglaterra. Durante el reinado de la reina Victoria, los británicos comenzaron a pensar cada vez más en el papel imperial de su país.

Edward Burne-Jones El atuendo de Perseo 1885 National Gallery, Londres Edward Burne-Jones Amor entre las ruinas 1893 Tate Gallery, Londres Edward Burne-Jones Chained Andromeda 1885-1888, colección privada Edward Burne-Jones Pan and Psyche 1870-1872 Edward Burne-Jones Batalla de Perseo con el dragón 1878, Museo de Arte, Stuttgart Edward Burne-Jones La cabeza sombría de Medusa la Gorgona, 1885 Interés por la literatura antigua y la historia de la antigua Grecia y Roma, así como el pasado legendario de La propia Gran Bretaña está creciendo. Edward Burne-Jones se convierte en un maestro tanto de la escena antigua como de la medieval, creando obras como la serie "Pygmalion" o "King Kofetua and the Beggar Girl", en la que el motivo educativo de la superioridad de la nobleza del alma sobre las riquezas terrenales es revelado. En 1882, Burne-Jones representó a Inglaterra con Frederick Leighton en la Exposición Universal de París. En 1885, Eward Burne-Jones fue elegido miembro asociado de la Royal Academy of Arts.

Coto de caza de Cupido, 1885 El último sueño del rey Arturo, 1881-1898 El espejo de Venus 1870-1876 La rueda de la fortuna 1875-1883 El rey Cofetua y el mendigo, 1880-18844 El árbol del perdón 1881-1882 Anunciación 1876-1879 Estrella de Belén 1887-1890 Danae y el castillo de cobre 1888 Escaramujo. Princesa durmiente 1870-1890 Afrodita y Galatea 1868-1878 Rosa mosqueta.

El bosque encantado 1870-1890 En 1894 Burne-Jones recibe el título de baronet; llega la gloria, coronándola con premios. Los últimos años de su vida los dedicó a grandes composiciones sobre temas literarios. La historia del movimiento prerrafaelita terminó con la obra de Burne-Jones, dejando un gran legado a los maestros del siglo XX gracias a una exaltada fe en el arte y logros creativos que cambiaron la actitud de la sociedad y los artistas hacia la pintura, libro. diseño y artes decorativas. La pintura de los prerrafaelistas representa una transición del romanticismo al simbolismo de principios del siglo XX, al que, quizás, sería más correcto llamar neorromántico: reabrió el ámbito de la fantasía, esforzándose más allá de los límites de lo cotidiano. vida. Las ilustraciones, bocetos de tapices, mosaicos, vidrieras y objetos de artes decorativas y aplicadas realizados por Burne-Jones para los talleres de W. Morris contribuyeron al resurgimiento de la artesanía artística inglesa. Burne-Jones murió en Londres el 17 de junio de 1898.

Arte de Francia. Pintores, escultores, arquitectos, grabadores parisinos. Historia del arte extranjero. Desde el románico y el gótico de la Edad Media hasta la actualidad. Productos metálicos Encargar - insignias, medallas. Producción propia.

Me encantan las pinturas y los vitrales de este artista, pero no conozco muy bien la biografía. Por tanto, el texto sobre su vida, con algunas abreviaturas, será sacado de Internet, y las ilustraciones serán de mi colección. Les advierto de antemano que desconozco los nombres de algunas de las pinturas.

Sir Edward Coley Burne-Jones nació el 28 de agosto de 1833 en una humilde familia de orfebres en Birmingham. Recibe su educación primaria en la Escuela King Edward de Birmingham. Edward, un dibujante talentoso, ha asistido a cursos nocturnos en la escuela de diseño del gobierno desde 1848. En 1853, habiendo decidido ser sacerdote, ingresó en el Exeter College de Oxford, una de las ciudades universitarias más antiguas de Inglaterra (fundada en el siglo XII). Allí conoce a William Morris: los estudiantes están conectados por una estrecha amistad y una pasión común por el arte. Allí absorben el espíritu de la Edad Media y lo ven como una fuente de inspiración creativa.
Al enterarse de la Hermandad Prerrafaelita a través de los artículos del crítico John Ruskin, en casa de uno de sus amigos vieron la acuarela de Dante Gabriel Rossetti "Dante pintando un ángel" (1853), que causó una impresión tan fuerte en los jóvenes que los prerrafaelitas se convirtieron en su ideal en la pintura, y Dante Gabriel Rossetti es un ídolo.
William Morris y Edward Burne-Jones deciden abandonar la teología por el bien de la pintura. En 1855, los jóvenes abandonaron Oxford, decidiendo finalmente dedicarse al arte y solicitando a Rossetti permiso para participar en su revista. Con el conocimiento de Rossetti con estos dos estudiantes de la Universidad de Oxford, comenzó una nueva etapa en el movimiento prerrafaelita. En este momento, un grupo de prerrafaelitas desarrolló en su trabajo una variedad de temas basados ​​en el Nuevo Testamento y las leyendas medievales. Burne-Jones conoció a Ruskin y Rossetti a principios de 1856, y en mayo del mismo año ya fue aceptado como estudiante en el estudio de Rossetti. Al año siguiente, participa en un gran proyecto de mural de un maestro para el Salón de los sindicatos, Oxford. Además de este trabajo, su atención es absorbida casi por completo por el dibujo con lápiz o acuarela, elaborado con mucho cuidado.
En 1860, Burne-Jones se casó. En este momento, comenzó a pintar acuarelas con el agregado de gouache con bilis bovina sobre una base marrón. Dos retratos de la encantadora Sidonia von Bock y su prima Clara von Dewitz, inspirados en el Renacimiento italiano e influenciados por Rossetti, datan de este período.
La pasión por la Edad Media obligó a los prerrafaelitas a cambiar su actitud hacia las artes y la artesanía, oponiendo productos industriales desalmados con la alta calidad de las cosas hechas a mano. En 1861, William Morris abre Morris, Marshall, Faulkner & Co. en Londres. Esta tienda de artes decorativas vende todo lo que necesitas para crear el interior de tu hogar: muebles, vidrieras, cerámica, telas para tapizar, objetos de arte. A Morris se unen sus leales amigos Philip Webb, Rossetti y Burne-Jones.
Burne-Jones trabajó en artes y oficios en el taller de la llamada "Casa Roja" de William Morris en Kent, diseñado en 1859 por Philip Speakman Webb al estilo de una casa de campo inglesa de ladrillo rojo con ventanas, de diferentes formas (cuadrado , rectangular, redonda), algunas tenían vidrieras, enredando las paredes de la vivienda, plantas trepadoras tan queridas por los prerrafaelitas. Los artistas hicieron muebles, alfombras, cortinas, vidrieras e incluso pomos de puertas con sus propias manos. Dante Gabriel Rossetti escribió un tríptico para el estudio de Morris sobre temas de los poemas de Dante Alighieri. Aprendieron a tejer, hacer platos, imprimir diseños en telas. La nueva forma de vida atrajo a la gente al taller de Morris. A los visitantes les pareció que se estaban metiendo en el meollo del proceso creativo. El llamamiento "No tengas nada en tu casa que no te sea útil o que no te parezca bonito" ha encontrado muchos adeptos. Para el taller de Moriss se crearon ilustraciones, bocetos de tapices, mosaicos, vidrieras, artes decorativas y aplicadas. En muchos sentidos, fue en los proyectos y dibujos de Burne-Jones donde las actividades de la empresa "William Morris and K." y Kelmscott Press. En tapices y vidrieras solía representar figuras humanas y ornamentos de Morris. Aquí Burne-Jones luchó por la integridad y la emotividad en el tratamiento de los rostros, a pesar de las protestas de Morris, que quería fortalecer el principio decorativo en tales cosas. Los libros se crean con el mismo estilo de diseño de página de libro, su página de título y encuadernación. Los Cuentos de Canterbury del poeta inglés Jeffrey Chaucer están adornados con diseños florales rizados de la Edad Media, con tocados en miniatura y letras mayúsculas ornamentadas que animan el texto.
En 1861, el artista viaja a Italia con Brown y Rossetti, y a su regreso, ayuda activamente a Morris en la creación de su empresa de arte-industrial, para la que realiza numerosos bocetos de vidrieras, revestimientos cerámicos, tapices y otros objetos aplicados.
Entre 1859 y 1873 Burne-Jones realizó varios viajes a Italia, lo que le permite conocer mejor la obra de Mantegna, Botticelli y Miguel Ángel. Viajando con Ruskin, quien convenció al pintor de copiar a los maestros de la escuela veneciana, Burne-Jones renueva su técnica. Desde entonces, se han notado signos de nuevas influencias en su estilo, que finalmente le otorgan fama y el título de caballero, otorgado al artista como descubridor de una nueva era en el arte.
En 1864 fue elegido miembro de la Antigua Sociedad de Acuarelistas; participa en la exposición de la Sociedad en 1870. En 1877 el artista presenta siete de sus obras para la primera exposición en la galería Grovenor; se convierte en miembro permanente de sus salones hasta 1887 La fama de Burne-Jones va en aumento, yendo mucho más allá de las fronteras de Inglaterra.
Durante el reinado de la reina Victoria, los británicos comenzaron a pensar cada vez más en el papel imperial de su país. Está creciendo el interés en la literatura antigua y en la historia de la Grecia y Roma antiguas, así como en el pasado legendario de Gran Bretaña. Burne-Jones se convierte en un maestro tanto de la escena antigua como de la medieval, creando obras como la serie "Pigmalión" o "El rey de Kofetua y el mendigo", en la que aparece el motivo educativo de la superioridad de la nobleza del alma sobre las riquezas terrenales .
En 1882, en la Exposición Universal de París, representó a Inglaterra con Frederick Leighton. En 1885 Burne-Jones fue elegido miembro asociado de la Royal Academy of Arts, pero en 1893 renunció a este título.
En 1894 recibió el título de baronet; llega la gloria, coronándola con premios. Los últimos años de su vida los dedicó a grandes composiciones sobre temas literarios. El artista murió el 17 de junio de 1898.

Hay una hermosa leyenda sobre el joven rey de Kofetua. Nunca conoció a las mujeres y las evitó. En todas partes buscó el ideal de la belleza femenina. Y solo cuando conoció a una joven mendiga, impresionado no solo por su belleza, sino también por sus virtudes, sintió el despertar del amor.
En el arte, esta leyenda se refleja en la literatura y la pintura.
La popularidad de esta leyenda trajo consigo un poema de Alfred Tennyson.

Ella puso sus brazos sobre su pecho;
Ella fue más justa de lo que las palabras pueden decir:
Descalzo vino la doncella mendiga
Ante el rey Cophetua.
Con manto y corona, el rey descendió,
Para encontrarla y saludarla en su camino;
"No es de extrañar", dijeron los señores,
"Ella es más hermosa que el día".

Como brilla la luna en los cielos nublados,
Ella en su pobre atuendo fue vista:
Uno alabó sus tobillos, uno sus ojos,
Uno de su cabello oscuro y semblante amoroso.
Un rostro tan dulce, tanta gracia angelical,
En toda esa tierra nunca había estado:
Cophetua juró un juramento real:
"¡Esta doncella mendiga será mi reina!"
(1833)

En pintura, esta trama ha recibido más de una encarnación. Lo que más me gusta es cómo lo interpreta Burne-Jones. El rey se sienta, se quita la corona y mira a la niña, que está pintada de colores claros y parece irradiar resplandor. En mi opinión, ¡una imagen asombrosamente poética! .. Aquí están las propias palabras del artista: "" En la imagen veo un hermoso sueño romántico sobre lo que nunca ha sido y nunca será, que se ilumina con una luz sobrenatural y se lleva a cabo en tierras en las que nadie no definirá y no recordará. Mi único deseo es que las formas sean hermosas ".

"El rey Kofetua y el mendigo" (1884)

Escalera dorada (1880)

En las pinturas de Burne-Jones, los contemporáneos se sintieron atraídos por la gracia de figuras pensativas con su belleza ideal, aportando un toque nostálgico. El enorme lienzo irradia una fuerza misteriosa y atractiva, hipnotizante con la interminable corriente de chicas que descienden en espiral. Son notablemente similares entre sí: delgados, elegantes, con túnicas blancas, cada uno con un instrumento musical en la mano. Podrían confundirse con ángeles, si no fuera por el pequeño tragaluz en la parte superior del cuadro, donde se ven palomas blancas contra el cielo.

Merlín en el hechizo (1870-74)

La imagen de Merlín nos ha llegado desde lo más profundo de siglos de cultura celta como educador, fiel consejero y protector espiritual del Rey Arturo. Siempre imbuido de sabiduría, el vidente Merlín dio consejos al joven rey como deseos u órdenes. Merlín es el personaje más famoso de la tradición mitológica y poética celta y de los cuentos medievales del Rey Arturo. El mentor de Arthur fue un científico talentoso, es a él a quien se le atribuye la creación de la Hermandad de la Mesa Redonda, la construcción de la ciudad de Camelot, la capital del reino, y el anillo de piedra en Stonehenge. Previendo que Arturo es el futuro rey poderoso que unirá a Gran Bretaña y le dará la paz, Merlín llevó a Arturo a su crianza cuando era niño. Cuenta la leyenda que Merlín hizo una enorme espada, Excalibur, y por el poder de su magia la aprisionó dentro de una gran piedra, en la que estaba inscrito: "Quien saque esta espada de la piedra es por nacimiento el rey de toda Gran Bretaña". Arthur fue el único que pudo hacer esto y se convirtió legítimamente en el gobernante del país. La historia de Merlín llega a su fin de una manera inusual. El hechicero conocía su futuro y le reveló a Arturo que no le quedaba mucho tiempo en la tierra, rogando al rey que se ocupara de la espada mágica Excalibur más que un ojo. En la pintura de Burne-Jones, Merlín está hechizado por su amada. Según una de las leyendas, no muere, sino que resulta aprisionado por el hechizo mágico del hada del lago Viviana. La belleza “lo hechizó desesperadamente; para mantener su poder sobre él, extrajo de él el secreto de la tumba mágica, excavó en la roca, lo atrajo allí y lo encerró allí para siempre, de modo que Merlín estaba vivo, pero completamente aislado del mundo ". Este no es el final de la historia de Merlín y el Rey Arturo, porque en otro lugar vive el gran mago encarcelado por Viviana ...

Espejo de Venus (1870-76)

María Zambaco (1870)

Katie Lewis

Danae y la cerradura de cobre (1888)

El ciclo de pinturas "La bella durmiente" (6 pinturas; 1871-90)

Rueda de la fortuna (1875-83)

El árbol del perdón (1881-82)

Profundidad del mar

Anunciación (1879)

La boda de Psique (1895)

Amantes entre las ruinas

La cabeza mortal de Medusa

El cuento de la madre superiora (1898)

Canción de amor (1868-77)

Llorando (1865-1866)

Corazón rosa

Jardín de las Hespérides (1887)

El último sueño del rey Arturo en Avalon

Armamento de Perseo

Batalla de Perseo con el dragón (1878)

Andrómeda encadenada (1885-88)

Pigmalión y la estatua: La mano no se atreve (1878)

Pigmalión y la estatua: Los dioses bendicen (1878)

Pigmalión y la estatua: comprensión del alma (1879)

Amor guiando al peregrino

Mago

Baronne deslandes

Lady francis balfour

Geirgiana Burn-Jones

Margaret quema-jones

Lady Burn-Jones, su hijo Philip y su hija Margaret

Autor - NADYNROM. Esta es una cita de esta publicación.

La vida y obra de Edward Cowley Burne-Jones

Edward Cowley Burne-Jones nació el 28 de agosto de 1833 en Birmingham en la humilde familia de un orfebre. La madre del artista falleció una semana después del nacimiento de su hijo, y esto dejó huella en su relación con su padre, quien en un principio no pudo ver al bebé, considerándolo la causa de la muerte de su amada esposa.
Desde la primera infancia, el niño vivió en un mundo de sus propios sueños y fantasías, ocultándose en él de la indiferencia de los demás y del aburrimiento de la vida provinciana. Los primeros veinte años de la vida de Burne-Jones los pasó en Birmingham, y las impresiones más vívidas fueron las celebraciones de la coronación de la reina Victoria el 20 de junio de 1837. A la edad de once años, Eduardo fue admitido en la escuela del rey Eduardo VI. Según los archivos de la escuela, fue uno de los primeros estudiantes y ganó muchos premios, especialmente en matemáticas. El joven también mostró talento para el dibujo, realizando numerosos dibujos animados de profesores. A partir de 1848 asistió a cursos nocturnos en la escuela pública de dibujo.
En 1853 Burne-Jones ingresó en Exeter College, Oxford, una de las ciudades universitarias más antiguas de Inglaterra, donde estudió teología con la intención de convertirse en sacerdote. Dentro de las paredes de la universidad, conoció a William Morris, quien se convirtió en su amigo y persona de ideas afines durante muchos años. Los jóvenes estaban conectados por un amor común por el arte y una pasión por la Edad Media, en la que vieron una fuente de inspiración creativa.

Burne-Jones y Morris

De los artículos del crítico John Ruskin, los amigos se enteraron de la existencia de la Hermandad Prerrafaelita, cuyas ideas estaban en consonancia con sus propios puntos de vista sobre el arte. Y después de ver la acuarela de Rossetti "Dante pintando un ángel" (1853), los prerrafaelitas se convirtieron en su ideal artístico, y el propio Dante Gabriel Rossetti se convirtió en un ídolo. Morris y Burne-Jones decidieron abandonar la teología por el bien de la pintura; a partir de ahora, el arte se convirtió en su única religión.
En 1855, los jóvenes, que nunca se graduaron, abandonaron Oxford para dedicarse por completo al arte. Se mudaron a Londres y alquilaron una pequeña habitación para dos, todo su tiempo libre haciendo arte. En muy poco tiempo liderarán el movimiento de los prerrafaelistas de la segunda ola, cuyo rasgo distintivo será a partir de ahora la fascinación por la antigüedad y la afirmación del artista como maestro universal.
A principios de 1856, Burne-Jones conoció personalmente a Rossetti, quien en ese momento enseñaba personalmente en el Workers 'College, y se convirtió en asistente en su taller.

D.G. Rossetti. Auto retrato

Desde noviembre de 1856, Burne-Jones y Morris alquilaron una habitación en el número 17 de Red Lion Square, que alguna vez fue Rossetti y Deverell. Por esta época, Edward, anteriormente conocido por sus amigos simplemente como Jones, agregó el prefijo "Bern" a su apellido para darle personalidad. El apellido era demasiado común.
El artista conoció personalmente a Ruskin y Hunt, quienes reaccionaron favorablemente a sus primeros experimentos. Al año siguiente, se unió a un grupo de artistas que trabajaban bajo la dirección de Rossetti en un gran proyecto de mural en el salón del Salón de los sindicatos, Oxford, con escenas de la vida del Rey Arturo. Morris, Hughes, Stanhope, Prinsep y Pollen también contribuyeron a la pintura.
Aparte de las lecciones de Rossetti, Burne-Jones prácticamente no recibió educación artística, habiendo logrado todo en el arte con su increíble tenacidad. Sus numerosas obras, ejecutadas en tinta o acuarelas, están elaboradas con sumo cuidado y son composiciones compuestas sobre temas literarios y románticos. Este período incluye la pintura de Burne-Jones "La sirena (1857) [Para mi más profundo pesar, aún no he encontrado una reproducción de esta obra, por lo que agradeceré la ayuda], ejecutada en acuarelas con la adición de gouache - la técnica favorita del artista, que le permitió lograr frescura y profundidad de color. Su estilo indica la afición de Rossetti, en cuyo taller pasaba varios días a la semana, tratando de comprender toda la sabiduría de su maestro.
La influencia de la obra de Rossetti en el arte de Burne-Jones es innegable. Se manifestó en los tipos de caras de los personajes, y en la decoratividad y el capricho del dibujo. Como su maestro, el artista luchó por la estetización de la realidad, pero su mayor pasión fue siempre el arte clásico, como hablan elocuentemente los lienzos de Burne-Jones. Disfrutó del patrocinio de Ruskin, quien lo introdujo en los misterios de la pintura y la arquitectura del Renacimiento italiano. Burne-Jones ha copiado repetidamente a los grandes maestros italianos, cuya influencia (especialmente Miguel Ángel y Botticelli) se nota en muchas de sus obras.

J.E. Milles. Retrato de John Ruskin

En 1858, Burne-Jones se convirtió en miembro del Hogarth Club, que, además de él, también incluía a los representantes más importantes del movimiento prerrafaelita: Rossetti, Brown, Bret, Swinburne, así como Ruskin, Watts, Webb. El club existió hasta 1861 y participó en la organización de exposiciones, la primera de las cuales fue la exposición de obras de Burne-Jones, de veintiséis años, que se inauguró en 1859. Ese mismo año, el artista realizó el primero de cuatro viajes prolongados a Italia.
El 9 de junio de 1869, Edward Burne-Jones se casó con la hermana de su antigua amiga de la escuela, Georgiana MacDonald.

Retrato de georgiana

Ella era una de las hermanas MacDonald, cada una de las cuales era famosa a su manera. La deslumbrante belleza Aggie estaba casada con el artista Edward Poynter. Alice, la mayor de las hermanas, dio a luz al famoso escritor Rudyard Kipling, que era por tanto sobrino de Burne-Jones. Louise se convirtió en la madre del primer ministro británico Stanley Baldwin.
La pareja se instaló en Great Russell Street en habitaciones desocupadas por Henry Wallis. Eran invitados habituales de William y Jane Morris en la Casa Roja, que Burne-Jones ayudó a decorar.
Georgiana se convirtió en la dueña ideal de la casa y guardiana del hogar. Se distinguió por un carácter sereno y tranquilo. Tal esposa era necesaria para un artista nervioso y ascético que prefería trabajar en el estudio a los placeres seculares hasta el punto de un completo agotamiento nervioso, que invariablemente ocurre después de cada obra importante. Georgiana rodeó a Edward con cuidado, reemplazando a su madre, a quien nunca conoció, convirtiéndose en su musa y asistente en los negocios. En 1861, dio a luz a un hijo, Philip, y cinco años más tarde, a una hija, Margaret.

Georgiana con Philip y Margaret

Georgiana Philip y Margaret

En 1879, cuando Burne-Jones se interesó en su hermosa alumna Maria Zambako, su matrimonio estaba en peligro, y solo la paciencia y el tacto de Georgiana permitieron que los cónyuges mantuvieran unida a la familia.
Los talentos de Georgiana fueron variados. Estudió en la Escuela de Dibujo de Kensington y después de su matrimonio continuó pintando, haciendo ilustraciones para cuentos de hadas de su propia composición. Más tarde, recurrió a la técnica del grabado en madera, realizando grabados a partir de los dibujos de su marido, lo que despertó la admiración de Ruskin.

Georgiana

Georgiana no era una belleza, pero Burne-Jones, quien a menudo pintaba a su esposa en sus pinturas, le dio a sus rasgos una pureza tan sublime y una nobleza espiritual que ella, junto con Lizzie Siddal y Jane Morris, pasó a la historia del arte como una de las Pre -Musas rafaelitas.
El año de matrimonio fue un punto de inflexión en la carrera creativa de Burne-Jones. Durante este período, crea cuadros que permiten hablar de él como un maestro maduro. Se trata de lienzos "Sidonia von Bork"(1860) y "Clara von Bork"(1860), concebida como pareja. En ambas obras se nota la influencia del estilo de Rossetti, que en esos años fue el ídolo del artista. La base literaria de la imagen fue el cuento "La bruja Sidonia von Bork" del romántico alemán Wilhelm Meinhold, que fue publicado en inglés en 1847 en la traducción de Lady Wilde, la madre de Oscar Wilde.
El rostro de Clara, modelado por Georgiana, expresa inocencia. La trama de la imagen es elocuente y simbólica. Clara von Bohck sostiene polluelos de mejillas amarillas en sus manos, protegiéndolos de las intrigas del gato brujo de su prima, que gira bajo sus pies.

Clara von Bork

En contraste, Sidonia von Bork, para quien se cree que posó la amante de Rossetti, Fanny Cornforth, personifica una naturaleza depredadora y malvada. Los investigadores notan algunas similitudes entre la pintura y el perfil de Isabela d'Este, que el artista pudo ver en el Palacio de Hampton Court. Una amenaza ominosa se siente en esta imagen en todo: la plasticidad de la figura, el patrón del vestido que se asemeja a una red, la coloración sombría e incluso en la firma impresa en papel en la esquina de la imagen, cerca de la cual el artista representaba. una gran araña negra.

Sidonia von Bork

De considerable interés no es tanto la forma pictórica, más libre que en las obras de años posteriores, sino, ante todo, la construcción compositiva de los lienzos, cuyo espacio profundo es una refutación de las afirmaciones de algunos críticos que consideraban el plano La construcción de obras posteriores es un signo de habilidad insuficiente y no el resultado de un estilo sutil y hábil.
La imagen también pertenece a los indudables éxitos del período inicial de la creatividad. "Hermosa Rosamund y Reina Alienora" (1862).

Muchos prerrafaelitas escribieron lienzos sobre este tema: Rossetti, Hughes, Evelyn de Morgan.
Burne-Jones utilizó el tema del adulterio, popular en el arte victoriano, colocando con habilidad y originalidad acentos plásticos y semánticos. Rosamund, que era la amante del rey Enrique II, aparece ante el espectador con un vestido blanco virgen, mientras que la reina está vestida de negro, como una hechicera malvada. Al representar a Rosamund como una víctima, la artista, contrariamente a la moral generalmente aceptada, evoca sentimientos de simpatía y compasión por ella en el espectador victoriano.
La pintura fue pintada con acuarelas, pero tiene una densidad y profundidad de color excepcional, característica de la pintura al óleo. Se sabe que Burne-Jones prácticamente no pintó al óleo en el período temprano, ya que era alérgico a este tipo de pintura.
También hay una segunda opción, realizada en colores rojos:

En 1861, en compañía de Miles y Brown, Burne-Jones viajó nuevamente a Italia, y en 1862 visitó allí con Ruskin, estudiando de manera cuidadosa y escrupulosa la pintura del Renacimiento, especialmente Mantegna, Botticelli y Miguel Ángel. Influenciado por estos artistas, cambió en gran medida su estilo temprano de Rossetti, desarrollando su propio estilo, que era más especulativo que emocional. Su trabajo se ha vuelto más duro. A partir de ahora, la línea y el contorno dominan en ellos sobre el color, que se ha vuelto más local.
Los temas favoritos del artista eran leyendas medievales y tramas de mitos antiguos llenos de misticismo religioso, también interpretados de manera mística. La principal problemática artística de sus lienzos es el héroe como juguete del Destino, instrumento en la mano de la Providencia. La naturaleza estática de las poses y el ritmo suave de sus lienzos crea una sensación de lentitud, encanto de la acción. Las pinturas de Burne-Jones son contemplativas y están llenas de un desapego sobrenatural.
Habiendo encontrado su ideal en el arte clásico, Burne-Jones era extremadamente intolerante con todas las nuevas tendencias en pintura. Modesto y retraído en la vida, el artista se distinguió en materia de arte por sus juicios categóricos extremos. En particular, con su característica franqueza, argumentó que el impresionismo le dio al mundo sólo "paisajes y putas". Por cierto, Rossetti tampoco entendió y no aceptó a los impresionistas.
Burne-Jones formuló su credo pintoresco de la siguiente manera: “Presento la imagen como un hermoso sueño romántico sobre algo que nunca sucedió y nunca sucederá; Este sueño está iluminado por una luz sobrenatural, en él vemos esas tierras en las que nadie las visitará ni comprenderá jamás. Mi única ambición es embellecer las formas.
Tales visiones artísticas hicieron de Burne-Jones uno de los líderes del esteticismo, y más tarde le permitieron clasificar su trabajo como simbolismo.
El movimiento prerrafaelita de la segunda ola, al que se unió Burne-Jones, dedicó una influencia significativa a las artes y oficios, oponiendo los productos industriales desalmados con la alta calidad de las cosas hechas a mano. La pasión por la Edad Media hizo que los prerrafaelitas cambiaran su actitud hacia la artesanía, convirtiéndola en el componente más importante del arte. En 1861, cuando Morris abrió Morris, Marshall, Faulkner & Co. en Londres, produciendo artes decorativas y artículos para el hogar (muebles pintados, vidrieras, cerámica, telas de tapicería, etc.), Burne-Jones se unió a su amigo, convirtiéndose en uno de los participantes activos en el movimiento "Artes y oficios".

Burne-Jones y Morris con sus esposas e hijos[Este es el tercer hombre de la foto, todavía no lo entiendo].

En muchos sentidos, fueron los proyectos y dibujos de Burne-Jones los que mantuvieron las actividades de la empresa, en la que fue desarrollador de vidrieras prácticamente hasta el final de su vida. Han sobrevivido más de mil vasos de colores hechos por él.
Una de las últimas obras del artista en esta área es la magnífica vidriera de la Catedral de San Felipe en Birmingham.

En tapices y vidrieras, usualmente representaba figuras humanas y Morris, adornos. Aquí Burne-Jones luchó por la integridad y la emotividad en el tratamiento de los rostros, a pesar de las protestas de Morris, quien insistió en fortalecer el principio decorativo en tales cosas.
Trabajando como decorador, Burne-Jones no abandonó la pintura, en la que el principio decorativo también se manifestó en gran medida: sus pinturas se ejecutan con una linealidad enfatizada. Al mismo tiempo, el espacio en ellos se decidió de manera muy condicional, lo que les da un parecido a los enrejados, y numerosos detalles (pliegues de ropa, armaduras, elementos arquitectónicos, motivos vegetales) están más destinados a la decoración.
En 1864, Burne-Jones fue elegido miembro de la Sociedad de Acuarelas Inglesas. La primera obra del artista mostrada en una de sus exposiciones fue "El Caballero Misericordioso" (1863).

La trama se basa en la leyenda del siglo XI en el recuento de Kinelm Digby. Su héroe es un caballero llamado John Gualberto, que luego fue canonizado. El artista, siguiendo el ejemplo de muchos prerrafaelistas, acompañó el cuadro con una inscripción que explicaba su contenido: "Sobre un caballero que perdonó a su enemigo, mientras podía destruirlo, y cómo la imagen de Cristo lo besó como señal de que su acto agrada a Dios ". En el "Caballero Misericordioso" se reflejaban visiblemente los ideales de los prerrafaelistas, que durante este período estaban más cerca del alma del artista: admiración por el espíritu de caballería, adhesión a altos principios morales. La versión final del cuadro, realizada en gouache, se distinguió por la severidad y el ascetismo tanto de la plasticidad como del color, mientras que los primeros bocetos están llenos de sensualidad e impulso, lejos de la moderación religiosa.
Burne-Jones participó en exposiciones de la Sociedad de Acuarelas Inglesas hasta 1870, cuando estalló un escándalo en torno a una de sus pinturas. Los organizadores exigieron que la acuarela de Burne-Jones se retire de la exposición. "Phyllida y Demofont"(1870), escandalizado por la franca desnudez masculina del personaje.

El erotismo enfatizado en la interpretación del antiguo mito griego, al parecer, fue un eco de su relación extramarital con Maria Zambaka, estudiante y modelo de la artista, quien la dotó de los rasgos de la imagen femenina del cuadro. En protesta contra la retirada del cuadro, Burne-Jones abandonó las filas de la Sociedad de Acuarelistas, privándose así de la oportunidad de participar en sus exposiciones.
A mediados de la década de 1860, Burne-Jones había adquirido cierta reputación que le permitió tomar una posición firme en el mundo del arte. Se convirtió en un artista de éxito entre personas adineradas y educadas. Frederick Leyland y William Graham se encontraban entre sus clientes habituales. Este último fue uno de los admiradores más devotos de Burne-Jones. Después de la muerte de Graham, su colección se vendió en una subasta de Christie, y entre las pinturas se encontraba una de las variantes del famoso "Espejos de Venus".

Constantemente insatisfecho con el resultado, Burne-Jones solía volver a trabajar en sus lienzos después de muchos años, por lo que es muy difícil rastrear la evolución de su estilo. El artista tímido e inseguro se exhibió muy raramente y por lo tanto era completamente desconocido para el gran público. Recién en 1877, presionado por amigos, mostró siete obras en una exposición en la Galería Grosvenor recién inaugurada por el artista aficionado Coates Lindsay.
El organizador vio una de las principales tareas de la Grosvenor Gallery en el hecho de que brindaba una oportunidad a los artistas que habían quedado fuera de la atención de la Royal Academy para mostrar su trabajo al público. Las pinturas de Burne-Jones fueron notadas y elogiadas. El famoso novelista inglés Henry James les escribió: "Este es un arte cultural, altamente intelectual y estéticamente sofisticado para aquellos que miran el mundo no directamente, en su realidad aleatoria, sino a través de su reflejo y representación en la literatura, la poesía y la cultura". Esta afirmación muestra elocuentemente cuán lejos fue Burne-Jones en la dirección de la ficción y la fantasía de la idea original de los prerrafaelitas, formulada por Ruskin: "dibujar lo que ves, lo que es un hecho real".
Fue este camino el que trajo al artista el reconocimiento, primero en casa y luego en el extranjero. En 1879, en la Exposición Universal de París, representó junto con Frederick Leighton la pintura de Inglaterra. Muy rápidamente, Burne-Jones adquirió una fortuna significativa con sus pinturas. En la década de 1880, tenía incluso más demanda que los extremadamente populares Milles y Leighton, que eran considerados los artistas más ricos de la época.
Los últimos años de la década de 1870 y 1880 estuvieron marcados por la conversión de Burne-Jones a grandes formas monumentales. El tamaño de sus lienzos aumentó significativamente, durante este período se volvió cada vez más a la pintura al óleo. Al mismo tiempo, el artista concibió y encarnó varios ciclos de pintura, que consisten en pinturas, revelando constantemente el tema elegido. Uno de los primeros ciclos de este tipo fue una serie de cuatro pinturas bajo el título general "Escaramujo", que es una brillante interpretación del cuento de hadas "La bella durmiente" de Charles Perrault y el poema "Sueños" de Tennyson, escrito sobre una trama similar.

Bosque de rosa mosqueta

II. Sala de Reuniones

III. Jardín del patio trasero

IV. Gazebo de Rose. (Bella Durmiente)

En él, el artista volvió a recurrir a la estética de la Edad Media que adoraba. Los cuatro lienzos están hechos sobre lienzos horizontales alargados, que juntos forman un panel extendido. La composición de Rosa Mosqueta se basa en el principio de un friso: el primer plano está formado por figuras envueltas en el sueño y acostadas en varios ángulos. Un poderoso apoyo rítmico para ellos es proporcionado por densos matorrales de florecientes escaramujos silvestres, entrelazados alrededor de las personas dormidas a semejanza de un adorno elegante. Para la imagen de la princesa, su hija Margaret posó para el artista.

Retrato de Margaret

Burne-Jones siempre ha sido excepcionalmente minucioso en el enfoque del tema representado. Para lograr una mayor confiabilidad en la transferencia de plantas, le pidió a uno de sus amigos, que tenía una casa de campo con jardín, que le enviara las ramas más espinosas del arbusto, y estudió cuidadosamente su extraño plástico. Mientras trabajaba en "El Caballero de la Misericordia", el artista estudió cuidadosamente la colección de armaduras y armas medievales de la colección de queso Coates Lindsay. Sin embargo, tanto para Rosehip como para el ciclo de Perseo, inventó y creó su propia armadura a partir de cartón y estaño. Esto le dio a sus obras una gran libertad plástica y un fantástico sonido atemporal, que correspondía absolutamente al espíritu del mito.
El artista escribió dos versiones de este ciclo. Las repeticiones del autor eran una práctica común para Burne-Jones, como para muchos otros prerrafaelitas. Uno de ellos, obra que duró seis años (1884-1890), fue escrito por encargo del coleccionista Thomas Agnew.
El segundo ciclo famoso de Burne-Jones fue "Pigmalión y la imagen", que también constaba de cuatro pinturas, que transmitían constantemente el contenido del famoso mito antiguo sobre el amor del escultor por su creación. Este ciclo también se conoce en dos versiones, la primera de las cuales (1867-1869) se realiza en colores más oscuros y ásperos, mientras que la segunda (1875-1878), pintada al óleo, es más suave, casi pastel en color y tono.
El artista trazó todas las etapas del desarrollo de la trama: el nacimiento de una idea - "Deseo de corazón"

Reverencia por la creación de las propias manos. "Mano restringida"

El milagro de la transformación "Animación divina"

Admiración por el ideal recién descubierto: "Comprensión del alma".

Sin embargo, el mito en la interpretación del artista adquiere un significado ligeramente diferente, diferente del significado canónico. La belleza ideal, creada por las manos del escultor, por voluntad de Afrodita adquirió fisicalidad, pero permaneció igual de fría. Este es un resultado amargo que espera a todo artista que se esfuerce por traducir el ideal en realidad. Al mismo tiempo, el ciclo refleja los sentimientos y emociones de Burne-Jones, quien en esos años tuvo un apasionado romance con su alumna Maria Zambako y se encontraba entonces en un feroz conflicto interno entre sentimiento y deber.

Retrato de Maria Zambako

"Pigmalión y la imagen" como ningún otro ciclo demuestra la influencia en el artista de los ideales del Renacimiento italiano, especialmente de Miguel Ángel. A veces el artista recurre a la cita directa: por ejemplo, la escena del milagroso renacimiento de Galatea en "Espiritualización Divina" con los movimientos y gestos de sus manos es sorprendentemente similar a la "Creación de Adán" del techo de la Capilla Sixtina. Esta similitud se acentúa aún más por el hecho de que en ambos casos estamos hablando de la creación del hombre. Burne-Jones admiraba el genio de Miguel Ángel e incluso rompió con Ruskin después de que éste criticara al gran escultor. Y esto a pesar de que el venerable crítico fue en algún momento el ídolo del artista. Exaltando las cualidades artísticas y humanas de Ruskin, Burne-Jones escribió: "Es tan hermoso, tan amable, mejor que sus libros, que son en sí mismos los mejores libros del mundo".
La segunda versión del ciclo "Pigmalión y la imagen" se mostró en 1879 en una exposición en la Galería Grosvenor y fue un éxito rotundo. El público lo percibió como una expresión de la idea victoriana del amor sublime y de la mujer ideal, esposa y madre, erigida por un hombre en un pedestal.
Una de las pinturas más famosas de Burne-Jones fue el lienzo "El rey de Kefetua y la mendiga"(1884), que le dio fama mundial al artista.

Se basa en una leyenda medieval sobre un valiente rey que, al regresar de una campaña, vio y se enamoró apasionadamente de una mendiga, modesta y virtuosa. El público quería ver en el lienzo solo una afirmación de la virtud como el bien supremo digno de recompensa real. Fue percibida como una especie de consuelo para las hermosas mujeres de la época victoriana, que se dedicaron a la familia. Sin embargo, aquellos que estaban familiarizados con la leyenda según la cual una mendiga, aunque se convirtió en reina, seguía siendo una mendiga, digna de desprecio a los ojos de numerosos cortesanos, pudieron ver algo más: un triste reflejo de la crueldad de la sociedad y el triunfo de los prejuicios de clase. En 1889, por este cuadro, expuesto en la Exposición Mundial de París, el artista recibió la Orden de la Legión de Honor.
Quizás el ciclo más famoso de Burne-Jones es su “Perseo, escrito sobre el tema de un mito antiguo. En 1875, el artista recibió un pedido del político y futuro primer ministro británico Arthur Balfora por diez pinturas destinadas al salón de música de su residencia londinense. A pesar de que todos los bocetos preliminares se hicieron en gouache, solo cuatro de ellos recibieron su encarnación final en aceite: ¿"Perseo y las ninfas del mar"? es "Armamento de Perseo"... [Encontré dos opciones]

"Rock of Doom"

"Rueda de la fortuna"

Y "Cabeza siniestra"

El trabajo en el ciclo tomó mucho tiempo. La razón de esto fue el gran tamaño de las pinturas, las complejas interpretaciones simbólicas de los temas elegidos por el artista y la constante insatisfacción del autor con su propio resultado. Al final, el cliente, cansado de esperar a que se completara todo el ciclo, aceptó gentilmente los cuatro paneles que se habían completado.
Posteriormente, el artista hizo una repetición de la repetición de las cuatro obras terminadas, mientras que los bocetos quedaron bocetos. Las pinturas del ciclo de Perseo ganaron una inmensa popularidad y tuvieron un gran impacto en el arte contemporáneo, predeterminando luego en gran medida los problemas artísticos del simbolismo y la modernidad.
En 1882 Burne-Jones inició una serie de pequeñas acuarelas bajo el título general "Libro de las flores", en el que trabajó durante toda una década.
[Voy a hacer un post aparte con reproducciones de acuarelas del "Libro de las Flores". Puede que haya encontrado reproducciones de no muy buena calidad, pero eso es todo].
El deseo de Burne-Jones por una gran forma monumental se reflejó en la colaboración activa con la firma de su amigo Morris, donde fue uno de los principales diseñadores en la década de 1880. El final de la década vio la creación de la primera gran serie de tapices sobre el tema de La Adoración de los Magos. Una gran cantidad de bocetos y bocetos de esta gran obra han sobrevivido, lo que demuestra la seriedad con que abordó cualquier forma de creación artística.
El logro de tapiz más destacado de Burne-Jones fue la serie Holy Grail diseñada para decorar el comedor en Steinmore Hall, la residencia de campo del industrial australiano William Norsy d'Arcy.

Visión del Santo Grial

El tema de la búsqueda del Santo Grial desde su juventud emocionó a Burne-Jones con su polisemia, espíritu sublime y místico. Lo consideraron el episodio más hermoso y completo del ciclo artúrico. El trabajo en la serie de tapices llevó varios años. Fueron tejidos en Merton Abbey entre 1891 y 1894 y son, con mucho, una de las creaciones más impresionantes sobre el tema.
Burne-Jones también hizo contribuciones significativas a otra empresa de Morris, la Kelmscott Press, fundada a fines de la década de 1880. Los artistas vieron su objetivo en el resurgimiento de la antigua tradición de publicación de libros altamente artística. La publicación de Los cuentos de Canterbury de Chaucer con ilustraciones de Burne-Jones se convirtió en una verdadera obra maestra del arte del libro. El libro se publicó en 1896, cuatro meses antes de la muerte de Morris.

Una de las páginas del libro de Chaucer.

En 1885, Burne-Jones fue admitido en la Royal Academy, pero el ambiente oficial que reinaba en ella era ajeno al artista, y dimitió. En las exposiciones anuales de la Royal Academy, participó solo una vez, mostrando su lienzo "Profundidades del mar" (1886).

En 1894, un año después de su jubilación, Burne-Jones recibió el título de baronet, lo que sorprendió y divirtió a sus amigos, que conocían el carácter del artista y su actitud ante el reconocimiento oficial.
En la década de 1890, la salud de Burne-Jones, socavada por el trabajo agotador constante en el taller, se deterioró significativamente. La muerte de William Morris en 1896 fue un duro golpe para él, ya que su amistad y cooperación duró casi medio siglo.

William Morris

Edward Burne-Jones murió repentinamente en su casa de West Kensington, Londres, el 17 de junio de 1898, y fue enterrado en Rottingdeen, Sussex, donde era dueño de una casa de campo.
La reputación de Burne-Jones después de la muerte fue mixta. Algunos críticos reprocharon su trabajo por la decadencia y sus lienzos por una elaboración demasiado cuidadosa. Otros se burlaron de sus ideas de caballerosidad. El propio artista quería que sus cuadros se disfrutaran, no que se analizaran.
Hoy en día, Burne-Jones se lee como uno de los representantes más destacados de la escuela de arte británica, que desarrolló los principios estéticos de la Hermandad Prerrafaelita. Sus obras se distinguen por un asombroso refinamiento de imágenes y madurez de estilo. Combinan tanto la sensualidad como la decencia externa, característica de la época victoriana.

Taller de Burne-Jones

Mujeres de su belleza sobrenatural, como iluminadas desde dentro por la luz espiritual más elevada, gozaron de más éxito entre el público que las imágenes mucho más sensuales creadas por Rossetti. Burne-Jones influyó en varios artistas contemporáneos más jóvenes como John Melush Straduick, John Roddam Spencer Stanhope, Charles Fairfax Murray y Evelyn de Morgan. Un papel especial en esta serie pertenece al artista Thomas Matthews Rook, quien durante muchos años se desempeñó como asistente en el taller de Burne-Jones y participó activamente en la creación de los lienzos y ciclos más grandes del maestro.
La colección más representativa de obras de Burne-Jones se conserva en la City Art Gallery de su Birmingham natal.

El texto está basado en un artículo del libro: World Art. Prerrafaelitismo / Comp. I. G. Mosin. SPb., LLC "SZKEO Crystal", 2006

Edward Coley Burne-Jones (28 de agosto de 1833, Birmingham, Gran Bretaña - 17 de junio de 1898, Londres, Gran Bretaña) - pintor e ilustrador inglés, cercano en espíritu a los prerrafaelistas, uno de los representantes más destacados de la movimiento de artes y oficios. Ampliamente conocido por sus vidrieras.

Burne-Jones recibió su educación primaria en la Escuela King Edward de Birmingham. Desde 1848 ha asistido a cursos nocturnos en la escuela de diseño del gobierno. En 1853 estudió teología en Exeter College (Universidad de Oxford). Aquí conoce a William Morris, y ambos, impresionados por las pinturas de los prerrafaelitas, deciden abandonar la teología por la pintura. Cuando Dante Gabriel Rossetti se encuentra con William Morris y Edward Burne-Jones en 1856, este conocido marca el comienzo de una nueva etapa en el desarrollo del movimiento prerrafaelita.

En 1856, Burne-Jones se comprometió con Georgiana (Georgie) MacDonald (1840-1920), una de las hermanas MacDonald. Estudió para ser artista y era hermana de un antiguo amigo de la escuela, Burne-Jones. La pareja se casó en 1860. Georgiana comenzó a grabar en madera y se hizo amiga de George Eliot. (Otra hermana, MacDonald, se casó con el artista Edward Poynter, la segunda, con el propietario de las empresas metalúrgicas Alfred Baldwin y se convirtió en la madre del primer ministro Stanley Baldwin, y la tercera, en la madre de Rudyard Kipling. Así, Kipling y Baldwin fueron Sobrinos de Burne-Jones).

Georgiana dio a luz a un hijo, Philip, en 1861. El segundo hijo, nacido en el invierno de 1864, cuando Georgiana enfermó de escarlatina, murió poco después de nacer. Luego, la familia se mudó al No. 41 en Kensington Square, y su hija Margaret nació allí en 1866.

En 1867 Burne-Jones y su familia se mudaron a Grange, una casa del siglo XVIII con un gran jardín en Fulham. A lo largo de la década de 1870, Burne-Jones apenas exhibió su obra, sobreviviendo a los ataques de la prensa amargamente hostiles y a un apasionado romance (descrito como "el clímax emocional de su vida") con la modelo griega Maria Zambako, que terminó en su intento de suicidio al lanzarse a el Canal del Regente. Durante estos años difíciles, Georgiana se convirtió en una amiga cercana de Morris, cuya esposa Jane estaba enamorada de Rossetti. Georgie y Morris podrían haberse enamorado, pero si él le pidió que dejara a su marido, ella se negó. Al final, los Burne-Jones, como los Morris, permanecieron juntos, pero Georgie y Morris fueron cercanos por el resto de sus vidas.

Su hijo Philip se convirtió en un famoso retratista y murió en 1926. Su amada hija Margaret (fallecida en 1953) se casó con John William Mackale (1850-1945), amigo y biógrafo de Morris, profesor de poesía en Oxford desde 1911-1916. Sus hijos Angela Firkel y Denis Makeil se convirtieron en escritores.

Burne-Jones recibió la Legión de Honor por su pintura King Cophetua and the Beggar Maid (1884).

En 1894 Burne-Jones recibió el título de Baronet.

En 1885, Eward Burne-Jones fue elegido miembro asociado de la Royal Academy of Arts, pero en 1893 renunció a este título.

A los veintidós años, Burne-Jones descubrió La muerte de Arthur de Thomas Malory, y hasta el final de su vida creó lienzos dedicados a estas leyendas. La belleza y el misterio de las leyendas antiguas cautivaron a Burne-Jones también porque eran leyendas cristianas, construidas sobre el tema de la batalla del bien y el mal, el pecado y la salvación. Como muchos otros contemporáneos que perdieron su fe en Dios, Burne-Jones conservó la fe en las virtudes cristianas, el amor romántico y la nobleza. Dos años antes de su muerte, escribió: "Sorprendentemente, esta historia del Santo Grial siempre ha estado en mis pensamientos ... ¿Hay algo en el mundo que sea tan hermoso?"

Burne-Jones dibuja mucho cuerpo masculino desnudo. Sus cuadros son casi planos, no tienen un marcado juego de luces y sombras. Se centra en la línea, y el color de su trabajo suele ser naranja dorado. El detalle y el realismo excesivo de los prerrafaelistas no son característicos de Burne-Jones. Sus personajes son muy estáticos, sus rostros están separados y sus poses recuerdan más a las elegantes poses de estatuas. Casi no hay dinámica en las pinturas, solo contemplación.