En los pasillos de la Galería de Arte Zurab Tsereteli en st. Prechistenka, 19 abre una exposición de obras del miembro correspondiente de la Academia de las Artes de Rusia Yuri Zlotnikov "Pintura: un análisis de la psicofisiología del hombre y la exhibición de su espacio existencial".

La exposición retrospectiva incluye más de 150 pinturas y obras gráficas creadas entre los años 50 y 2015.

Yuri Zlotnikov es uno de los artistas más brillantes y significativos del arte abstracto ruso. Nació en 1930 en Moscú. Estudió en la Escuela de Arte de Moscú, trabajó como aprendiz de decorador en el Teatro Bolshoi, participó en el diseño de exposiciones en VDNKh, colaboró ​​con editoriales como ilustrador de libros. Y todo este tiempo estuvo buscando su propio camino en el arte, su propio sistema de medios pictóricos. A mediados de la década de 1950, Zlotnikov creó la serie Signal System de hojas de gráficos abstractos. Junto con psicólogos, realizó experimentos, tratando de comprender cómo el cerebro humano percibe las señales enviadas por las pinturas. “Para mí, el arte es ante todo investigación”, dice el artista.

A principios de la década de 1960, Zlotnikov volvió a la realidad y se embarcó en creativos viajes de negocios. El dominio de la composición, un sentido natural del color se distinguen por sus retratos pictóricos y series figurativas: "Escaparate", "Ciudad", "Balakovo". Ya en estas obras se manifiesta su comprensión del cuadro como construcción condicional. Y luego escribió composiciones de múltiples figuras, vistas desde arriba y, por así decirlo, en la distancia, esa visión le permitió transmitir una gran escala incluso en pinturas de pequeño tamaño. A partir de finales de la década de 1940, dedicó muchas obras al tema de Moscú.


En la década de 1970, Zlotnikov trabajó en la serie Koktebel, en la que volvió a la pintura abstracta, pero con un estilo diferente al del famoso Signal System. Junto a los paisajes líricos sureños, aparecen obras donde el espacio juega el papel principal, y una vista desde arriba convierte figuras y objetos humanos en manchas de color, líneas, comas en la superficie de la hoja, disolviéndolas en el medio natural.

En las décadas de 1970 y 2000, con cada nueva serie, el artista denota una cierta etapa de creatividad, a menudo no relacionada con la anterior. Metafórico, alegórico es el "ciclo bíblico". Aquí hay personajes bastante reconocibles (El sacrificio, El nacimiento de José) y una pura abstracción de manchas de color y formas geométricas: todas las obras están unidas por imágenes intensas, un sentido trágico de la historia sagrada.


El constante espíritu de experimentación hace que el artista busque nuevos caminos. En el cuadro "Antítesis del" Cuadrado negro "de Malevich (1988), Zlotnikov, con sus pinceladas pegadizas y enérgicas, transmite la infinidad de sensaciones de color del mundo circundante.

En las décadas de 1990 y 2000, continúa sus experimentos plásticos, trabaja en las series: "Construcciones espaciales", "Jerusalén", "Combinatoria espacial", "Polifonía", etc., sorprendiendo constantemente con descubrimientos creativos inesperados.

El Doctor en Historia del Arte A. Rappaport escribe: “Zlotnikov es único en el sentido de que nunca imitó a nadie, estableció sus propias leyes y modelos y no cambió los principios del arte abstracto, que luego fueron sometidos a una revisión decisiva por parte de los conceptualistas. Su oposición al conceptualismo es un testimonio de su actitud intransigente. Zlotnikov se relaciona con el arte conceptual por la reverencia por la ciencia y la filosofía. De todas las direcciones de la vanguardia, Zlotnikov elige la no objetividad, la abstracción ".

Las obras de Yu. Zlotnikov se encuentran en las colecciones de la Galería Estatal Tretyakov, el Museo Estatal Ruso, el Museo Pushkin im. A.S. Pushkin, el Museo Literario Estatal, el Museo de Arte Moderno de Moscú, en muchos museos y colecciones privadas rusos y extranjeros.

Hace nueve años, a Maria Kravtsova y Valentin Dyakonov se les ocurrió la idea de entrevistar al artista Yuri Savelievich Zlotnikov. El maestro se sintió halagado por la atención de los críticos jóvenes (en ese momento), los recibió calurosamente, mostró sus obras, no los dejó ir. Los críticos, como de costumbre, descifraron, editaron, imprimieron (el clásico, por supuesto, prefería leer en un trozo de papel) y lo llevaron a Zlotnikov para obtener una visa. Y luego ... Zlotnikov gritó que estaba viendo este texto por primera vez, que estaba viendo a estos críticos por primera vez, ¡y que en general eran estafadores! ¡¡Zhu-li-ki !! ¡¡¡CANGREJOS !!! Sin embargo, la entrevista se publicó: la artillería pesada se enfrentó al entonces editor en jefe de la revista "Artchronika" Nikolai Molok y al fotógrafo Ignat Daniltsev, cuyas personalidades no evocaron asociaciones inesperadas con el maestro. Este fue el preámbulo. Y aquí hay una ambula (es decir, una pista para una entrevista): entre las leyendas del arte soviético de posguerra, Yuri Savelievich Zlotnikov ocupa un lugar honorable como el primer artista abstracto de la nueva era. Primero se hizo famoso por su serie "Signals", pinturas-estudios mezclados con cibernética y semiótica, que estaban de moda en la década de 1950. El día de la muerte del clásico. De descendientes agradecidos (Maria Kravtsova y Valentin Dyakonov).

Yuri Zlotnikov. Serie musical. Octava sinfonía de Shostakovich. 1970. Papel, gouache. Servicio de prensa de cortesía de la Academia de las Artes de Rusia.

Maria Kravtsova: ¿Dónde estudiaste?

Yuri Zlotnikov: Me gradué de la escuela de arte de la Academia de Artes en 1950. Allí estudiaron principalmente hijos de personajes famosos. Helium Korzhev y Pavel Nikonov salieron de él. Traté de ir a la universidad, pero no me atreví a pintar con un espíritu ilusorio. Había estudiantes habilidosos, que partían de los tacones y el brillo hacía la figura. Y estoy acostumbrado a diseñar.

M.K .: ¿Entonces no tienes una educación superior?

Yu.Z.: Ingresé a instituciones de educación superior cuatro veces. En VGIK, Yuri Pimenov me dio una A en pintura y dibujo. Pero al entrevistar a la vicerrectora Dubrovsky-Eshke sobre cómo me gusta la escultura de Mukhina "Trabajadora y campesina colectiva", le dije que me gusta más Bourdelle, con quien estudió. Quizás mi estupidez influyó en el resultado: me dijeron que no pasaba puntos. Para compensar mi fracaso, aprobé mis exámenes de prácticas en el Teatro Bolshoi. Trabajó allí en el equipo del artista teatral Fedorov, quien fue el autor de la escenografía de "El lago de los cisnes". Al final de la pasantía, podría haberme quedado allí para trabajar, pero me fui a nadar gratis. Durante algún tiempo trabajó en VDNKh en el pabellón "Mecanización y Electrificación de la Agricultura".

Yuri Zlotnikov en el día de la inauguración de la exposición "T / s" Cupido ". Metamorph ”en la Stella Art Foundation. 2011. Fuente: safmuseum.org

Valentin Dyakonov: Se le llama el primer abstraccionista del "deshielo".

Yu.Z.: Durante el deshielo, aparecieron libros sobre arte occidental contemporáneo. En particular, Oleg Prokofiev, hijo del compositor, siendo crítico de arte, suscribió libros a través del Instituto de Historia del Arte. Mi amigo Vladimir Slepyan, que abandonó el Instituto Pedagógico (Mecánica y Matemáticas), no se separó del entonces conocido libro de Kleene "Introducción a las metamatemáticas". No era muy amiga de las ciencias exactas, me atraía más la psicología y la historia. Al mismo tiempo, mis amigos eran matemáticos, lógicos, que comenzaron a involucrarse en una nueva ciencia: la cibernética. Y a través de ellos llegué a seminarios en la Universidad Estatal de Moscú sobre biomatemáticas del famoso matemático I.M. Gelfand. Entendí las matemáticas artísticamente, dándome cuenta de poco concretamente; esto, por extraño que parezca, ayudó mucho a la comprensión de los plásticos. Mis amigos del Instituto de Informática y el tiempo mismo me hicieron ver las matemáticas de una manera nueva, para ver en ellas alguna esencia mística. El misterio de este mundo y la posibilidad de comprenderlo. Slepyan, después de haber estudiado tres cursos de pedagogía, estaba más bien enamorado románticamente de las matemáticas, en lugar de hacerlo profesionalmente. Esto permitió que nuestra comunicación fuera libre. Las conversaciones comenzaron por iniciativa suya con la teoría de conjuntos. Esta es la entrada más apropiada a las matemáticas para un principiante. Le hice preguntas de orientación humanitaria. Tenía que encontrar respuestas conectadas de alguna manera con la lógica científica. Y estas conversaciones nos llevaron a un interés intelectual por el proceso en el arte. Esta fue la entrada al arte abstracto para mí en esos años.

M.K .: ¿En qué se diferencia su abstracción de las obras de sus predecesores y contemporáneos?

Yu.Z.: La idea principal de mi trabajo: nos damos cuenta de nuestra actividad mental. El arte es el modelo de nuestra vida interior. La comunicación con los matemáticos me mostró que, además de las operaciones verbales, existe un lenguaje más simple: el lenguaje de nuestra fisiología. Hoy en día se han publicado muchos libros, la abstracción se ha convertido en una moda. Si todavía estuviéramos interesados ​​en la cognición, hoy el arte abstracto es una especie de posición que conlleva una carga social.

VD: ¿Es decir, trataste de hacer cosas que produzcan cierto efecto en el espectador a nivel corporal?

Yu.Z.: Si. Incluso hablé en una conferencia científica sobre psicología de la ingeniería. ¿Por qué es interesante la psicología de la ingeniería? Estudia a la persona involucrada en el proceso de trabajo. Estaba interesado en cómo se combina mi trabajo con los problemas de esta área. También conocí a gente del laboratorio de electrofisiología del hospital Botkin. Me interesaba el impacto de mis objetos en la percepción de una persona, sus biocorrientes.

Yuri Zlotnikov. Proyecto de la central eléctrica del Volga. 1970. Técnica mixta sobre papel.

VD: ¿Mostraste imágenes y esperaste una reacción fisiológica?

Yu.Z.: Es cierto, entonces me decepcionó esto. Rápidamente me di cuenta de que una persona asimila cualquier impacto y lo traduce al habla, el lenguaje de señas es el segundo sistema de señalización. Entonces me interesé por el diseño industrial. Realicé un proyecto de diseño para una escuela para un taller de arquitectura. Creé conceptos de diseño para las instalaciones de la fábrica. Mis ideas quedaron registradas en la Enciclopedia Infantil de esos años en forma de mesa: el diseño de talleres industriales y la organización de la estructura del panel de control. Es interesante que el artista Dima Gutov recuerde esta mesa desde la infancia. Mi idea era sacar a la superficie todo el proceso de producción para que el operador que trabajaba en el taller pudiera ver este proceso visualmente y de acuerdo con sus sentidos y psicofisiología. Me las arreglé para darme cuenta de algo de mis ideas. En particular, mientras trabajaba en VDNKh, hice un gran proyecto para la exposición del instituto ucraniano bajo la dirección del académico Paton en el pasillo del pabellón de Ucrania. Usé un letrero que enfatizaba el movimiento de este flujo en el pasillo, y trabajé no solo para la decoración, sino también de manera constructiva. No sabía que, al mismo tiempo, el brillante arquitecto Leonidov trabajaba como simple diseñador en VDNKh.

M.K .: Probablemente, en la década de 1950, tenías que ser una persona valiente para hacer una abstracción.

Yu.Z.: Es ridículo considerar a un abstraccionista como un enemigo ideológico. El gobierno soviético se guió por la falta de voluntad del suboficial Prishibeyev para pensar libremente. Estaba tan fascinado por el arte abstracto que no fue casualidad que buscara contactos con científicos para salir de la prensa ideológica. Era imposible exhibir obras abstractas. Por lo tanto, utilicé las noches de debate en la Unión de Artistas de Moscú, por ejemplo, dedicadas a los problemas de la música en color. Allí fue posible exponer obras abstractas relacionadas con la música en color. En cuanto a la reacción del público, incluso los buenos artistas se sintieron intimidados por la novedad de mi trabajo. Pero toda la atmósfera de esa época —interés por la cibernética, la psicología— ayudó al arte abstracto a no ceder, sino a vivir. Según tengo entendido ahora, semejante atmósfera era beneficiosa, eliminaba la afectación bohemia, obligaba a percibir el arte abstracto como el arte de la cognición. Que, lamentablemente, falta ahora. El arte se convirtió, más bien, no en un campo de conocimiento, sino en una especie de impacto teatral y ético en una persona.

Yuri Zlotnikov. Gente, espacio, ritmo. Finales de la década de 1970

V.D .: Se sabe que en la década de 1960 recibiste algún tipo de orden militar.

Yu.Z.: Si. Me pidieron que registrara una de las fábricas de la industria de defensa. Luego recobré un poco la razón, dándome cuenta de que estaría comprometido en fortalecer la conciencia imperial. Y me negué.

VD: ¿Fue un pedido a través de la Unión de Artistas de Moscú?

Yu.Z.: No, me lo ofrecieron personas que conocía del trabajo en VDNKh. Pero en un momento, la Unión de Artistas de Moscú envió a artistas jóvenes a obras de construcción en el país. Me enviaron a Balakovo, cerca de Saratov, donde se estaba construyendo la central eléctrica de Balakovo. Cuando aparecí allí, me ofrecieron organizar una exposición económica en la región del Volga. Hice el proyecto, pero quedó en papel.

M.K.: ¿Ya ha sido miembro de la Unión de Artistas de Moscú?

Yu.Z.: Me aceptaron en 1972.

M.K .: ¿Cómo se las arregló para llegar allí sin una educación superior?

Yu.Z.: Muchos artistas, miembros de la Unión de Artistas de Moscú, no tenían una educación superior. Otra cosa es que las figuras clave de la administración de entonces me conocían de mi escuela de arte. Por cierto, uno de los que me aceptó fue Ilya Kabakov: entré en la sección de gráficos de libros. Por supuesto, hubo conflictos. Primero me podrían invitar a la exposición y luego no se me permitiría mostrar mi trabajo. Pero estaba tranquilo sobre esto: en primer lugar, se necesitaba ser miembro de la Unión de Artistas de Moscú para un informe policial. En la Unión de Artistas de Moscú, hice seminarios científicos: "Favorsky y su escuela", "Simonovich-Efimova y su escuela". Entonces todavía me dejé llevar por el dibujo de los niños. Y me enviaron en un viaje de negocios por Asia Central para coleccionar dibujos de niños para una gran exposición en Occidente. Trabajar con niños fue muy importante para mi pensamiento.

Yuri Zlotnikov. Salto triple. 1979. Temple sobre papel. Galería de arte magnitogorsk

VD: ¿Qué te aportó este trabajo?

Yu.Z.: Enseñé en la Casa de los Pioneros del Distrito Leninsky. Pensé que no sería mucho, pero me dejé llevar terriblemente. Trabajar con niños se ha convertido en una forma de estudiar psicología humana. Cada uno tiene su propia letra, dependiendo del carácter y las habilidades motoras. Había niños muy interesantes allí. Un niño ruso, que pasó toda su infancia en Asia Central, pintó de manera hermosa los monasterios e iglesias rusos. El niño judío retrató pueblos pequeños, aunque nunca había estado en ellos. Por cierto, ahora este niño es una de las figuras públicas activas de Israel, agobiado por su familia, lidera excursiones en el Muro Occidental. Es decir, los genes influyeron fuertemente en la creatividad.

M.K.: ¿Has pensado alguna vez en emigrar?

Yu.Z.: La partida de Slepyan en 1957 fue como volar a Marte para mí. El extranjero parecía incomprensible para la confusa conciencia soviética. Los libros y películas sobre la vida en el extranjero eran increíblemente atractivos. Y, por supuesto, la partida de los amigos fue dolorosa, y parecía que me iba cada vez más al servicio de la vida que entonces tomaba forma en la Unión Soviética. Por supuesto, vivir en Rusia es difícil, a veces insoportablemente difícil, pero increíblemente interesante. Nadie te empuja por debajo del codo, el mundo intelectual dejó la oportunidad para estar solo, y así el trabajo cada vez partía de cero, con una especie de infantilismo, realmente lo agradecí.

VD: Siempre es interesante qué observaciones de la vida inspiran a un artista abstracto. ¿Qué te ha influido del mundo visible?

Yu.Z.: Para mí es importante viajar, moverme en el espacio. Por ejemplo, en 1994, cinco artistas, incluyéndome a mí, encabezados por Tair Salakhov, fuimos a Irak a una exhibición en honor a la victoria de Saddam Hussein sobre Irán.

Yuri Zlotnikov. Panel espacial. 1989

VD: ¿Cómo aceptó participar en una exposición dedicada a la victoria de un estado sobre otro?

Yu.Z.: Supe su nombre solo al llegar. El entonces Irak me recordó a la era estalinista: los retratos de Hussein cuelgan por todas partes, todo el mundo tiene miedo de decir demasiado. Pero vi Babilonia, escultura sumeria, y esta fue una de mis principales experiencias artísticas. En general, los viajes, el movimiento en el espacio geográfico tienen un impacto importante en mí. Mientras estábamos en Israel, mi discípulo cristiano y yo recorrimos el camino desde el Huerto de Getsemaní hasta el Calvario. He creado cierta imagen de Cristo. Esta imagen me obsesionó tanto cuando fui a París más tarde como en las iglesias rusas. Había un sentido de personalidad, ¡y qué diferentes culturas religiosas surgieron de sus enseñanzas!

M.K .: En la época soviética, ¿había compradores para sus obras?

Yu.Z.: Este es el privilegio de mi generación: solo hicimos arte, no pensamos en el dinero y las carreras. Aunque muchos de mis contemporáneos tomaron un camino ligeramente diferente.

VD: ¿Conocías a Victor Louis, un espía y mediador entre los inconformistas y Occidente?

Yu.Z.: Estaba en mi taller en la década de 1970. Se lo alquilé a mi amigo Oleg Prokofiev. Louis vino de visita con Prokofiev. En mi lugar, por cierto, la autora del libro sobre la vanguardia soviética "Experimento ruso" Camilla Gray conoció a Prokofiev. Luego se casaron. Camilla murió en Moscú a causa de la enfermedad de Botkin.

VD: Tuviste una exposición en la NCCA dedicada a Internet. ¿Pasas mucho tiempo en la web?

Yu.Z.: No. Para mí, Internet es interesante, como lo fueron las matemáticas, desde un punto de vista existencial. El mundo se ha vuelto informativamente muy transparente.

Yuri Zlotnikov. De la serie Signal System. 1957-1962. Papel, gouache, temple

M.K.: ¿Cuál de los artistas de la vanguardia rusa valoras más?

Yu.Z.: Para mí, las figuras más importantes de la vanguardia son Malevich y Larionov. Larionov para mí es más root, eslavo, que Kandinsky. ¿Quién es la encarnación del arte ruso de todas las épocas para ti?

M.K.: Malyavin. O Zvezdochetov.

Yu.Z.: Para mí, el principal símbolo del arte ruso es Rublev. Su "Trinidad", por un lado, es luminosa y, por otro, es sustancialmente compleja.

M.K .: Después de todo, fue arrastrado a los sustratos durante la restauración del cambio de siglo XIX-XX. Intentamos llegar a la pintura de Rublev y, como resultado, limpiaron la capa de pintura casi hasta la raíz.

Yu.Z.:¿Crees que la "Trinidad" es el resultado de la restauración? Conocemos muchos íconos sobre este tema. Pero es en la Trinidad de Rublev donde no hay historia. Hay una mezcla de contemplación y certeza que nadie, ni siquiera Giotto, expresó. La luz es muy importante para mí. Uno de los visitantes de mi exposición en Israel escribió "Música, música, música sólida". Lo alcancé, le di las gracias, le dije que me iba pronto. “Es una lástima”, dijo. "Carecemos de ese arte". Los artistas israelíes llevan el sello de la historia de su pueblo. Son duros. La historia del país no es propicia para la diversión. Y es importante para mí transmitir que nuestro mundo está bendecido, que no es solo un valle de dolor.

Yuri Savelievich Zlotnikov proviene de la gloriosa cohorte de los años sesenta; en ellos, como en las estructuras de soporte, todavía se conserva el arte ruso contemporáneo. Pero el biorritmo del trabajo de hoy de Zlotnikov es asombroso: parece que no se detiene ni un minuto y expande constantemente el frente del experimento, fijando en cientos o incluso miles de bocetos las ideas e imágenes que lo abruman.

El procedimiento creciente y la pasión por la creatividad, la libertad, el coraje y la pureza de las soluciones artísticas son increíbles: donde, al parecer, la edad, la experiencia y el estado apelan a la tranquilidad y la integridad, Yuri Zlotnikov todavía atrae a todo lo que no se ha probado: nuevas formas, medios, tecnologías ... No hace mucho, su pintura pasó con éxito la prueba de la arquitectura (un panel en uno de los hoteles en el centro de Moscú). Quedó claro que nuestro arte perdió mucho por el hecho de que Zlotnikov no contaba con paredes para pintar, como Matisse o Chagall. El artista encontró otra forma de pintar extremadamente moderna, si no de moda. Se interesó por la impresión sobre lienzo y creó llamativos carteles que le permitieron combinar análisis y síntesis, fragmento y todo, proceso y resultado en una pintura. Estas cosas, según el ingenioso comentario del crítico Andrey Kovalev, "parecen estar impresas por una mente superior e inmediatamente en el disco duro".

El artista Yuri Zlotnikov ingresó al arte de manera rápida y brillante, presentando al mundo artístico en el cambio de las décadas de 1950 y 1960 obras que de una vez por todas aseguraron su lugar en la historia. Las famosas Señales no sólo volvieron a pintar la energía formadora que se había perdido desde la época de las vanguardias (sin duda Zlotnikov partió aquí de Mondrian y Malevich), sino que, poseyendo recursos independientes, entró en la órbita de las corrientes actuales de Abstracción geométrica europea. El arte, según Zlotnikov, es "un sistema de regulación intelectual dirigida de las reacciones espontáneas de la psique". Capta las "señales" de las experiencias sensoriales táctiles y las habilidades motoras fisiológicas de una persona, objetivándolas en el lenguaje natural de los signos geométricos elementales. Las señales se basan en un interés real por las matemáticas, la cibernética, la psicología y parecen una serie de experimentos científicos bien pensados. La estética de la lógica, fórmulas, pruebas, organización, decisiones racionales, creencia romántica en la razón capaz de derivar una ley universal, comprender la verdad objetiva ... Siendo la expresión absoluta del “espíritu de los tiempos”, las “Señales” parecen irradiar el entusiasmo de la revolución científica y tecnológica. Los hizo pensando en aplicaciones para la vida, desde la medicina, la psicología, la ergonomía hasta el diseño y la construcción.

Zlotnikov fue radical no solo en abstracción. Poco después de "Signals" pintó una serie de autorretratos, que tampoco tenían análogos en la pintura rusa de esos años. Se distinguen por la entonces inconcebible audacia, igualmente relacionada con el tema de la imagen, y con la forma de ejecución. En varias hojas, el artista, despreciando las convenciones y rompiendo todo tipo de tabúes, se presentó con desafiante franqueza en "el traje de Adam", sin embellecer su cuerpo nada atlético. Ante una sociedad de subordinados, asustados y controlados, demostró valientemente una independencia interior, reforzada por la confianza juvenil en sí mismo. Y al mismo tiempo, la inseguridad del “yo” del artista frente a las curiosas y traumáticas “visiones” del destino, el espectador, la sociedad. Recuerdo de Galich: “aquí estoy frente a ti, como desnudo”, solo aquí sin “como si”. La solución plástica de la imagen no era menos audaz y nítida: una forma nítida, libre, ritmo sincopado, color concentrado, movimiento caótico de líneas y manchas.

Los autorretratos son comparables a las "Señales": en la inteligibilidad y eficacia del conjunto de tareas, en el enfoque de investigación y la naturaleza conceptual de la idea. Zlotnikov no se rindió por completo al "elemento de la autoexpresión emocional, la expresión" (uso las palabras del propio artista), y aquí mantuvo la misma actitud analítica. De ahí el principio de serialidad, la repetición del motivo y la apertura de la técnica (espejo, reflejo, mirada), la secuencia de desviaciones graduales de la trama (acción, vestimenta, formato y formulación de la figura, perspectiva y punto de vista). , ambiente interior), cambios en las condiciones pictóricas y plásticas (velocidad y naturaleza del trazo, escala de colores, grado de generalización, método de colocación y espesor de la capa de pintura).

Desde mediados de la década de 1960, comienza un período de "metafórica" ​​en la obra de Zlotnikov, que duró hasta finales de la década de 1980. En composiciones centrífugas, “múltiples”, donde reinan formas vivas no lineales, “impetuosas”, surge una imagen omnipresente del mundo, impregnada de un ritmo único de formación continua e intensa. Aquí se sintetizan el espacio y el tiempo, la luz y la oscuridad, la vida y la muerte, la naturaleza y la cultura, la geografía y la historia, el hombre y el universo. Aquí, según Pasternak, "los continentes arden en espacios ilimitados" y se puede escuchar, como en el de Zabolotsky, "el canto feroz de los vientos". La metáfora en la que se asienta este nuevo lenguaje expresivo se basa en los principios del modelado asociativo, que preserva la presencia parpadeante de la realidad superada y transformada en la improvisación abstracta. A Zlotnikov se le ocurrió la forma más expresiva de "representar" a la humanidad: con la ayuda de innumerables grupos de trazos cortos en zigzag, retorciéndose y temblando, en los que se adivinan las siluetas de las personas. El espacio mismo brota en Zlotnikov como una "masa humana", como una "caña pensante".

En las obras de los últimos 10 a 15 años, Zlotnikov, como dispositivo sensible, capta los "distintivos de llamada" del proceso de pensamiento, fijándolos en un sistema especial de registro de señales. La composición recuerda a un borrador escrito a mano o una pantalla de computadora: los signos son vagamente similares a fragmentos de fórmulas, gráficos, diagramas, descargas y ondas de dispositivos electrónicos. Vuelan, chocan, se confunden, se superponen, se cruzan, se tocan y se cruzan: el curso del pensamiento, cuyo resultado es una decisión lógica particular, es irracional e impredecible.

Al mismo tiempo, Zlotnikov, en innumerables hojas y lienzos, parece estar probando la abstracción misma, confirmando una y otra vez su capacidad para ser un lenguaje universal del pensamiento plástico.

El pionero de la abstracción rusa de posguerra, Yuri Zlotnikov, ni siquiera había oído el nombre de Clement Greenberg cuando creó su serie Signal System a finales de los años cincuenta. Pero, sin duda, compartía el patetismo del teórico norteamericano del alto modernismo con respecto a la separación entre vanguardia y kitsch. Para Zlotnikov, este último no solo era el sistema realista socialista, sino también el trabajo de muchos de sus compañeros en el campo inconformista, para quienes, en su opinión, elementos metafísicos extraños se tejían en la abstracción. Él mismo en ese momento limpió de la manera más cuidadosa estos elementos de su pintura, al igual que Kazimir Malevich en los años veinte aplicó su teoría cuasi científica del "elemento excedente" en su práctica pedagógica. Pero Zlotnikov criticó seriamente el utopismo de Malevich y dijo que continuaba con la tradición de búsqueda espiritual descubierta por Wassily Kandinsky. Ésta es una circunstancia muy importante para comprender la atmósfera intelectual de la época: los disidentes del arte soviético rechazaron categóricamente la utopía ultracomunista de Malevich.

Al mismo tiempo, Yuri Zlotnikov, un estricto positivista y racionalista, estaba firmemente convencido de que el nuevo lenguaje en el arte debería ser confirmado por una investigación científica precisa. Afiladas con una claridad cristalina, las "señales" debían percibirse no solo como imágenes, sino que se suponía que debían "revelar los patrones de las habilidades motoras psicofisiológicas y la naturaleza de las reacciones al color y la forma". Debe tenerse en cuenta que la mayoría de los artistas inconformistas soviéticos de esa época, que eligieron la abstracción como estilo, fueron influenciados directamente por las pinturas de Mark Rothko y Jackson Pollock, que fueron mostradas al público soviético en la Exposición Nacional Estadounidense en Moscú en 1959. Pero Zlotnikov fue directamente en la dirección opuesta e insistió en que es importante no rendirse a los elementos de la autoexpresión emocional, la expresión, sino analizar. Y, lo que es especialmente interesante, el mayor apoyo para su investigación no se encontró en absoluto en el entorno artístico, sino en el científico, entre los matemáticos, los filósofos y la cibernética.

Este es un detalle muy característico de esa época: los ingenieros que trabajaban en institutos militares cerrados se sentían las personas más libres en el período posterior a Stalin. Fueron ellos quienes desarrollaron nuevos sistemas de armas para el ejército de la URSS y apoyaron a los artistas independientes de todas las formas posibles, organizando sus exposiciones en sus clubes. Y estaban listos para probar las suposiciones del artista Yuri Zlotnikov en sus laboratorios. Y él, a su vez, estaba seguro de que sus descubrimientos sin duda serían útiles para el diseño de naves espaciales, e incluso trabajó durante algún tiempo como artista en una fábrica. Los jóvenes tecnócratas se sentían conquistadores del tiempo y el espacio, y Zlotnikov, al igual que los constructivistas rusos, creía sinceramente que el arte debería cambiar el entorno material y que la sociedad, como pensaban los soñadores de los sesenta, debería evolucionar hacia valores universales bajo el influencia de un entorno nuevo y extremadamente estetizado. Pero un día se dio cuenta de que sus esfuerzos conducían indirectamente a la creación de más y más nuevos y terribles medios de destrucción, y ya no hizo tales experimentos. La idea de reconstruir el mundo a través de su total estetización enfrentó una vez más un problema ético insoluble.

Sin embargo, esta experiencia de contacto con los héroes de la revolución científica y tecnológica es de fundamental importancia para el método creativo de Zlotnikov. Para los contemporáneos, estos elementos flotando en un espacio limpio se parecían a microcircuitos de computadora y estaban potencialmente llenos de información muy importante. Tenga en cuenta que la primera pintura abstracta de Yuri Zlotnikov en 1955 se llamó "Contador Geiger". En esto, Zlotnikov siguió directamente a Wassily Kandinsky, quien admitió en el libro “Pasos. Texto del artista "( 1918, pág. 20) que “uno de los obstáculos más importantes en mi camino se derrumbó por un hecho puramente científico. Fue la descomposición del átomo. Resonó en mí como la destrucción repentina del mundo entero ".

Pero esta máquina y el afán por conseguir una precisión matemática absoluta en obras reales contrasta de la forma más paradójica con la suavidad y textura libre de la forma. Es interesante que el artista diga que durante el período de su trabajo en la serie Signals, la música atonal de Anton Webern fue especialmente importante para él. Entonces, si de hecho tenemos ante nosotros una investigación, fundamentalmente inacabada, o más bien, incluso el proceso de investigación en sí, cuya tarea es intentar cambiar la percepción estereotipada de la realidad, o crear una nueva realidad. Y lo que es especialmente importante: psicológicamente, esta realidad se percibe como bastante cómoda e incluso amigable para una persona.

Y esta libertad emocional interna, sorprendente para la época bastante lúgubre todavía posterior a Stalin de los años cincuenta y principios de los sesenta, es para nosotros la prueba más importante de ese período de esperanzas de renovación de la sociedad. Y el propio Zlotnikov nunca aspiró a convertirse en europeo, simplemente lo era.

Recientemente, se cerró la exposición de Yuri Zlotnikov "Pintura - Análisis de la psicofisiología del hombre y la exhibición de su espacio de existencia". La exposición retrospectiva incluye más de 150 pinturas y obras gráficas creadas entre los años 50 y 2015.

Yuri Zlotnikov es uno de los artistas más brillantes y significativos del arte abstracto ruso. Nació en 1930 en Moscú. Estudió en la Escuela de Arte de Moscú, trabajó como aprendiz de decorador en el Teatro Bolshoi, participó en el diseño de exposiciones en VDNKh, colaboró ​​con editoriales como ilustrador de libros. Y todo este tiempo estuvo buscando su propio camino en el arte, su propio sistema de medios pictóricos. A mediados de la década de 1950, Zlotnikov creó la serie Signal System de hojas de gráficos abstractos. Junto con psicólogos, realizó experimentos, tratando de comprender cómo el cerebro humano percibe las señales enviadas por las pinturas.

Quien ha estado en contacto con el artista durante mucho tiempo, accedió a darnos una breve entrevista, en la que habló sobre esta exposición y cómo ve a Zlotnikov.

¿En qué se diferencia la exposición de la Academia de la retrospectiva anterior en el Museo de Arte Moderno?

Esta exposición se diferenciaba de la retrospectiva del MOMMA en que la exposición anterior, por supuesto, se hizo de una forma mucho más habitual, con división por pisos, por períodos o series, con un moderno y espacioso tapiz. En la Academia, debido a las características arquitectónicas (solo hay dos salas) y debido a que el propio autor estaba colgando, todas las series y proyectos se mezclaron entre sí según la voluntad del artista. Esto crea conexiones completamente nuevas: por ejemplo, las acuarelas tradicionales de los años sesenta cuelgan junto a abstracciones bastante radicales. Es decir, vemos cómo en la cabeza del autor todo esto se combina en un orden completamente diferente, al que estamos acostumbrados. Este es un efecto muy interesante y extraño, que muestra la conexión entre las obras de Zlotnikov, por un lado, con la tradición fluida de la izquierda soviética-MOSKHovskaya, y por otro lado, con la búsqueda de artistas occidentales radicales contemporáneos. Cuando se mezclan estas obras, se crea un efecto muy inesperado y nuevo para mí, aunque he visto prácticamente todas estas obras en exposiciones o en el taller de Yuri Savelyevich.

Cuando un artista es su propio curador, ¿no siempre es bueno?

No, no dije eso. Esta exposición es quizás incluso mejor que la que tuvo lugar en MOMMA porque muestra cómo el propio artista ve las conexiones entre sus obras y la serie. Esto es mucho más interesante. La exposición resultó estar más concentrada, aunque parece que ahora no cuelgan así. Ahora se cree que cada obra es un valor separado, por lo que es necesario que no interfieran entre sí, no se crucen, no contaminen el campo visual de los demás. Idealmente, el espectador debería ver solo una pieza.

Cuando se realiza una exposición personal, el artista quiere que todo encaje, porque le parece que sin una obra se pierde el sentido. Aquí puede ver que el montaje fue significativo, Zlotnikov dirigió el espacio de manera bastante deliberada. No está nada mal, pero es extraño. Esto da otra comprensión no estándar del trabajo. Todos estamos acostumbrados a pensar que Zlotnikov es un abstraccionista radical, y las obras más radicales son las primeras series de Signals. Cuando todo se confunde, se nota la búsqueda del autor. Vemos cómo los círculos y las rayas se convierten en obra de la naturaleza, en una pintura de género sobre la construcción de la CN Balakovo. Vemos cómo todos estos trabajos se relacionan entre sí. Esto le da una mirada fresca y nueva al trabajo del artista. Probablemente, estas dos exposiciones se complementen. En el Museo de Arte Moderno de Moscú había una impresionante sala con "Señales", donde colgaban escasa y espaciosamente en una fila, era muy parecido a un museo, tenía un "aspecto histórico". Aquí vimos la autorreflexión de Zlotnikov. Se puede ver que algunos leitmotiv, que para nosotros son solo una parte de la historia, existen para él al mismo tiempo y siguen siendo relevantes. Malevich cambió la datación de sus obras porque estaba construyendo su propia historia. Puedes colgar las obras de Malevich de la forma que él quisiera, o puedes colgarlas como realmente estaba; ambos serán interesantes. Es lo mismo aquí, solo que Zlotnikov, por supuesto, no cambió la fecha. Construyó su historia tal como la ve. No diría que esta es una historia "personal", aquí no hay autoexpresión. Es solo una yuxtaposición de otras cosas, creando conexiones completamente diferentes que un curador externo no notará. Esto es muy informativo para mí. Por ejemplo, hay un proyecto de interior para la Casa de la Cultura con unos paneles de colores en el techo, muy similar a su abstracción. Esto no habría sido visible si hubiera habido otro ahorcamiento.

¿Qué es Zlotnikov para ti?

Zlotnikov es un artista muy destacado, un artista de valores plásticos. Constantemente discutimos esto con él. Tiene la mentalidad de un verdadero modernista. A los dos nos encanta hablar y discutir algo, así que nuestras conversaciones telefónicas se prolongan durante una hora y media. Es una persona muy reflexiva y un conversador interesante, a menudo dice cosas muy sutiles, incluso sobre mi arte.

¿Qué importancia tiene Zlotnikov hoy?

La relevancia es diferente. Este pensamiento modernista es interesante e importante para mí. Las conversaciones con Yuri Savelyevich, su opinión, no son menos importantes para mí que su trabajo. Y para muchos jóvenes que están comprometidos con el nuevo formalismo, Zlotnikov es un gran predecesor. Quizás entiendan su trabajo de otra manera, pero dibujando sus rayas y círculos, inevitablemente se interesan por quienes lo hicieron antes que ellos.