Uno de los artistas más destacados del siglo pasado, René Magritte (1898-1967) era belga. En 1912, su madre se ahogó en el río, lo que aparentemente causó una gran impresión en el futuro artista entonces adolescente, sin embargo, contrariamente a la creencia popular, no se debe sobrestimar la influencia de este hecho en la obra del autor. Magritte trajo desde la infancia una serie de otros recuerdos, no tan trágicos, pero no menos misteriosos, de los que él mismo dijo que se reflejaban en su obra.

Educado en la Academia de Bellas Artes de Bruselas, inicialmente estuvo fuertemente influenciado por el dadaísmo y el cubismo. 1925 fue un punto de inflexión en su obra: el cuadro "Rosas de Picardía" marcó un nuevo estilo y una nueva actitud: el "realismo poético". El artista se traslada al "centro del surrealismo" - París, donde participa en todas las exposiciones surrealistas. Y en 1938 la London Art Gallery organizó la primera gran exposición del maestro belga.

A principios de la década de 1950. El arte de Magritte está ganando un reconocimiento internacional cada vez mayor, como lo demuestran sus grandes exposiciones en Roma, Londres, Nueva York, París, Bruselas. En 1956 Magritte recibió el prestigioso Premio Guggenheim como representante destacado de la cultura belga.

La característica principal de Magritte es la atmósfera de misterio en sus obras. Se sabe que el sentido del misterio es inherente al arte real. “Siempre he considerado a Magritte como un artista imaginario, un maestro en algún lugar del nivel de Giorgione”, escribió Herbert Read. Estas palabras contienen la clave de la poética de Magritte.

En el cuadro "Falso espejo" (1929), que expresaba el credo ideológico del artista, todo el espacio está ocupado por la imagen de un ojo enorme. Solo que en lugar del iris, el espectador ve el cielo azul de verano con nubes transparentes flotando sobre él. El nombre explica la idea de la imagen: los órganos de los sentidos solo reflejan la apariencia externa de las cosas, sin transmitir las profundidades ocultas del mundo, sus secretos. Sólo lo incompatible ayuda, según Magritte, a captar el significado del ser. Una imagen sólo puede nacer de la convergencia de dos realidades más o menos lejanas.

Este método lo seguirá Magritte a lo largo de todo el camino creativo, que se nota especialmente en sus pinturas "filosóficas". Uno de ellos es Las vacaciones de Hegel (1958).

“Mi último cuadro”, escribió, “comenzó con la pregunta: ¿cómo representar un vaso de agua en un cuadro de tal manera que no nos resulte indiferente? En una palabra para que se pueda decir: brillante (vamos dejar vergüenza innecesaria).
Comencé a dibujar los vasos uno por uno (tres bocetos), cada vez con un trazo transversal (boceto). Después de la centésima o quincuagésima
dibujo, el trazo se ha vuelto algo más ancho (boceto). Al principio, el paraguas estaba dentro del vidrio (boceto), pero luego, pero luego terminó debajo de él (boceto).
Entonces encontré una solución a la pregunta original: ¿cómo se puede representar un vaso de agua de manera brillante? Pronto me di cuenta de que este tema podría ser muy interesante para Hegel (él también es un genio), porque mi tema combina dos
aspiraciones: no quiere agua (la repele) y quiere agua (la recoge). Creo que le habría gustado o le habría parecido divertido (por ejemplo, durante las vacaciones). Por eso, llamé a la pintura "Las vacaciones de Hegel".

Magritte se destaca notablemente entre los surrealistas: a diferencia de ellos, no usa elementos fantásticos, sino cotidianos tomados en relaciones extrañas. Este es su famoso cuadro "Propiedad personal" (1952).

El nombre también se convierte en la "clave" aquí. "Personal" se hipertrofia en proporciones monstruosas. La habitación se convierte en una especie de "microcosmos", cerrado, constreñido, a pesar del cielo con nubes flotando en él en lugar de paredes. Todas las cosas aquí han cambiado extrañamente, como si hubieran cobrado vida, adquirido un aspecto no utilitario, aunque, como siempre con Magritte, los objetos no han cambiado su apariencia, textura, color y son perfectamente "reconocibles". El espectador, como de pasada, admira el brillo azulado del vidrio del vidrio, la textura de los muebles de madera, la habilidad de transferir reflejos espejados. Pero sólo de pasada, porque los objetos parecían haber ganado independencia, como si hablaran en nombre de su dueño, habiendo usurpado por completo su papel de "protagonista". Ellos mismos se han convertido en "personalidades" y parecen estar manteniendo una conversación entre ellos.

Una de las características de la pintura de los primeros Magritte es su calidad "literaria" en el buen sentido de la palabra. Magritte se mueve en un círculo de poetas, filósofos, escritores, estudia las obras teóricas de famosos románticos del siglo XIX. Estuvo muy influenciado por las obras del poeta y filósofo romántico inglés de principios del siglo XIX. Samuel Taylor Coleridge, quien en primer lugar reverenciaba el simbolismo en el arte: "una subordinación tan completa de la materia al espíritu que la materia se convierte en un símbolo a través del cual el espíritu se revela".

Una ilustración de esta idea es, en particular, el famoso cuadro de Magritte "Liberación" ("Vuelo al campo"), creado en 1933.

Un paisaje extraño se abre desde una ventana rota. Colinas verdosas al atardecer, árboles esféricos de color azul, cielo transparente de nácar, distancias azules. Usando brillantemente las técnicas de la pintura tonal, el artista crea un estado de ánimo de júbilo alegre, expectativa de algo inusual, maravilloso. La cálida sombra de las cortinas en primer plano refuerza la impresión de la ligereza de este paisaje encantado ... Las pinturas de Magritte parecen haber sido realizadas con una mano tranquila e intrépida. Magritte, un maestro del color, lo usa con moderación, con moderación. En Liberation, el simbolismo del color se usa para expresar asociaciones complejas. Las manchas de azul, rosa, amarillo y negro dan a la imagen una sorprendente plenitud de color y vivacidad.

La originalidad de la obra de Rene Magritte se revelará con más detalle si pasamos al tema "Surrealismo y freudianismo". El principal teórico del surrealismo, André Breton, psiquiatra de profesión, al evaluar la obra del artista, otorgó una importancia decisiva al psicoanálisis de Freud. Los puntos de vista freudianos no solo fueron internalizados por muchos surrealistas, sino que se convirtieron en su forma de pensar. Por ejemplo, para Salvador Dalí, según admite él mismo, el mundo de las ideas de Freud significaba tanto como el mundo de las Escrituras para los artistas medievales o el mundo de la mitología antigua para los maestros del Renacimiento.

El "método de las asociaciones libres" propuesto por Sigmund Freud, su "teoría de los errores", la "interpretación de los sueños" tenían como objetivo principal identificar los trastornos mentales dolorosos con el objetivo de curar. Este fue también el objetivo de la interpretación de Freud de las obras de arte. Pero con esta comprensión, el arte se reduce a un factor particular, por así decirlo, "curativo". Ésta fue la falacia del acercamiento de los teóricos surrealistas a las obras de arte. Magritte lo entendió muy bien, quien en una de sus cartas de 1937 señaló: "El arte, según yo lo entiendo, no está sujeto al psicoanálisis. Siempre es un misterio". El artista se mostró irónico sobre los intentos de interpretar sus pinturas utilizando el psicoanálisis: "Decidieron que mi 'Modelo Rojo' es un ejemplo de un complejo de castración. Después de escuchar varias explicaciones de este tipo, hice un dibujo de acuerdo con todas las 'reglas' de psicoanálisis. Naturalmente, lo analizaron igual. Es horrible ver a qué tipo de burla puede ser sometida una persona que ha hecho un dibujo inocente ... Quizás el psicoanálisis en sí sea el mejor tema para un psicoanalista ”.

Por eso Magritte se negó obstinadamente a llamarse a sí mismo un "surrealista". Aceptó fácilmente la caracterización de "realista mágico". Esta dirección es típica del "período belga" de su obra, desde 1930, cuando Magritte regresó definitivamente de París a Bruselas.

Las tradiciones del antiguo arte holandés tuvieron un efecto beneficioso en la obra de Magritte. En el cuadro Plagio (1960) destacan varios detalles simbólicos.

A la izquierda de la mesa vemos una imagen de un nido y tres huevos: el simbolismo de la Trinidad. Como un mago, el artista parece materializar ante nuestros ojos las imágenes de su fantasía, y se convierten en un hermoso jardín fructífero, símbolo de una vívida imaginación creativa. Magritte crea una imagen poética sutil y conmovedora. Al contemplar la imagen, solo se pueden admirar los tonos rosa, azulado y nácar más delicados: una vista verdaderamente fabulosa.

En la década de 1930. Magritte, junto con el arte de Bosch, estudia en profundidad la obra de su compatriota, dramaturgo y filósofo Maurice Maeterlinck, quien allá por 1889 en la colección "Invernaderos" escribió: "Un símbolo es una fuerza de la naturaleza, la mente humana no puede resistir su leyes ... Si no hay símbolo, no hay obra de arte ".

Maeterlinck le debe a Magritte la capacidad de desarrollar la comparación en una red completa de imágenes que la fantasía del artista convierte en el mundo real. La pintura Madness of Greatness (1948) muestra una vela encendida en un parapeto de piedra con el telón de fondo del interminable mar azul, como símbolo de la fragilidad de la vida humana. Cerca hay varios torsos femeninos que crecen entre sí (un símbolo de sensualidad). Y en el cielo con hermosas nubes heladas (para Magritte, un símbolo de la intemporalidad), el espectador ve formas geométricas azules "incorpóreas" que simbolizan "ideas puras", y un globo, un símbolo del "pensamiento puro" abstracto.

Con la ayuda de un esquema de color sutilmente pensado, el artista "aclara" la idea principal. Su "sensualidad" es cálida de color carne. Las "formas puras" se resuelven en un tono azulado frío, correspondiente al simbolismo y al mismo tiempo creando una sensación de espacio ilimitado.

"Vagamos al azar por el valle, sin darnos cuenta de que todos nuestros movimientos se reproducen y adquieren su verdadero significado en la cima de la montaña", escribió Maeterlink en su tratado "El tesoro de los humildes", dijo: mira hacia arriba, mira lo que eres, mira lo que estás haciendo. No vivimos aquí, nuestra vida está allá arriba. Esta mirada que intercambiamos en la oscuridad, estas palabras que no tenían sentido al pie de la montaña - mira, en lo que se han convertido y lo que significan allí, por encima de las alturas nevadas ".

Esta idea de Maeterlinck se reflejó en la pintura de Magritte "Posesión de Arnheim" (1962).

Sólo rompiendo un vidrio con una imagen falsa pintada se puede ver la realidad en todo su esplendor, cree el artista. Es aquí, en las cimas de las montañas de las que habló Maeterlink, donde acecha la Verdad.

La pintura Respuesta inesperada (1933) encarna otro pensamiento de Maeterlinck: “No hay días insignificantes en la vida. Quizás una de esas estrechas rendijas en las puertas de la oscuridad, a través de las cuales se nos da la oportunidad de ver por un momento todo lo que debería suceder. en la gruta de los tesoros que aún no se han abierto ".

La imagen parece una especie de emblema de un misterio apasionante: todo es tan integral aquí, "natural", si esta definición se puede atribuir a una de las composiciones más misteriosas y místicas de Magritte. Una "puerta pirateada" abierta es un símbolo de otra dimensión, que oculta muchos misterios.

Algunos autores que escriben sobre Magritte lo declaran como un "artista del absurdo", en cuyas pinturas no hay significado. Si fuera así, si el artista se propusiera representar sólo "lo absurdo de nuestra existencia cotidiana", sería creatividad al nivel de un rompecabezas, y no arte serio, que es. Magritte escribió: "Pedimos la imagen al azar, en lugar de escucharla. Y nos sorprende cuando la respuesta que recibimos no es franca".

Su arte a menudo se llamaba "sueños despiertos". El artista precisó: "Mis cuadros no son sueños soporíferos, sino sueños que despiertan". No es de extrañar que el eminente surrealista Max Ernst, al ver su exposición en Nueva York a principios de la década de 1950, dijera: "Magritte no está dormido ni despierto. Él ilumina. Conquista el mundo de los sueños".

“Sin misterio, ni el mundo ni la idea son posibles”, no se cansaba de repetir Magritte. Y como epígrafe de uno de sus autorretratos, tomó una línea de un poeta francés del siglo XIX. Lautréamont: "A veces sueño, pero no pierdo ni un momento la conciencia de mi personalidad".

De ahí la inesperada interpretación de "interno y externo" en las obras de Magritte.

Aquí está el comentario del artista sobre su pintura "El marco de la vida" (1934): "Frente a la ventana que vemos desde el interior de la habitación, he colocado un cuadro que representa exactamente esa parte del paisaje que cubre. Así, el árbol en la imagen oscurece el árbol detrás Para el espectador, el árbol está simultáneamente dentro de la habitación en la imagen y afuera en el paisaje real. Así es como vemos el mundo. Lo vemos fuera de nosotros y al mismo tiempo. el tiempo vemos su representación dentro de nosotros mismos. Así, a veces colocamos en el pasado lo que está sucediendo en el presente. Así, el tiempo y el espacio se liberan del significado trivial que les da la conciencia cotidiana ”.

Herbert Read señaló: "Magritte se distingue por la severidad de las formas y una clara claridad de visión. Su simbolismo es puro y transparente, como el vidrio de las ventanas, que le encanta retratar. Rene Magritte advierte de la fragilidad del mundo. Como el hielo témpanos ". Este es un ejemplo de una de las posibles interpretaciones de las ambiguas metáforas de Magritte. El motivo de la vidriera de este artista también puede verse como una frontera entre dos mundos: el real y el surrealista, el poético y lo ordinario, entre el consciente y el inconsciente.

En el cuadro "El hijo del hombre" (1964), se representa a un hombre moderno sobre el fondo de una pared que lo separa de las infinitas extensiones del océano y el cielo, que simboliza el infinito. Una manzana que cuelga frente al rostro de una persona le da misterio a la imagen. Esta manzana se puede percibir como el fruto del árbol del conocimiento y como un símbolo de la naturaleza, que el hombre está tratando de comprender. Al mismo tiempo, este detalle da armonía a la apariencia prosaica del burgués pulcro.

El cuadro "Golconda" (1953) puede verse como una metáfora cosificada: las personas "con peso" se han vuelto ingrávidas. Hay una ironía escondida en el nombre: después de todo, Golconda es una ciudad semi-legendaria en la India, famosa por sus diamantes y placers de oro, y estas personas parecen sentirse atraídas por el oro. El artista cuelga en un espacio infinito varias decenas de rentistas bien vestidos, con bombines, corbatas y abrigos a la moda, manteniendo una ecuanimidad absoluta.

En uno de los últimos cuadros de Magritte, The Ready Bouquet (1956), un hombre con el mismo bombín y frac, de espaldas al espectador en la terraza, contempla el parque al atardecer. Y en su espalda está representada "Primavera" de Botticelli, desfilando en colores y brillantez de colores. ¿Qué es? ¿Realización del aforismo "El hombre pasa, el arte permanece"? ¿O quizás una persona que admira el parque recordó un cuadro de Botticelli? La respuesta no está clara.

El artista busca destruir la idea habitual de lo conocido, inmutable, para hacer que el objeto vea en una nueva dimensión, confundiendo al espectador. En sus lienzos, creó un mundo de fantasía y sueños a partir de cosas reales, sumergiendo al público en una atmósfera de sueños y misterio. El artista supo brillantemente cómo "dirigir" sus sentimientos. Parecería que el mundo creado por el artista es estático y sólido, pero lo irreal siempre invade lo ordinario, destruyendo este mundo familiar (una manzana ordinaria en una habitación, expandiéndose, desplazando a la gente o una locomotora de vapor salta de la chimenea a pleno velocidad - "Tiempo perforado", 1939).

El cuadro más copiado es La creación del hombre (1935). La imagen del mar en la pintura del caballete frente a la ventana abierta se fusiona milagrosamente con la vista al mar "real" desde la ventana.

La llamada "realidad oculta" se convirtió en el tema de muchas de las pinturas de Magritte. Parte de la imagen, por ejemplo, la cara del personaje principal, está cubierta con algo (una manzana, un ramo de flores, un pájaro). Magritte explica el significado de estas obras de la siguiente manera: "Lo interesante de estas pinturas es la presencia de lo abierto y lo oculto, que de repente irrumpen en nuestra conciencia, que en la naturaleza nunca se separan entre sí".

En Lovers, Rene Magritte muestra que cuando estamos realmente enamorados, nuestros ojos están cerrados.

En un esfuerzo por comprender el elusivo significado de las pinturas de Magritte, por "explicarlas", la mente del espectador agarra convulsivamente ambos. El artista le "arroja" el nombre de la pintura (por lo general, aparece después de que se completó la obra). Magritte le dio al título un papel decisivo en la percepción de la imagen. Según los recuerdos de familiares y amigos, cuando se le ocurrían nombres, a menudo los comentaba con sus amigos literarios. Esto es lo que dijo el propio artista al respecto: "El título es un indicador de la función de la imagen", "El título debe contener una emoción viva", "El mejor título de la imagen es poético. No debe enseñar nada, sino sorprender y fascinar ".

Muchos de los nombres de las pinturas son deliberadamente científicos, y la ironía es visible en ellos: "Lámpara filosófica" (1937), "Alabanza a la dialéctica" (1937), "Cognición natural" (1938), "Tratado de sensaciones" (1944). ). Otros títulos crean una atmósfera de misterio poético: Diálogo interrumpido por el viento (1928), La llave de los sueños (1930), Duración dolorosa (1939), El imperio de la luz (1950), La sala de Dios (1958).

El cuadro "Imperio de la luz" fue pintado por Magritte en la última década de su vida, pero su trabajo se convirtió inmediatamente en casi el más popular. Tan popular que muchos coleccionistas estaban dispuestos a pagar cualquier dinero solo por tener una de sus réplicas en su colección.

Entonces, ¿cuál es esta imagen que ha capturado las mentes de personas de todo el mundo? A simple vista, parece simple e incluso sin pretensiones. Una casa a orillas de un pequeño lago se esconde a la sombra de los árboles. Las ventanas del segundo piso brillan con una luz acogedora, una linterna solitaria da su luz amistosa a un viajero que podría estar aquí en una noche oscura. Parecería: un nocturno ordinario y bastante realista. Cualquier artista "tradicional" puede escribirlo.

¿Pero es esto cierto? ¿Por qué, entonces, surge una vaga ansiedad que obliga al espectador a mirar cada vez más de cerca la imagen? Esta ansiedad no desaparecerá hasta que de repente se aclare: ¡el cielo, eso es lo que es! El cielo azul, a lo largo del cual corren alegremente nubes blancas y esponjosas. ¡Y esto es en medio de la noche! No preguntes cómo es posible, después de todo, nada es imposible en el mundo de Magritte. Como a nadie más, a este artista le encanta conectar lo incompatible, introducir en sus pinturas detalles que contrastan tan bruscamente entre sí que el espectador al principio experimenta una leve conmoción, pero luego su mente comienza a trabajar con el doble de intensidad, tratando de encontrar una solución a la farsa propuesta.

El propio Magritte dijo esto sobre ella: “Combiné diferentes conceptos en el“ Imperio de la Luz ”, a saber, el paisaje nocturno y el cielo en todo el esplendor de la luz del día. El paisaje nos inclina a pensar en la noche, el cielo en el día. En mi opinión, este fenómeno simultáneo del día y la noche tiene el poder de sorprender y encantar. Y yo llamo a este poder poesía ".

Rene Magritte en persona

"Autorretrato" ("Vista aguda")

Al recordar su infancia, escribió: “Recuerdo mi asombro cuando vi por primera vez el tablero de ajedrez, las piezas en él. ¡Una experiencia aterradora! Partituras, donde signos misteriosos denotaban sonido y no eran palabras ". Aquí hay una pequeña obra temprana del artista: "The Lost Jockey", que se convirtió en su manifiesto creativo.

El jinete, corriendo a toda velocidad sobre un caballo enjabonado, se perdió en una arboleda irreal de enormes piezas de ajedrez, pintadas con notas musicales.

Pintura "Carte blanche" u "Obstáculo del vacío".

Magritte escribió sobre ella: “Las cosas visibles pueden ser invisibles. Si, por ejemplo, algunas personas están montando a caballo por el bosque, primero las ves, luego no las ves, pero sabes que están allí. En Carte Blanche, el jinete oscurece los árboles y ellos la oscurecen a ella. Sin embargo, nuestro poder de pensamiento abarca tanto lo visible como lo invisible, y con la ayuda de la pintura hago visibles los pensamientos ”.

Cuadro "Bifurcación prohibida"

Es interesante notar que en Magritte solo las imágenes de un pájaro están libres de complejidades asociativas. Las aves llevan energía de vuelo positiva, nada más. No hay pájaros muertos, caídos, con las alas rotas. Los pájaros están vivos y sus alas están llenas de cirros azules y blancos brillantes de Magritte (Big Family, 1963).

El 15 de agosto de 1967, Rene Magritte murió de cáncer. Ha fallecido uno de los artistas-magos del siglo XX, en una vida tan parecida a la de un farmacéutico respetable.
Llevaba la vida tranquila y serena de un belga en la calle, lejos del bullicio bohemio, un hombre que es difícil de distinguir entre la multitud. Sueños, paradojas, miedos, peligros misteriosos llenaban solo sus cuadros, no la vida. El artista luchó contra el aburrimiento solo en la creatividad. La regularidad de cada día le sentaba perfectamente, incluso pintaba la mayoría de sus cuadros en el comedor y hasta el final de su vida prefería el tranvía a otros medios de transporte.
De alguna manera, poco antes de su muerte, Magritte, este maestro sofisticado, dijo: "Todavía no entiendo la razón por la que vivimos y morimos". ¿Quizás el artista codificó las pistas de las razones y secretos de estar en sus pinturas de rompecabezas? Cualquier cosa puede ser. ¡Entonces deberías echarles un vistazo más de cerca!

El 2 de junio de 2009 se inauguró en Bruselas un nuevo museo dedicado a la obra del renombrado artista surrealista René Magritte. El Real Museo de Bellas Artes le ha destinado una superficie de 2,5 mil metros cuadrados. La exposición del Museo Rene Magritte incluye más de 200 obras del autor; esta es la colección más grande del mundo.

En 1978, Adrian Maben dirigió una película sobre el gran Rene Magritte. Entonces el mundo entero se enteró del artista, y sus pinturas fueron dignas de ser inmortales desde el principio. Magritte pintó al estilo del surrealismo y se puso audazmente al mismo nivel que Salvador Dalí. Magritte fue muy ingenioso en su trabajo. Compruébelo usted mismo: merecen admiración.

Hijo del hombre, 1964


Scheherazade, 1948

Lo más divertido del estilo del artista fue que no pintó imágenes incomprensibles, sino que usó cosas bastante primitivas como componentes del cuadro. Parece que todos los objetos son reconocibles, pero el resultado es una especie de sorpresa inimaginable (¡sorpresa!).


Movimiento perpetuo, 1935

Además, el propio Magritte dijo que "cose" el pensamiento en cada imagen, y las imágenes no son un montón estúpido de elementos, sino una historia independiente.


El principio del placer, 1937


Compañeros del miedo, 1942

Los investigadores dicen que si evalúas todas las pinturas del artista, puedes crear una idea bastante inteligible de su mundo interior.


Esto no es una manzana, 1964


Gran familia, 1967


Gran guerra, 1964


Durmiente sereno, 1927

El artista nació el 21 de noviembre de 1898 en la ciudad de Lössin. Cuando cumplió 14 años, la madre de Rene se ahogó en el río Sambre, lo que fue un gran shock para el niño. Por alguna razón, generalmente se acepta que este hecho no afectó el trabajo de Magritte, pero ciertamente existe una relación.


Amantes, 1928


Amantes II, 1928


Golconda, 1953


Dos secretos, 1966

Al parecer, como compensación por su difícil infancia, a los 15 años, el niño se enamora de Georgette Berger, y ella se convierte en su única mujer de por vida. A ella le dedica todos sus cuadros, ella actúa como su único modelo, él se mantiene fiel a ella. ¡Una respetable historia de amor! Cuando él cumple 22 años, se casan, para entonces Magritte ya se había graduado de la academia de arte.


Georgette Magritte, 1934


Magritte con Georgette

En la ola del amor, el futuro talento admira las obras de otros maestros (entonces el cubismo estaba de moda) y comienza a ganar dinero como pintor y cartelista.


Terapeuta, 1937


Lámpara del filósofo, 1936

La primera exposición de Magritte tuvo lugar en 1927. Luego leyó mucho, se movió con filósofos y escritores respetados, estudió psicoanálisis, por lo que todas sus pinturas estaban llenas de contenido y significado profundo. Pero no le gustaba el psicoanálisis y no se consideraba un surrealista, ya que los críticos de sus cuadros intentaron "diseccionar" su carácter de sus obras. Llegamos al complejo de Edipo, nos acordamos de la madre fallecida y luego Magritte se enfadó.

"Es terrible ver a qué tipo de burla se puede someter a una persona, que hizo un dibujo inocente ... Quizás el psicoanálisis en sí sea el mejor tema para un psicoanalista".


Violación, 1934


Meditación, 1936

En la década de 1950. Le llegó el reconocimiento mundial, sus pinturas fueron expuestas en Roma, Londres, Nueva York, en general, en las mejores galerías del planeta. Su arte a menudo se llamaba "sueños de vigilia".


Sala de escucha, 1952


Modelo rojo, 1935


Espejo torcido, 1928


Invención colectiva, 1942

El artista especificó:

"Mis imágenes no son sueños soporíferos, sino sueños de despertar".

Por supuesto, sus pinturas están dibujadas en diferentes estilos y técnicas: art deco, postimpresionismo, cubismo, surrealismo, en sus obras se utilizaron todo tipo de materiales (desde gouache hasta apliques), pero ganó fama precisamente gracias al surrealismo en sus obras, atípicas para cualquiera.


Casado a medianoche, 1926

En 1967, René murió de cáncer de páncreas. Han pasado casi 50 años y su trabajo sigue siendo emocionante y popular entre la gente. Esto significa que el artista puede clasificarse con seguridad entre los clásicos.


Cuadro inacabado, 1954

Rene Magritte. Un pintor surrealista belga que se hizo famoso por sus pinturas ingeniosas e inusualmente misteriosas. Sus obras no tienen análogos entre otras famosas obras surrealistas. Feliz visualización

Magritte se incorporó al grupo surrealista, liderado por André Breton, en 1927, buscando apoyo tras la primera exhibición fallida. En este grupo, el belga no perdió su individualidad, y ganó ese peculiar estilo, gracias al cual se reconocen sus obras.

Hijo de hombre

Lazos peligrosos

Nostalgia

Las pinturas de René Magritte se caracterizan por un estilo imperturbable. Los objetos representados por Magritte se diferencian de otros surrealistas (Dali, Ernst), casi nunca pierden su forma habitual: no se extienden, no se convierten en sus propias sombras. Una combinación no estándar de estos elementos está diseñada para hacerte pensar. Al mismo tiempo, la ecuanimidad del estilo realza la sorpresa y sumerge al espectador en un letargo poético provocado por el misterio de las cosas.

Insight (autorretrato)

Magia Negra 2

Obstáculo del vacío

Canción de amor

El objetivo de Magritte es hacer pensar al espectador. Debido a esto, las pinturas del artista recuerdan más a los rompecabezas, pero estos rompecabezas no se pueden desentrañar por completo, ya que plantean preguntas sobre la esencia de la vida. Magritte habla del engaño de lo visible, de su misterio, que no solemos advertir.

Hada ignorante

Llave de cristal

Transición difícil

Los nombres de las pinturas juegan un papel especial. Son siempre poéticos y siempre, a primera vista, no se asocian con la imagen en sí. Fue en esto que el artista vio su significado. Creía que la conexión poética oculta entre el nombre y la imagen contribuía a la sorpresa mágica en la que Magritte vio el propósito del arte.

Imperio de la luz

Espejo falso

El logro de lo imposible

Desconocido

Gran familia

Mundo maravilloso

Gran Guerra

Filosofía boudoir

Viaje de memoria.

"Lo interesante de estas pinturas es la presencia de lo visible abierto y lo visible oculto que de repente irrumpe en nuestra conciencia, que en la naturaleza nunca se separa entre sí. Lo visible siempre esconde detrás de sí otro visible. Mis pinturas simplemente revelan este estado de los asuntos de una manera directa e inesperada. Entre ellos. por lo que el mundo nos ofrece como lo visible, y por el hecho de que este dado visible debajo de él, se desarrolla una determinada acción. Esta acción es visible, y es como un lucha, y por lo tanto el nombre "Gran Guerra" reproduce su contenido con suficiente precisión ".

Rene Magritte, quien creó las misteriosas pinturas, nació a finales del siglo XIX en un pequeño país de Bélgica. En la primera infancia, le asustaban el ajedrez y las notas musicales, según sus recuerdos. Su madre se ahogó en el río, saltando de un puente cuando Rene tenía 13 años. Después de sacar el cadáver, encontraron que su cabeza estaba envuelta en una tela de gas. De ahí que aparecieran retratos sin rostro en la obra del futuro artista.

Después de estudiar en la Royal Academy de Bruselas durante dos años, Artista belga Magritte Rene Dejó allí para trabajar como publicista en una fábrica de papel. En 1926 entró a trabajar en la Galería Sento, tras haber firmado un contrato. A partir de ese momento, él ... Su primera exposición en 1927 fue criticada. Luego René, habiendo rescindido el contrato, y su esposa Georgette Berger se van a París, donde el artista entra en el círculo de los surrealistas. De alguna manera no está de acuerdo con ellos, considerándose a sí mismo un "surrealista mágico". Paris se aburre y la pareja regresa a su tierra natal, a Bruselas. La publicidad vuelve a trabajar, Rene y su hermano abren una agencia.

La Segunda Guerra Mundial ha comenzado, Bélgica está bajo ocupación. Rene Magritte pinta cuadros similares al estilo. En el período de la posguerra, los lienzos de Magritte fueron increíblemente populares en los Estados Unidos, exposición tras exposición, mucho dinero, reconocimiento y fama recayeron sobre el artista. El propio Magritte Rene vivió modestamente, vivió toda su vida con una esposa y murió de cáncer a la edad de 68 años.

Y ahora, casi 42 años después, el Museo Real de Bellas Artes abrió un museo que contiene solo las obras del artista místico Magritte. La apariencia misma del edificio es de un estilo inusual, una cortina corrediza en la pared, detrás de la cual hay árboles, cielo azul y la entrada a algún lugar es visible. Por eso los belgas honraron la memoria de René, quien pintó sus cuadros con un significado filosófico.

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Pinturas del artista René Magritte

Gran familia

Destino humano

Espejo falso

Imperio de la luz

Desconocido

Hada ignorante

Nostalgia

Memoria de viaje

Canción de amor

Retrato con una pipa

Mundo maravilloso

Obstáculo del vacío

(FR. Rene Francois Ghislain Magritte; nacido el 21 de noviembre de 1898 en Lessine, fallecido el 15 de agosto de 1967 en Bruselas) - Pintor surrealista belga. Conocido como el autor de pinturas ingeniosas y al mismo tiempo poéticamente misteriosas.

Rene Magritte fue mirado con sospecha. Especialmente los médicos. Especialmente psicoanalistas. Aquellos que no notaron ninguna anomalía mental detrás de este artista, abruptamente cambiaron de opinión después de eso. cómo se familiarizaron con su trabajo.

Pero en respuesta a sus inclinaciones, el propio artista, no sin sarcasmo, argumentó que el mejor paciente para un psicoanalista es otro psicoanalista. Y Sigmund Freud, el más popular en ese momento, no se tomó en serio para nada. Pero siguió dibujando manzanas, el lugar de los rostros, espejos con reflejos fantásticos, ataúdes para los muertos sentados y otras rarezas e incomprensibilidad.

René pasó su infancia y adolescencia en la pequeña ciudad industrial de Charleroi. La vida fue dura.

Rene Magritte, El hijo del hombre, 1964.

En 1912, su madre se ahogó en el río Sambre, lo que, al parecer, tuvo una gran influencia en el futuro artista, entonces todavía un adolescente. Cuando se encontró el cuerpo, su cabeza estaba cuidadosamente envuelta en una gasa ligera.

Probablemente por esto, un lugar especial en la obra de Magritte lo ocupan las personas, o más bien, su ausencia. La mayoría de las veces, la cara en el retrato está cubierta por un objeto extraño o envuelta en una tela, o incluso solo se representa la parte posterior de la cabeza u otra parte del cuerpo en lugar de la cara.

M agritt sacó de la infancia una serie de otros recuerdos, no tan trágicos, pero no menos misteriosos, de los que él mismo dijo que se reflejaban en su obra.

A partir de 1916, Magritte estudió en la Real Academia de Bellas Artes de Bruselas y dejó la Academia en 1918. Al mismo tiempo, conoció a Georgette Berger, con quien se casó en 1922 y con quien convivió hasta su muerte en 1967.

Asesino amenazado - El asesino amenazado - 1927

Las pinturas de Magritte se caracterizan por un estilo indiferente, por así decirlo, imperturbable. Representan objetos ordinarios que Magritte, a diferencia de otros grandes surrealistas (Dali, Ernst), casi nunca pierden su "objetividad": no se difunden, no se convierten en sus propias sombras. Sin embargo, la combinación muy extraña de estos elementos es sorprendente y estimulante. La imperturbabilidad del estilo no hace más que agravar esta sorpresa y sumerge al espectador en una especie de entumecimiento poético provocado por el secreto mismo de las cosas.

A la edad de 14 años, Rene conoce a una chica llamada Georgette. Unos años más tarde, se convierte en su esposa, amante, musa, colega y amiga, la única modelo femenina del artista. No hubo otras mujeres en su vida. El bello rostro de Georgette es imperceptible en las pinturas de Magritte. Es nebuloso y encriptado, como una belleza esquiva.

El significado de la noche 1927

El objetivo de Magritte, según él mismo admite, es hacer pensar al espectador. Por eso, las pinturas del artista a menudo se asemejan a acertijos que no se pueden desentrañar por completo, ya que plantean interrogantes sobre la esencia misma del ser: Magritte todo el tiempo habla del engaño de lo visible, de su misterio oculto, que generalmente no nos damos cuenta. . Hay un ciclo bien conocido de obras del artista en el que escribe bajo objetos ordinarios: este no es él. Particularmente popular es la pintura "La traición de las imágenes", que representa una pipa con la leyenda "Esto no es una pipa". Por lo tanto, Magritte recuerda nuevamente al espectador que la imagen de un objeto no es el objeto en sí.

Él, como Dalí y otros surrealistas, transfirió sueños y pensamientos al lienzo. pero odiaba que los críticos lo llamaran surrealista. “Soy un realista mágico”, se dijo Magritte.

A los 18 años, René se fue a estudiar a la Academia de Bellas Artes de Bruselas, donde rápidamente se dio cuenta de que para él trasladar los detalles de la vida real al lienzo era una angustia mortal. Aquí "cae enfermo" con el cubismo y el futurismo en el espíritu de Fernand Léger, pero se cura conociendo la obra de Max Ernst y Giorgio de Chirico.

Tiempo transferido 1938

En general, los nombres de las pinturas juegan un papel especial en Magritte. Casi siempre son poéticos y, a primera vista, no tienen nada que ver con la imagen en sí. Y fue en esto que el propio artista vio su significado: creía que la conexión poética oculta entre el nombre y la imagen contribuía a la sorpresa mágica que Magritte veía como el propósito del arte.

En 1921, Magritte fue reclutado por el ejército, y un año después, a su regreso a la vida civil, consiguió un trabajo como delineante en una fábrica de papel tapiz, donde pasó horas escribiendo rosas en papel con el más mínimo detalle (rosas más tarde convertido en uno de los leitmotivs de sus pinturas - un símbolo de la belleza fatal e insegura - "La tumba del luchador", 1961). Luego, junto con su hermano, abre una agencia de publicidad, lo que les permitió olvidarse pronto de problemas urgentes.

En 1930, se produjo una ruptura con Breton. Magritte regresa a Bruselas y, junto con Paul Delvaux, se convierte aquí en uno de los líderes del movimiento surrealista. Durante este fructífero período de su carrera, Magritte creó una serie de pinturas con temas misteriosos y poéticos, incluida su pintura más copiada: "El estado del hombre" (1935). La imagen del mar en la pintura del caballete frente a la ventana abierta se fusiona milagrosamente con la vista al mar "real" desde la ventana.

Cuando los alemanes ocuparon Bélgica en 1940, Magritte pasó primero tres meses en el exilio en Carcassonne (Francia), y luego regresó a Bruselas, donde sobrevivió a la guerra. Inmediatamente después de la guerra, Magritte decidió pintar cuadros con trazos amplios, al estilo de Renoir y Matisse, explicando esto por la necesidad de buscar la alegría frente al pesimismo generalizado de aquellos años. Este período en la obra de Magritte se llama más a menudo el período del "sol brillante" ("plein soleil"). Pero los motivos del impresionismo y el fauvismo en la obra del maestro de pinturas misteriosas no convencieron al público y a los críticos, y en 1948 el artista volvió a su propio estilo.


“Tomo un tema o tema arbitrario como una pregunta”, escribió, “y luego comienzo a buscar otro objeto que pueda servir como respuesta. Para convertirse en candidato para una respuesta, el objeto buscado debe estar asociado con el objeto de la pregunta mediante muchas conexiones secretas. Si la respuesta se sugiere con toda claridad, entonces se está estableciendo la conexión entre los dos objetos ". Y de nuevo: "Para mí, el pensamiento inicialmente consiste sólo en cosas visibles, y él mismo puede volverse visible gracias a la pintura". Rene Magritte


En los años 50, el artista crea algunas de sus obras más famosas. Entre ellos se encuentra el cuadro "Golconda" (1953). El artista representó a varias decenas de rentistas bien vestidos (con bombines, corbatas y abrigos a la moda) flotando en un espacio infinito, manteniendo una ecuanimidad absoluta. Golconda es una ciudad antigua en la India que se ha convertido en sinónimo de innumerables tesoros y riquezas, porque fue aquí donde se encontraron muchos diamantes famosos y otras piedras preciosas. Las personas de la imagen parecen sentirse atraídas por los tesoros de Golconda.

En 1950-1960, las pinturas de Rene Magritte conmocionaron el mercado del arte estadounidense, donde solo se llevaron a cabo sus exposiciones durante toda una temporada. Llegaba dinero de todos lados, pero este hombre con cara de farmacéutico amable, como decían sus familiares, se mantuvo fiel a sí mismo: sin bohemia, una casa modesta, un taller tranquilo y en su medio de transporte favorito: el tranvía.

Magritte murió el 15 de agosto de 1967 a la edad de 69 años de cáncer, dejando sin terminar una nueva versión de su pintura quizás más famosa, Empire of Light. Ella permaneció para siempre en su habitación sobre el caballete. Georgette dijo, dirigiéndose a su esposo: “En una cosa te equivocaste: en la finitud de tu propia vida, en la victoria de la muerte sobre todo. Permaneciste vivo no solo para mí, sino para todos los que miran tus cuadros: después de todo, todos estás en ellos. Los miro y hablo contigo y discuto, como siempre. Aún hiciste lo que soñaste. Atravesaste el espejo, pero te quedaste. Has conquistado la muerte ".


Trató de destruir la idea habitual de lo conocido, lo inmutable, para hacer que el objeto viera en una nueva dimensión, confundiendo al espectador. En sus lienzos, creó un mundo de fantasía y sueños a partir de cosas reales, sumergiendo al público en una atmósfera de sueños y misterio. El artista supo brillantemente cómo "dirigir" sus sentimientos. Parecería que el mundo creado por el artista es estático y sólido, pero lo irreal siempre invade lo ordinario, destruyendo este mundo familiar (una manzana ordinaria en la habitación, expandiéndose, desplaza a las personas o una locomotora de vapor salta de la chimenea a pleno velocidad - "Pierced Time", 1938).

El pintor surrealista belga Rene Magritte - vida y obra actualizado: 21 de octubre de 2018 por: sitio