ทำไมเด็กทารกในภาพวาดยุคกลางถึงดูเหมือนผู้ชายที่แย่มาก? การแสดงภาพร่างกายมนุษย์ในประวัติศาสตร์ศิลปะ การที่เด็กๆ กลับมางดงามอีกครั้งในสมัยเรอเนซองส์

Ugly เป็นการพูดที่น้อยเกินไป ในภาพในยุคกลาง เด็กๆ ดูเหมือนคนแคระที่น่าขนลุกซึ่งมีระดับคอเลสเตอรอลสูง และกังวลอย่างมากเกี่ยวกับปัญหาที่อยู่อาศัย เด็กทารกในภาพวาด “Madonna of Veveří” โดยปรมาจารย์ของแท่นบูชา Vyszebrod ดูราวกับว่าเขากำลังจะถูกไล่ออกเนื่องจากการล่วงละเมิดทางเพศ

ใน Madonna and Child ของ Paolo Veneziano จากปี 1333 เด็กคนนี้น่ากลัวเกินไปแม้แต่กับภาพยนตร์ของ David Lynch

รูปภาพของเด็กเหล่านี้ซึ่งชวนให้นึกถึงผู้ชายที่เป็นผู้ใหญ่มากกว่าทำให้สงสัยว่าทำไมตั้งแต่ยุคเรอเนซองส์พวกเขาเริ่มวาดรูปเครูบที่น่ารักแทน การเปรียบเทียบภาพในยุคกลางและเรอเนซองส์แสดงให้เห็นว่าแนวคิดเกี่ยวกับใบหน้าของเด็กเปลี่ยนแปลงไปมากเพียงใด เพื่อให้เข้าใจว่าเหตุใดจึงมีเด็กพิการจำนวนมากในภาพยุคกลาง จึงจำเป็นต้องดูประวัติศาสตร์ศิลปะ วัฒนธรรมยุคกลาง และแนวคิดสมัยใหม่เกี่ยวกับเด็ก

ศิลปินยุคกลางแค่วาดภาพไม่เก่งใช่ไหม?

"ความน่าเกลียด" ของทารกอาจเป็นการกระทำโดยเจตนา เส้นแบ่งระหว่างภาพวาดของเด็กที่น่าเกลียดและน่ารักนั้นเกิดขึ้นพร้อมกับเส้นเขตแดนระหว่างยุคกลางและยุคเรอเนซองส์ ในแต่ละช่วงเวลา ผู้คนถือว่าสิ่งที่ต่างกันเป็นค่านิยมหลัก หากศิลปินยุคเรอเนซองส์มีความคิดเกี่ยวกับเด็กแตกต่างจากศิลปินในยุคกลาง รูปภาพจะสะท้อนถึงการเปลี่ยนแปลงนี้ “หากเรามีแนวคิดโดยพื้นฐานเกี่ยวกับเด็กๆ ที่แตกต่างกัน ภาพวาดก็จะแสดงให้เห็นถึงทัศนคติของเราที่มีต่อพวกเขา” เอเวอเรตต์กล่าว - ยุคกลางมีรูปแบบการวาดภาพบางอย่าง แน่นอนว่าใครๆ ก็พูดได้ว่าวีรบุรุษแห่งการวาดภาพในยุคนั้นถูกนำเสนออย่างไม่สมจริง แต่คำพูดเดียวกันนี้สามารถนำไปใช้กับตัวละครของ Picasso ได้” ยุคเรอเนซองส์นำนวัตกรรมทางศิลปะมาด้วย แต่ก็ไม่ใช่เหตุผลว่าทำไมเด็กๆ จึงเริ่มวาดภาพ "ดีขึ้น"

มีเหตุผลสองประการที่ทำให้เด็ก ๆ ในศิลปะยุคกลางดูเป็น "ผู้ชาย":

1) รูปเด็กในยุคกลางส่วนใหญ่เป็นรูปพระเยซู แนวความคิดเรื่องพระคริสต์แบบ Homuncular มีอิทธิพลต่อประเพณีทั่วไปในการวาดภาพเด็ก

โดยปกติแล้วโบสถ์จะวาดภาพเหมือนของเด็กในยุคกลาง นี่เป็นการจำกัดขอบเขตของตัวละครที่แสดงถึงพระกุมารเยซูและเด็กคนอื่นๆ อีกสองสามคนจากเรื่องราวในพระคัมภีร์ ความเข้าใจในยุคกลางเกี่ยวกับพระคริสต์ได้รับอิทธิพลจากภาพลักษณ์ของโฮมุนครุส ซึ่งแปลตรงตัวว่า "ชายร่างเล็ก" ความคิดของพระเยซูผู้เป็นมนุษย์คือพระบุตรของพระเจ้ามีร่างกายในอุดมคติตั้งแต่แรกเกิดและรูปร่างหน้าตาของเขาไม่เปลี่ยนแปลงไปตามกาลเวลา เอเวอเร็ตต์ให้เหตุผลว่าหากเปรียบเทียบแนวคิดนี้กับประเพณีการวาดภาพไบแซนไทน์ ก็สามารถอธิบายได้ว่าทำไมภาพหลายภาพจึงแสดงภาพพระกุมารเยซูว่าศีรษะล้าน ต่อมา ประเพณีการวาดภาพพระเยซูที่ดูเป็นผู้ใหญ่กลายมาเป็นธรรมเนียมปฏิบัติในการยึดถือ หลังจากนั้นไม่นาน ผู้คนเริ่มเชื่อว่านี่เป็นวิธีเดียวที่จะดึงดูดเด็กได้

เด็กโดย Barnaba da Modena (ใช้งานอยู่ 1361–1383) กำลังจะเข้าสู่วิกฤตวัยกลางคน

2) ศิลปินยุคกลางไม่สนใจการวาดภาพเหมือนจริง

การพรรณนาพระเยซูที่ไม่สมจริงแสดงให้เห็นว่าศิลปะยุคกลางจำเป็นต้องมีแนวทางที่กว้างขึ้น เห็นได้ชัดว่าศิลปินในยุคนั้นไม่ได้วาดภาพในรูปแบบของความสมจริงและในขณะเดียวกันก็ไม่ได้สร้างรูปร่างในอุดมคติเช่นเดียวกับศิลปินยุคเรอเนซองส์ ความแปลกประหลาดที่เราเห็นในศิลปะยุคกลางเกิดขึ้นเนื่องจากศิลปินไม่ได้เข้าใกล้วัตถุที่ปรากฎจากตำแหน่งที่เป็นธรรมชาติ แต่มีแนวโน้มที่จะใช้วิธีการถ่ายทอดวัตถุแบบแสดงออกมากกว่า อย่างไรก็ตาม คุณลักษณะของการคิดในยุคกลางนี้ทำให้คนส่วนใหญ่มีภาพที่คล้ายกันมาก แนวคิดเรื่องเสรีภาพในการสร้างสรรค์ (ศิลปินสามารถดึงดูดผู้คนได้ตามต้องการ) ค่อนข้างใหม่ อนุสัญญาทางศิลปะยังคงแข็งแกร่งในยุคกลาง การวาดภาพสไตล์นี้ยังคงรักษาภาพลักษณ์ดั้งเดิมของเด็กทารกเอาไว้ คล้ายกับพ่อที่อ่อนแอและเอาแต่ใจ - อย่างน้อยก็จนถึงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา

ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาทำให้เด็ก ๆ สวยงามได้อย่างไร

เด็กที่สวยงามและอ่อนหวาน วาดโดยราฟาเอล ในปี 1506

แล้วทำไมเด็กถึงถูกมองว่าสวยล่ะ?

1) ในยุคใหม่ ศิลปะฆราวาสเจริญรุ่งเรือง ผู้คนต้องการมองเด็กน่ารัก ไม่ใช่มองคนแก่ตัวเล็กและน่าเกลียด

ในยุคกลางแทบไม่มีศิลปะแบบ "ชนชั้นกลาง" หรือภาพวาดยอดนิยมเลย หลังจากที่ชาวเมืองฟลอเรนซ์มีรายได้เพิ่มมากขึ้น ความต้องการวาดภาพเหมือนของเด็กก็เริ่มก่อตัวขึ้นในวัฒนธรรมของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา คนธรรมดาที่มีความปรารถนาที่จะทำให้ลูกหลานของตนเป็นอมตะในภาพวาดได้ขยายขอบเขตของการวาดภาพบุคคล ลูกค้าไม่อยากเห็นลูกหลานของเขาในรูปของโฮมุนครุสที่น่าขนลุก สิ่งนี้ได้เปลี่ยนขอบเขตของสิ่งที่ยอมรับได้ในการวาดภาพเด็กๆ และในที่สุดประเพณีก็ขยายไปถึงพระกุมารเยซูด้วย

2) อุดมคตินิยมยุคเรอเนซองส์เปลี่ยนศิลปะ

ในช่วงยุคเรอเนซองส์ ศิลปินได้พัฒนาความสนใจใหม่ในการสังเกตธรรมชาติและพรรณนาสิ่งต่าง ๆ ตามที่เขาเห็น ลักษณะสไตล์การแสดงออกทางศิลปะของยุคกลางกำลังหายไป สิ่งนี้นำไปสู่การปรากฏตัวของภาพที่สมจริงของเด็กทารก - เครูบที่สวยงามโดยยืมคุณสมบัติที่ดีที่สุดของคนจริง

3) เด็ก ๆ กลายเป็นสิ่งมีชีวิตที่ไร้เดียงสา

Averett เสนอแนะว่าเราไม่ควรสร้างความแตกต่างคร่าวๆ ระหว่างความคิดในยุคกลางและเรอเนซองส์ซึ่งมีอยู่ในผู้ปกครองของยุคเหล่านี้ เป็นที่เชื่อกันอย่างกว้างขวางว่าการเปลี่ยนแปลงทางความคิดระหว่างยุคเรอเนซองส์มีอิทธิพลต่อประเพณีการวาดภาพเด็ก แต่พ่อแม่ในยุคกลางก็รักลูกๆ ของพวกเขาในลักษณะเดียวกับพ่อแม่ในยุคเรอเนซองส์ อย่างไรก็ตามในช่วงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาแนวคิดเกี่ยวกับเด็กก็เปลี่ยนไป: จากผู้ใหญ่ตัวเล็ก ๆ เด็ก ๆ กลายเป็นสิ่งมีชีวิตที่ไร้เดียงสาโดยเฉพาะ สิ่งนี้เกิดขึ้นเมื่อความคิดแพร่กระจายในสังคมว่าเด็กทุกคนเกิดมาไม่มีบาปและยังคงไม่รู้อะไรเกี่ยวกับโลกนี้ ทันทีที่ทัศนคติของผู้ใหญ่ที่มีต่อเด็กเปลี่ยนไป ภาพเด็กที่สร้างโดยผู้ใหญ่และสำหรับผู้ใหญ่ก็เปลี่ยนไปเช่นกัน ทารกที่น่าเกลียดในภาพวาดของยุคกลางหรือภาพที่สวยงามในยุคเรอเนซองส์เป็นเพียงภาพสะท้อนของแนวคิดทางสังคมเกี่ยวกับวิธีที่ผู้คนคิดเกี่ยวกับเด็ก หน้าที่การเลี้ยงดู และงานศิลปะ

ทำไมเรายังต้องการให้ลูกของเราดูสวย?

ภายใต้อิทธิพลของปัจจัยเหล่านี้ เด็ก ๆ ทุกวันนี้เป็นเพียงตุ๊กตาทารกที่คุณต้องการบีบแก้ม เป็นที่ชัดเจนว่าในสังคมสมัยใหม่ แนวคิดหลังยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาบางประการที่เกี่ยวข้องกับการทำให้เด็กในอุดมคติยังคงมีชีวิตอยู่ แน่นอนว่าสำหรับคนยุคใหม่การเปลี่ยนแปลงประเพณีการวาดภาพเด็กนั้นเป็นข้อดีเพราะคุณเห็นไหมว่ามีเพียงแม่เท่านั้นที่สามารถชอบใบหน้าเช่นนี้:

เด็กในไอคอน Bitonto (1304) ดูราวกับว่าเขาไม่ต้องการเล่นซ่อนหา

“น่าเกลียด” กำลังพูดอย่างอ่อนโยน เด็กทารกในภาพวาดยุคกลางดูเหมือนผู้ชายตัวเล็กๆ ที่น่ากลัวและมีคอเลสเตอรอลสูง

เหล่านี้คือลูกหลานของปี 1350:

เด็กทารกที่น่าขนลุกจากปี 1350 ในเพลง "Madonna of Veveří" โดยปรมาจารย์แห่งแท่นบูชา Vyshebrod รูปถ่าย: .

หรือนี่คืออีกอันหนึ่งจาก 1333:

“มาดอนน่าและพระบุตร” วาดในอิตาลี โดยเปาโล เวเนเซียโน, ค.ศ. 1333 ภาพ: Mondadori Portfolio/.

เมื่อมองดูคนตัวเล็กที่น่าเกลียดเหล่านี้ เราก็คิดว่าเราจะจัดการเปลี่ยนจากภาพเด็กในยุคกลางที่น่าเกลียดไปสู่ทารกเทวดาแห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาและสมัยใหม่ได้อย่างไร ด้านล่างนี้เป็นภาพสองภาพที่แสดงให้เห็นว่าความคิดเกี่ยวกับใบหน้าของเด็กเปลี่ยนไปมากน้อยเพียงใด

รูปถ่าย: .

ภาพ: ฟิลิปปิโน ลิปปี้/ .

เหตุใดจึงมีเด็กน่าเกลียดมากมายในภาพวาด? เพื่อให้เข้าใจเหตุผล เราต้องดูประวัติศาสตร์ศิลปะ วัฒนธรรมยุคกลาง และแม้แต่แนวคิดสมัยใหม่เกี่ยวกับเด็ก

บางทีศิลปินยุคกลางอาจจะวาดรูปไม่เก่งใช่ไหม?

ภาพวาดสมัยศตวรรษที่ 15 นี้ฝีมือศิลปินชาวเวนิส จาโคโป เบลลินี แต่วาดภาพเด็กทารกในสไตล์ยุคกลาง รูปถ่าย: .

เด็กถูกจงใจแสดงให้เห็นว่าน่าเกลียด เส้นแบ่งระหว่างยุคกลางและยุคฟื้นฟูศิลปวิทยามีประโยชน์เมื่อพิจารณาถึงการเปลี่ยนจากเด็กที่ "น่าเกลียด" ไปเป็นเด็กที่น่ารักยิ่งขึ้น การเปรียบเทียบระหว่างยุคสมัยต่างๆ มักจะเผยให้เห็นความแตกต่างในคุณค่า

« เมื่อเราคิดถึงเด็กๆ ในมุมมองที่แตกต่างโดยพื้นฐาน สิ่งนี้สะท้อนให้เห็นในภาพวาด -เอเวอเรตต์กล่าว “นั่นคือทางเลือกของสไตล์” เราสามารถดูศิลปะยุคกลางแล้วบอกว่าคนเหล่านี้ดูไม่เหมาะสม แต่หากเป้าหมายคือการทำให้ภาพวาดดูเหมือนปิกัสโซ และคุณสร้างภาพที่สมจริง พวกเขาจะบอกคุณว่าคุณทำผิด แม้ว่านวัตกรรมทางศิลปะจะมาพร้อมกับยุคเรอเนซองส์ แต่ก็ไม่ใช่เหตุผลว่าทำไมทารกถึงสวยขึ้น».

หมายเหตุ: เป็นที่ยอมรับกันโดยทั่วไปว่ายุคฟื้นฟูศิลปวิทยาเริ่มขึ้นในศตวรรษที่ 14 ในเมืองฟลอเรนซ์ และจากนั้นก็แพร่กระจายไปทั่วยุโรป อย่างไรก็ตาม เช่นเดียวกับการเคลื่อนไหวทางปัญญาอื่น ๆ มันมีลักษณะทั้งกว้างและแคบเกินไป: กว้างเกินไปในแง่ของการสร้างความประทับใจว่าคุณค่าของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาเกิดขึ้นทันทีและทุกที่ และแคบเกินไปในการจำกัดการเคลื่อนไหวของมวลชนให้เหลือเพียงโซนเดียวของ นวัตกรรม . มีช่องว่างในยุคเรอเนซองส์ - คุณสามารถเห็นภาพของเด็กที่น่าเกลียดในปี 1521 ได้อย่างง่ายดายหากศิลปินมุ่งมั่นในสไตล์นั้น

เราสามารถติดตามเหตุผลสองประการว่าทำไมเด็กทารกในภาพวาดในยุคกลางจึงดูเป็นลูกผู้ชาย:

• ทารกในยุคกลางส่วนใหญ่เป็นภาพของพระเยซู ความคิดเรื่องพระเยซูผู้เป็นมนุษย์ (ที่ว่าพระองค์ประสูติในรูปลักษณ์ของผู้ใหญ่ไม่ใช่เด็ก) มีอิทธิพลต่อวิธีการแสดงภาพเด็กทุกคน

ตามกฎแล้วภาพเด็กในยุคกลางถูกสร้างขึ้นตามคำสั่งของคริสตจักร ซึ่งหมายความว่าภาพเหล่านั้นเป็นภาพพระเยซูหรือทารกอื่นๆ ในพระคัมภีร์ ในช่วงยุคกลาง ความคิดเกี่ยวกับพระเยซูได้รับอิทธิพลอย่างมากจากโฮมุนครุส ซึ่งแปลว่าตามตัวอักษร ชายร่างเล็ก. « ตามความคิดนี้ พระเยซูทรงปรากฏเป็นรูปที่สมบูรณ์และไม่เปลี่ยนแปลง -เอเวอเรตต์กล่าว – และถ้าเราเปรียบเทียบสิ่งนี้กับภาพวาดไบแซนไทน์ เราจะได้ภาพพระเยซูมาตรฐาน ในภาพเขียนบางภาพเขาดูเหมือนจะมีสัญญาณของศีรษะล้านแบบผู้ชาย».

จิตรกรรมโดยบาร์นาบา ดา โมเดนา (ใช้งานตั้งแต่ ค.ศ. 1361 ถึง ค.ศ. 1383) ภาพ: DeAgostini/.

พระเยซูผู้เป็นมนุษย์ (ดูเป็นผู้ใหญ่) กลายเป็นพื้นฐานสำหรับการวาดภาพของเด็กทุกคน เมื่อเวลาผ่านไป ผู้คนเริ่มคิดว่านี่คือวิธีที่ควรนำเสนอเด็กทารก

• ศิลปินยุคกลางไม่ค่อยสนใจเรื่องความสมจริง

การแสดงภาพพระเยซูที่ไม่สมจริงนี้สะท้อนถึงแนวทางที่กว้างกว่าสำหรับศิลปะยุคกลาง: ศิลปินในยุคกลางสนใจเรื่องความสมจริงหรือรูปแบบในอุดมคติน้อยกว่าศิลปินในสมัยเรอเนซองส์

« ความแปลกประหลาดที่เราเห็นในศิลปะยุคกลางเกิดจากการขาดความสนใจในลัทธิธรรมชาตินิยมและความโน้มเอียงมากขึ้นต่อประเพณีการแสดงออก"เอเวอเรตต์กล่าว

ในทางกลับกัน สิ่งนี้ทำให้คนส่วนใหญ่ในยุคกลางถูกมองว่าคล้ายคลึงกัน - ความคิดเรื่องเสรีภาพทางศิลปะในการดึงดูดผู้คนในแบบที่คุณต้องการจะเป็นเรื่องใหม่ อนุสัญญาได้รับการปฏิบัติตามในงานศิลปะ».

การยึดติดกับรูปแบบการวาดภาพนี้ทำให้เด็กทารกดูเหมือนพ่อที่ไม่สมส่วน อย่างน้อยก็จนถึงยุคเรอเนซองส์

วิธีที่เด็กๆ กลับมาสวยงามอีกครั้งในสมัยเรอเนซองส์

เด็กผู้น่ารักในภาพวาดของราฟาเอล ค.ศ. 1506 ภาพ: ภาพวิจิตรศิลป์/ภาพมรดก/

อะไรเปลี่ยนแปลงไปและส่งผลให้เด็ก ๆ กลับมาสวยอีกครั้ง?

• ศิลปะที่ไม่ใช่ศาสนาเจริญรุ่งเรือง และผู้คนไม่อยากให้ลูกๆ ของตนดูเหมือนคนตัวเล็กที่น่าขนลุก

« ในช่วงยุคกลาง เราจะเห็นภาพของชนชั้นกลางและคนทั่วไปน้อยลง"เอเวอเร็ตต์กล่าว

เมื่อถึงยุคเรอเนซองส์ สิ่งนี้เริ่มเปลี่ยนไปเมื่อชนชั้นกลางในฟลอเรนซ์เจริญรุ่งเรือง และผู้คนสามารถซื้อภาพเหมือนของลูกๆ ของตนได้ การถ่ายภาพบุคคลกำลังได้รับความนิยมเพิ่มมากขึ้น และลูกค้าต้องการให้ลูกๆ ของพวกเขาดูเหมือนเด็กทารกที่น่ารัก มากกว่าที่จะเป็นมนุษย์ที่น่าเกลียด นี่คือวิธีที่มาตรฐานทางศิลปะเปลี่ยนแปลงไปในหลายๆ ด้าน และท้ายที่สุดคือในการวาดภาพเหมือนของพระเยซู

• อุดมคตินิยมยุคเรอเนซองส์เปลี่ยนศิลปะ

« ในช่วงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา -เอเวอเรตต์พูดว่า – มีความสนใจใหม่ในการสังเกตธรรมชาติและพรรณนาสิ่งต่าง ๆ ตามที่เห็นจริง- และไม่ได้อยู่ในประเพณีการแสดงออกที่กำหนดไว้ก่อนหน้านี้ สิ่งนี้สะท้อนให้เห็นในภาพถ่ายบุคคลที่เหมือนจริงของเด็กทารก และในเครูบที่สวยงาม ซึ่งซึมซับส่วนที่ดีที่สุดจากคนจริงๆ

• เด็ก ๆ ได้รับการยอมรับว่าเป็นสิ่งมีชีวิตที่ไร้เดียงสา

Averett เตือนไม่ให้แบ่งบทบาทของเด็กมากเกินไปในยุคเรอเนซองส์ พ่อแม่ในยุคกลางก็รักลูกๆ ของตนไม่ต่างไปจากในยุคเรอเนซองส์ แต่ความคิดเกี่ยวกับเด็กและการรับรู้ของพวกเขาเปลี่ยนไปตั้งแต่ผู้ใหญ่ตัวเล็กๆ ไปจนถึงสิ่งมีชีวิตที่ไร้เดียงสา

ศิลปะในยุคกลางค่อนข้างแปลกและบางครั้งก็คลุมเครือมาก เป็นเรื่องปกติที่จะต้องชื่นชมเขา แต่ในขณะเดียวกันแม้แต่นักประวัติศาสตร์ศิลป์บางครั้งก็เงียบงันอย่างเขินอายเกี่ยวกับสิ่งที่เกิดขึ้นในเวลานั้น ไม่มีการพูดถึงความสมจริงของภาพ และศิลปินหลายคนก็แค่เบื่อพระภิกษุที่วาดหนังสือเพื่อฆ่าเวลา ไม่จำเป็นต้องพูดว่าช่วงเวลานี้แตกต่างอย่างสิ้นเชิงจากทุกสิ่งที่เกิดขึ้นในงานศิลปะในภายหลัง

1. นักฆ่ากระต่าย

พระในยุคกลางสร้าง "ต้นฉบับเรืองแสง" ซึ่งเป็นหนังสือที่แต่ละหน้าเต็มไปด้วยงานศิลปะหลากสีสัน (ของจิ๋วและเครื่องประดับ) บางครั้งก็จะเต็มไปด้วยภาพดอกไม้และไม้เลื้อยที่สวยงาม บางครั้งพระก็วาดภาพประกอบสำหรับหนังสือเล่มนี้ และบางครั้งก็วาดกระต่ายทุบหัวคนด้วยเหตุผลบางอย่าง กระต่ายทรมานผู้คนเป็นหัวข้อที่พบบ่อยในศิลปะยุคกลางอย่างน่าประหลาดใจ นักประวัติศาสตร์ศิลปะสมัยใหม่ยังไม่พบคำตอบสำหรับคำถามนี้

มีภาพของกระต่ายบุกเข้าสู่สนามรบ อัศวินที่ทำร้ายร่างกาย ขโมยผู้หญิง ทุบตีผู้คนด้วยกระบอง และฟันพวกเขาด้วยขวาน - และรูปภาพดังกล่าวไม่เกี่ยวข้องกับสิ่งที่กล่าวถึงในหนังสือเลย ทฤษฎีหลักคือภาพวาดดังกล่าวถูกสร้างขึ้นในทุ่งโดยพระที่เบื่อหน่ายซึ่งแค่อยากสนุก พวกเขาคิดว่าความคิดที่จะให้กระต่ายแก้แค้นคนที่ตามล่าพวกมันนั้นเป็นเรื่องตลก แต่นี่เป็นเพียงทฤษฎีเท่านั้น

2. แมวเลียก้น

รูปภาพของแมวได้รับความนิยมเร็วกว่าอินเทอร์เน็ตมาก ศิลปินยุคกลางวาดภาพเหล่านี้ค่อนข้างบ่อย ข้อยกเว้นเพียงอย่างเดียวคือพวกเขาไม่ได้มุ่งความสนใจไปที่การทำให้ภาพทำให้เกิดอารมณ์เชิงบวกและความน่ารัก

ด้วยเหตุผลบางประการ ศิลปินยุคกลางเชื่อว่ามีเพียงช่วงเวลาเดียวเท่านั้นที่ควรค่าแก่การถูกทำให้เป็นอมตะในงานศิลปะ นั่นก็คือ ช่วงเวลาที่แมวก้มลงและเลียทวารหนักของมันเอง ยุคกลางทิ้งเสียงฟี้อย่างแมวๆ มากมายที่เลียก้นหรือลูกอัณฑะไว้เบื้องหลัง บางครั้งภาพเหล่านี้ดูสมจริงมาก แต่ส่วนใหญ่แล้วแมวมักจะงอเป็นวงกลมโดยมีลิ้นอยู่ที่บริเวณจุดที่ห้า

3. ผู้หญิงขี่อริสโตเติล

อริสโตเติลนักปรัชญาชาวกรีกปรากฏตัวในภาพวาดค่อนข้างบ่อย แต่ในช่วงเวลาสั้น ๆ ในช่วงเริ่มต้นของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาด้วยเหตุผลบางอย่างเขาเริ่มถูกบรรยายด้วยท่าทางที่แปลกและเฉพาะเจาะจงเหมือนกัน เป็นเวลาหลายปีที่ศิลปินวาดภาพนักปรัชญาที่ได้รับความเคารพนับถือมากที่สุดในโลกคนหนึ่งโดยมีผู้หญิงนั่งคร่อมเขา

บางครั้งอริสโตเติลก็มีฟองอยู่ในปากของเขา ในโอกาสอื่นผู้หญิงคนนั้นทุบตีเขา และบางครั้งมันก็อาจเป็นภาพที่ชัดเจนของผู้หญิงเปลือยตบบิดาแห่งความคิดทางวิทยาศาสตร์ ต้นกำเนิดของภาพวาดดังกล่าวเป็นเรื่องราวยอดนิยมของภรรยาของอเล็กซานเดอร์มหาราชซึ่งหลอกให้อริสโตเติลขี่เธอเหมือนม้า

คุณธรรมของเรื่องนี้ก็คือผู้หญิงเป็นผู้ล่อลวงที่ชั่วร้ายและทุกคนควรละเว้นจากตัณหาทางกามารมณ์ นี่คือวิธีที่ศิลปินยุคกลางแสดงให้โลกเห็นว่าพวกเขา "อยู่เหนือตัณหา"

4. อัศวินต่อสู้กับหอยทาก

หนึ่งในสิ่งที่แปลกประหลาดที่สุดที่พระภิกษุชอบพรรณนาไว้ริมหนังสือคือการต่อสู้ครั้งยิ่งใหญ่ระหว่างอัศวินและหอยทาก ระหว่างศตวรรษที่ 13 ถึง 14 โดยไม่ทราบสาเหตุ สิ่งนี้จึงกลายเป็นหัวข้อยอดนิยมมาก

“สามารถพบได้ทุกที่ตามขอบของต้นฉบับแบบโกธิก” นักวิชาการคนหนึ่งกล่าว “พวกมันมีอยู่ทุกที่จริงๆ และไม่มีใครรู้ว่าทำไม” บางคนเชื่อว่านี่เป็นสัญลักษณ์เปรียบเทียบของการต่อสู้ทางสังคม การเลือกปฏิบัติ หรือการต่อสู้อย่างสิ้นหวังของมนุษย์กับความตายที่หลีกเลี่ยงไม่ได้ ในขณะที่บางคนถือว่าทั้งหมดนี้เป็นเพราะความเบื่อหน่ายของพระสงฆ์

5. โมเสสมีเขา

เป็นเวลานานมาแล้วที่ผู้คนมีนิสัยแปลกๆ ในการวาดภาพโมเสสที่มีเขาอยู่บนศีรษะ เป็นเรื่องแปลกมากที่พรรณนารายละเอียดที่ดูราวกับปีศาจเกี่ยวกับชายผู้ที่นำชาวยิวออกจากอียิปต์ ยังมีตัวอย่างที่คล้ายกันอีกมากมาย (แม้แต่ Michelangelo ก็วาดสิ่งที่คล้ายกัน)

มีความเห็นว่าศิลปินยุคกลางไม่ได้คิดล้อโมเสสด้วยซ้ำ พวกเขาคิดว่ามันมีเขาจริงๆ คัมภีร์ไบเบิลฉบับแปลส่วนใหญ่บอกว่าตอนที่โมเสสลงมาจากภูเขาซีนายพร้อมกับพระบัญญัติสิบประการ ใบหน้าของเขา “สว่างไสวไปด้วยแสง” แต่คำภาษาฮีบรูดั้งเดิม "keren" อาจหมายถึง "รังสีแห่งแสง" หรือ "เขา"

ดังนั้น จริงๆ แล้วพระคัมภีร์อาจกล่าวไว้ว่าโมเสสมีเขา ในยุคกลาง มีการพิมพ์สำเนาพระคัมภีร์ที่กล่าวว่าโมเสสลงมาจากภูเขาโดยมีเขาอยู่บนศีรษะ ฟังดูบ้าไปแล้ว แต่บางคนยังคิดว่านี่เป็นการแปลที่ถูกต้อง

6. แมรี่ แม็กดาเลนมีผมปกคลุม

เมื่อศิลปินสไตล์โกธิกวาดภาพแมรี แม็กดาเลน พวกเขาทำให้เธอดูเหมือนเป็น "นิทรรศการ" จากละครสัตว์ของบาร์นัม พวกเขาวาดภาพผู้หญิงที่มีผมหนาปกคลุมทั้งตัวตั้งแต่คอลงมา ยิ่งกว่านั้นนี่ไม่ใช่เครื่องรางยุคกลางที่แปลก แต่นี่คือสิ่งที่ตามความเห็นของผู้คนในเวลานั้นนักบุญควรจะมีลักษณะเช่นนี้ ขณะนั้น เรื่องราวของแมรี แม็กดาเลนจบลงด้วยการที่เธอถูกปกคลุมไปด้วยผมขนสัตว์ทำให้เธอดูเหมือนแพะ

ตามตำนาน Mary Magdalene ละทิ้งสิ่งของทางโลกทั้งหมดโดยสิ้นเชิงหลังจากการสิ้นพระชนม์ของพระเยซู เธอหยุดอาบน้ำและเปลี่ยนเสื้อผ้า และในที่สุดเสื้อผ้าของเธอก็ทรุดโทรมและขาดวิ่นไปหมด ปาฏิหาริย์ที่ช่วยมาเรียจากการเตร็ดเตร่ไปทั่วโลกโดยเปลือยเปล่าคือเส้นผมที่ยาวไปทั่วร่างกายของเธอ หลังจากนั้น มาเรียเดินเปลือยกายและมีขนดกไปตลอดชีวิต

7. ฆ่าคนไร้กังวล

ศิลปะยุคกลางส่วนใหญ่มีความรุนแรง แต่ไม่ว่าการเสียชีวิตของใครบางคนจะเลวร้ายแค่ไหน เหยื่อก็ยังเบื่อหน่ายอยู่เสมอ มีภาพคนถูกทหารม้าเหยียบย่ำ ใช้มีดแทงกะโหลก หรือขวานฟันเป็นชิ้นๆ อย่างไรก็ตาม ในแต่ละภาพ เหยื่อดูเหมือนพยายามดิ้นรนเพื่อกลั้นหาว ทฤษฎีก็คือทุกอย่างเชื่อมโยงกับแนวคิดในยุคกลางของ Ars moriendi ซึ่งเป็นศิลปะแห่งการตายด้วยดี ตามความเห็นของผู้คนในขณะนั้น ความตายถือเป็นการทดสอบทางศีลธรรม

มันเป็นเวลาที่มนุษย์ต้องยืนต่อหน้าการพิพากษาของพระเจ้า และวิธีที่เขาตอบสนองต่อสิ่งนี้บ่งบอกถึงอุปนิสัยของเขามากมาย ถ้าคนๆ หนึ่งร้องไห้ กรีดร้อง และสาปแช่งในเวลาที่ตาย นั่นหมายความว่าเขามีแนวโน้มที่จะตกนรก และหากลมหายใจสุดท้ายพบกับรอยยิ้มบุคคลนั้นก็ไปสวรรค์ คนตายที่เบื่อหน่ายเหล่านี้อาจแค่แสดงให้เห็นถึงความพร้อมอดทนที่จะไปสวรรค์ หรือศิลปินในยุคกลางเพียงแต่วาดภาพสีหน้าได้ไม่ดีนัก

8. ผู้คนใน “ยานอวกาศ”

ด้วยเหตุผลบางประการ ตัวอย่างมากมายของศิลปะยุคกลางแสดงให้ผู้คนบินไปรอบๆ ด้วยเครื่องจักรขนาดเล็กที่ดูคล้ายกับสปุตนิก 1 อย่างแปลกประหลาด นี่เป็นเรื่องปกติในภาพเขียนทั้งหมดของพระเยซู ภาพวาดในยุคกลางแสดงให้เห็นช่วงเวลาสำคัญในชีวิตของพระคริสต์ เช่น ช่วงเวลาที่มารีย์มารดาของพระองค์อุ้มทารกไว้ในอ้อมแขนของเธอเป็นครั้งแรก หรือช่วงเวลาที่พระองค์สิ้นพระชนม์บนไม้กางเขน

ที่มุมหนึ่งของภาพวาดบนท้องฟ้า มีชายร่างเล็กคนหนึ่งอยู่ใน "ห้องโดยสารของจรวดสีขาวตัวน้อย" ที่บินไปในอวกาศอยู่เสมอ มีหลายทฤษฎีเกี่ยวกับสิ่งที่ภาพเหล่านี้เป็นตัวแทน ทฤษฎีทางวิชาการส่วนใหญ่ก็คือว่าภาพต่างๆ มีจุดมุ่งหมายเพื่อเป็นสัญลักษณ์ของ "การปรากฏของพระเจ้าของมนุษย์ต่างดาว" นี่เป็นเพียงทฤษฎีและคำอธิบายเดียวที่ฟังดูน่าอัศจรรย์อย่างยิ่งซึ่งเป็นแหล่งที่มาของศิลปินยุคกลางเอง

ภาพแกะสลักโดย Hans Glaser เผยให้เห็นท้องฟ้าเหนือเมืองที่เต็มไปด้วยท่อและทรงกลม Glaser ลงนามในการแกะสลักโดยระบุว่าเป็นภาพสิ่งที่เขาเห็นเกิดขึ้นบนท้องฟ้าเหนือนูเรมเบิร์ก: การต่อสู้ระหว่างวัตถุบินที่ไม่รู้จัก มีบันทึกว่าการต่อสู้จบลงด้วยทรงกลมและ "ไม้เท้า" หลายอันที่บินขึ้นไปในดวงอาทิตย์และวัตถุอื่น ๆ อีกหลายอย่างที่ตกลงสู่พื้นท่ามกลางกลุ่มควัน

9. ปีศาจที่มีหน้าอยู่บนหว่างขา

ศิลปินยุคกลางชอบวาดภาพปีศาจ งานศิลปะของพวกเขาเต็มไปด้วยสัตว์ประหลาดที่น่าสะพรึงกลัวซึ่งออกมาเพื่อแย่งชิงดวงวิญญาณของผู้บริสุทธิ์ และด้วยเหตุผลบางอย่าง ปีศาจหลายตัวจึงมีตาสองข้าง จมูก และมีปากใหญ่อยู่ที่เป้า ภาพเหล่านี้เซ็กซี่อย่างประหลาด

บ่อยครั้งที่หน้าหว่างขาของปีศาจจะพ่นไฟลึงค์แปลกๆ ออกมาระหว่างขาของเขา บางครั้งใบหน้าเหล่านี้ไม่เพียงแต่ปกปิดเป้าเท่านั้น แต่ยังอยู่ที่ปลายอวัยวะเพศด้วย มันเป็นวิธีแสดงความชั่วร้ายของการล่อลวงทางเพศโดยไม่จำเป็น ปีศาจมีไว้เพื่อเป็นสัญลักษณ์ของอันตรายของตัณหา และหน้าหว่างขาก็เป็นวิธีหนึ่งในการแสดงให้เห็นว่าใบหน้าที่แท้จริงของความชั่วร้ายซ่อนตัวอยู่ที่ไหน

บางคนกังวลเกี่ยวกับอันตรายของตัณหามากจนปีศาจกลายเป็นงานศิลปะที่ได้รับความนิยมมากที่สุดในยุคกลาง เห็นได้ชัดว่าคนอื่นมีความกังวลน้อยกว่า เนื่องจากหัวข้อที่ได้รับความนิยมเป็นอันดับสองคือผู้คนที่เกี่ยวข้องกับความสุขทางกามารมณ์

10. ของยื่นออกมาจากก้น

ดูเหมือนว่าเมื่อศิลปินในยุคกลางไม่ได้วาดภาพสัตว์นักฆ่าและปีศาจด้วยหน้าบนหว่างขา พวกเขากำลังเติมหนังสือด้วยภาพประกอบที่ดูแปลกมากใกล้เคียงกับพระวจนะของพระเจ้า: รูปภาพของผู้คนที่มีสิ่งของยื่นออกมาจากทวารหนัก

โดยทั่วไปแล้ว นี่คือไปป์ แต่มีตัวอย่างอื่นๆ อยู่ บางหน้าตกแต่งด้วยลวดลายดอกไม้และใบไม้ที่สวยงามซึ่งโผล่ออกมาจากคนเอนหลังไปทางผู้อ่าน ภาพที่เห็นกันทั่วไปคือภาพผู้คนยิงธนูไปที่เป้าหมายทรงกลมสีแดงที่วาดไว้ที่บั้นท้ายของกันและกัน ทำไมพวกเขาถึงวาดภาพแบบนี้จึงเป็นเรื่องลึกลับ

แก่นของศิลปะในยุคกลางยังคงเป็นที่สนใจของหลาย ๆ คนในปัจจุบัน ไม่ใช่เพื่ออะไรที่โปรเจ็กต์การ์ตูนปรากฏบนอินเทอร์เน็ต ก่อนหน้านี้ เราได้ตีพิมพ์ภาพวาด 15 ภาพพร้อมคำบรรยายประชดประชันสมัยใหม่ที่รวมอยู่ในนั้นด้วย

ภาพเหมือนยุคกลาง, ศิลปะภาพเหมือนของยุคกลาง- ขั้นตอนของการเสื่อมถอยบางอย่างในประวัติศาสตร์ของการพัฒนาแนวภาพบุคคลซึ่งแสดงให้เห็นในการสูญเสียความสมจริงและความสนใจในจิตวิญญาณของภาพเหล่านั้นมากขึ้น

ในการถ่ายภาพบุคคลของยุคคริสเตียนตอนต้น การรำลึกถึงความสมจริงในสมัยโบราณยังคงอยู่มาเป็นเวลานาน ต่อมาในยุคการอแล็งเฌียงและโรมาเนสก์ เส้นระหว่างไอคอนและภาพบุคคลถูกลบออกจนหมด ในช่วงยุคกลางที่เจริญรุ่งเรือง กระบวนการย้อนกลับได้เริ่มต้นขึ้น: ลัทธิธรรมชาติเริ่มกลับมาสู่งานแบบโกธิก ซึ่งจะวางรากฐานสำหรับการพัฒนาของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา

ยุคกลางตอนต้น

จักรพรรดิธีโอโดเซียสที่ 2 - ประติมากรรมของจักรพรรดิไบแซนไทน์แห่งศตวรรษที่ 5 เป็นของยุคสุดท้ายของการพัฒนาภาพเหมือนประติมากรรมโรมันและแสดงให้เห็นอย่างชัดเจนถึงคุณสมบัติที่เกี่ยวข้องในภาพเหมือนของยุคกลาง - การสูญเสียความคล้ายคลึงภาพเหมือนโดยเน้นที่ ดวงตาที่สะท้อนถึงชีวิตฝ่ายวิญญาณ

อุดมการณ์

ศิลปะยุคกลางไม่รู้จักภาพเหมือนในความหมายสมัยใหม่ของแนวคิดนี้ นั่นคือ "ภาพที่เชื่อถือได้ในชีวิต รายบุคคลใบหน้าของมนุษย์” แตกต่างจากปรมาจารย์แห่งอียิปต์โบราณในสมัยโบราณหรือสมัยใหม่ในภายหลัง ศิลปินยุคกลางไม่ได้ติดตามงานที่ทำให้ภาพมีความคล้ายคลึงกับต้นฉบับ หลักการของ "การเลียนแบบธรรมชาติ" นั้นแตกต่างไปจากธรรมชาติด้านสุนทรียภาพของยุคกลาง แต่ดังที่ Viktor Grashchenkov เขียน คราวนี้ไม่ควรถือเป็น "การแตกหัก" ในวิวัฒนาการของประเภทภาพบุคคล ในยุคกลาง ภาพเหมือนยังคงพบสถานที่ (ค่อนข้างเรียบง่าย) และแสดงออกมาในรูปแบบที่ค่อนข้างเรียบง่ายและธรรมดา ภาพเหมือนนี้ดูไม่ชัดเจนซึ่งเกิดจากงานด้านสุนทรียศาสตร์ที่แตกต่างกันของปรมาจารย์ซึ่งโลกวัตถุที่มีรูปแบบเฉพาะตัวนั้นไม่สำคัญและยังคงเป็นเพียงภาพสะท้อนซึ่งเป็นเงาของโลกที่เหนือสัมผัส ในงานของพวกเขาปรมาจารย์ยุคกลางพยายามดิ้นรนเพื่อธรรมชาติที่สมบูรณ์และเลียนแบบไม่ได้ แต่เป็นภาพลักษณ์อันเป็นนิรันดร์ของความงามของมนุษย์ นอกจากความหมายตามตัวอักษรแล้ว ทุกภาพยังมีความหมายเชิงเปรียบเทียบอีกด้วย

เนื่องจากมนุษย์ถูกสร้างขึ้น “ตามพระฉายาและอุปมาของพระเจ้า” การปรากฏตัวของใครก็ตามบนโลกนี้เป็นผลมาจากความบังเอิญ—และเป็นผลรอง—การเบี่ยงเบนไปจากอุดมคติสูงสุดที่เกิดจากบาปดั้งเดิม ดังนั้นศิลปินที่วาดภาพบุคคลจึงพยายามสื่อว่าไม่ใช่อะไร แยกแยะบุคคลหนึ่งจากอีกคนหนึ่งทางร่างกาย แต่เพื่อพรรณนาถึงสิ่งธรรมดานั่นคือ ทั่วไปสำหรับทุกคนโดยทั่วไป รวมพวกเขาไว้ในแก่นแท้ทางจิตวิญญาณและนำพวกเขาเข้าใกล้ต้นแบบที่พระเจ้าคิดขึ้น

ศิลปินยุคกลางต้องการวิธีการมองเห็นในจำนวนที่ค่อนข้างจำกัดเพื่อที่จะบรรลุภารกิจของเขา - "เพื่อสะท้อนความหลากหลายที่มีอยู่ในความสม่ำเสมอ" เขาไม่เห็นความแตกต่างพื้นฐานในการพรรณนาถึงนักบุญผู้ล่วงลับหรือคนรุ่นราวคราวเดียวกัน พวกเขาครอบครองสถานที่ต่างกันในลำดับชั้นทางวิญญาณเท่านั้น

เมื่อวาดภาพใบหน้า ปรมาจารย์ในยุคกลางใช้แบบเหมารวมที่พัฒนาขึ้นครั้งแล้วครั้งเล่า โดยทำการเปลี่ยนแปลงเล็กน้อยในขณะที่เขาทำงาน ซึ่งจำเป็นสำหรับเขาในการแยกแยะตัวละครในโครงเรื่อง แบบเหมารวม (หลักการ) นี้มักจะไม่ได้ขึ้นอยู่กับศิลปิน แต่ขึ้นอยู่กับประเพณีการยึดถือและการวาดภาพของโรงเรียนศิลปะเอง เมื่อหลักการส่วนบุคคลเติบโตขึ้นในความคิดสร้างสรรค์ของปรมาจารย์ หลักคำสอนนี้จะเริ่มสะท้อนถึงสไตล์ส่วนตัวของศิลปินมากขึ้น

เมื่อยุคกลางสิ้นสุดลง และความรู้สึกทางศาสนาแบบปัจเจกบุคคลจะแสวงหาการผสมผสานบุคลิกภาพ (บุคลิกภาพของลูกค้า) เข้ากับภาพลักษณ์อันศักดิ์สิทธิ์ได้โดยตรงมากขึ้น ภาพของบุคคลจะกลายเป็น "ภาพเหมือน" มากขึ้นเรื่อยๆ ด้วยคุณสมบัติเฉพาะตัว

จักรพรรดินีโซอี้

ขาดความคล้ายคลึงกัน

พระคริสต์ จักรพรรดินีโซอี้ และคอนสแตนตินที่ 9 โมโนมาคห์ โมเสกบนคณะนักร้องประสานเสียงของโซเฟียแห่งคอนสแตนติโนเปิล

ด้วยเหตุผลทั้งหมดนี้ “ภาพลักษณ์ของบุคลิกภาพของมนุษย์ที่แท้จริงจึงสูญเสียความเป็นปัจเจกบุคคลที่สำคัญในศิลปะยุคกลาง เขาเกือบจะหายตัวไปจากความไม่เป็นตัวของตัวเองอันเป็นสัญลักษณ์ โดยแสดงตัวตนออกมาในรูปแบบทางศิลปะที่สามารถนิยามได้ว่าเป็น "ภาพเหมือนเชิงสัญลักษณ์" ก่อนการถือกำเนิดของลัทธิธรรมชาตินิยมในศิลปะกอทิก ภาพเหมือนในยุคกลางยังห่างไกลจากความน่าเชื่อถือในเชิงสารคดี หลักการของแต่ละบุคคลแทรกซึมเข้าไปในหลักการและแบบเหมารวมเป็นครั้งคราวเท่านั้น และจากนั้นก็เป็นเพียงคำใบ้ที่ละเอียดอ่อน ซึ่งเป็นการกำหนดแบบเดิมๆ

ประเภทของอนุสาวรีย์

คริสตจักรอนุญาตให้มีการแสดงภาพบุคคลในสองกรณีเท่านั้น:

1. พิธีกรรม: ติดกับรูปเคารพศักดิ์สิทธิ์เพื่อรำลึกถึงการกระทำอันศักดิ์สิทธิ์บางอย่าง
2. อนุสรณ์สถาน: บนหลุมศพ

ในทั้งสองกรณี ภาพเหมือนไม่ได้ถูกติดตาม; รูปภาพอาจมีเงื่อนไขโดยสมบูรณ์และชดเชยด้วยคุณลักษณะหรือคำจารึก

ในหมวดหมู่แรก (จารึกไว้ในภาพศักดิ์สิทธิ์) ส่วนใหญ่มักจะมีภาพของจักรพรรดิกษัตริย์และพระมหากษัตริย์อื่น ๆ รวมถึงลำดับชั้นทางจิตวิญญาณ - พระสันตปาปาและบาทหลวง นั่นคือ ผู้พิทักษ์ที่ซื่อสัตย์ของคริสตจักร ผู้บริจาค (ktitors) และผู้คลั่งไคล้ความกตัญญู

พระคริสต์ทรงสวมมงกุฎ Roger II, Martorana

• ยึดถือคริสเตียนยุคแรก:จักรพรรดิ ผู้เฒ่า และข้าราชบริพารเป็นภาพถัดจากพระคริสต์และนักบุญในฐานะผู้เข้าร่วมในพิธีสวดอันศักดิ์สิทธิ์ ลัทธิอำนาจของจักรพรรดิมีความเชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดกับลัทธิคริสเตียนซึ่งยังใหม่อยู่ (ภาพโมเสกของ San Vitale ในราเวนนา ศตวรรษที่ 4)
• ช่วงต่อมา:ภาพของผู้ปกครองเริ่มครอบครองสถานที่ที่เรียบง่ายมากขึ้นในระบบการตกแต่งวัดโดยย้ายไปที่ห้องทึบและคณะนักร้องประสานเสียง จักรพรรดิเริ่มล้มลงแทบพระบาทของพระคริสต์และวิสุทธิชนเพื่ออธิษฐานขอการวิงวอน อีกทางเลือกหนึ่งคือนำภาพกษัตริย์ไปติดไว้ในโบสถ์เพื่อเตือนใจนักบวชถึงต้นกำเนิดอันศักดิ์สิทธิ์ของอำนาจทางโลก ในภาพดังกล่าว พระมหากษัตริย์ได้รับมงกุฎจากพระหัตถ์ของพระคริสต์ ปรากฏต่อหน้าเขาพร้อมทั้งครอบครัวของเขา (กษัตริย์ซิซิลี โรเจอร์ที่ 2 ในงานโมเสก Martorana ในปาแลร์โม ศตวรรษที่ 12; จักรพรรดิในสุเหร่าโซเฟีย คอนสแตนติโนเปิล; ยาโรสลาฟ the Wise กับครอบครัวของเขา ในเคียฟ โซเฟีย)
• ภาพของพระมหากษัตริย์ไม่เกี่ยวข้องกับภาพของโบสถ์ภาพบุคคลดังกล่าวปรากฏอยู่เสมอในช่วงกระแสความคิดของจักรวรรดิโรมันอันศักดิ์สิทธิ์และลัทธิลัทธิของจักรพรรดิที่เข้มข้นขึ้น (ตั้งแต่ชาร์ลมาญถึงเฟรดเดอริกที่ 2) ประเพณีนี้ย้อนกลับไปถึงระบบการเชิดชู “บุรุษผู้ยิ่งใหญ่” ที่มีอยู่ในสมัยโบราณ พระสันตปาปายังใช้พระสันตะปาปาอีกด้วย: สมเด็จพระสันตะปาปาลีโอมหาราชทรงสั่งให้ "ภาพบุคคล" ของบรรพบุรุษของพระองค์ถูกวาดในซานเปาโล ฟูโอรี เลอ มูรา ภาพชุดที่คล้ายกันสองชุดอยู่ในมหาวิหารเซนต์ปีเตอร์ และอีกภาพหนึ่งในมหาวิหารลาเตรัน
• สามารถแยกแยะกลุ่มแยกต่างหากได้ ภาพเหมือนตนเองของอาจารย์ยังมีเงื่อนไขค่อนข้างมาก ส่วนใหญ่แล้วสิ่งเหล่านี้คือภาพประกอบในต้นฉบับที่แสดงถึงผู้เขียนที่นำเสนอต้นฉบับที่เขาสร้างให้กับลูกค้า นอกจากนี้ยังมีตัวอย่างที่หายากของการถ่ายภาพตนเองที่สร้างโดยช่างแกะสลัก - ปรมาจารย์โรงหล่อ (ปรมาจารย์มักเดบูร์กที่ประตู Korsun แห่งโซเฟียแห่งโนฟโกรอดศตวรรษที่ 12)

ภาพเหมือนในสไตล์โกธิกผู้ใหญ่

ในแบบโกธิก ภาพบุคคลจะกลายเป็นปรากฏการณ์ที่สมบูรณ์และประสบความสำเร็จมากขึ้น ศิลปะกอทิกจะมีลักษณะเป็น "ธรรมชาตินิยม" (ตามคำพูดของ M. Dvorak) ซึ่งแน่นอนว่าจะส่งผลต่อภาพลักษณ์ของมนุษย์ ลักษณะทั่วไปของศิลปะกอทิกในวัยผู้ใหญ่คือความสนใจในการแสดงรูปลักษณ์ของมนุษย์ให้ถูกต้องแม่นยำในชีวิต

ประการแรก ความเป็นธรรมชาตินี้จะปรากฏในประติมากรรมทรงกลม ตัวอย่างของอนุสาวรีย์:

• รูปปั้นแร็งส์ ชาตร์ และบัมแบร์ก (ไตรมาสที่ 2 ของศตวรรษที่ 13)
• รูปปั้น 12 ของผู้ก่อตั้งวิหาร Naumburg (กลางศตวรรษที่ 13) ซึ่งแม้จะเป็นภาพเหมือนมรณกรรม แต่ก็ค่อนข้างสมจริง

Tombstones ซึ่งมีคุณสมบัติประเภทต่างๆ ยังเปิดโอกาสให้ภาพบุคคลได้รับการเก็บรักษาและพัฒนาอีกด้วย

เฟรเดอริกแห่งเวตติน

พระเจ้าซีกฟรีดที่ 3 แห่งเอพเพนชไตน์

ตัวอย่างการเป็นตัวแทนของผู้เสียชีวิต - ซึ่งมักจะเป็นสมาชิกของนักบวชชั้นสูง - ในรูปแบบของภาพนูนต่ำนูนสูงหรือประติมากรรมบนแท่นบูชา มีอายุย้อนกลับไปในยุคกลางตอนต้นหรือตอนปลาย ตัวอย่างเช่น หลุมฝังศพของอาร์ชบิชอปเฟรดเดอริกแห่งเวตติน (ประมาณปี 1152) อาสนวิหารมักเดบูร์กหรือของพระเจ้าซิกฟรีดที่ 3 แห่งเอพเพนชไตน์ (สวรรคต . 1249) (อาสนวิหารไมนซ์) เป็นภาพการสวมมงกุฎกษัตริย์ขนาดย่อสององค์

หลุมศพในยุคกลาง (เช่น ราชวงศ์ในแซงต์-เดอนีส์) แสดงให้เห็นถึงวิวัฒนาการ: ในตอนแรก ร่างของผู้ตายถูกสร้างขึ้นด้วยการตีความใบหน้าอ่อนเยาว์ตามแบบแผนในอุดมคติ ในรูปแบบของหน้ากากแช่แข็ง ซึ่งเคลื่อนไหวโดยมาตรฐาน "โกธิค" ยิ้ม” โดยไม่มีความคล้ายคลึงกับภาพเหมือนเลย แต่เมื่อถึงปลายศตวรรษที่ 13 สถานการณ์ก็เริ่มเปลี่ยนไป นักวิจัยได้เสนอแนะ (ไม่ได้รับการพิสูจน์) ว่าบางทีในเวลานี้ช่างแกะสลักเริ่มใช้หน้ากากแห่งความตาย (ตัวอย่างเช่น สำหรับรูปปั้นของราชินีชาวฝรั่งเศส Isabella แห่งอารากอน, โคเซนซา; หลุมฝังศพของ Philip the Fair, Saint-Denis, 1298-1307) เวอร์ชันนี้เกิดจากการที่บุคลิกลักษณะบางอย่างเริ่มปรากฏให้เห็นบนใบหน้า

ภาพเหมือนแบบกอธิคตอนปลาย

การกำเนิดของประเภทภาพบุคคลที่แท้จริงเกิดขึ้นในช่วงปลายยุคกอทิก เนื่องจากการตื่นตัวทางจิตวิญญาณของยุโรป ซึ่งเริ่มขึ้นในปลายศตวรรษที่ 12 กระบวนการนี้มีการพัฒนามาอย่างยาวนานและนำไปสู่ความจริงที่ว่าเมื่อถึงศตวรรษที่ 15 ขณะที่ในอิตาลี แนวคิดมนุษยนิยมใหม่ๆ เกี่ยวกับมนุษย์ได้ถูกวางเป็นพื้นฐานของวัฒนธรรม แต่ยุโรปเหนือก็มีพื้นฐานอยู่บนความศรัทธาใหม่ (ความศรัทธาสมัยใหม่)ญาณภาคเหนือ

เมื่อเวลาผ่านไป กอทิกได้แทรกซึมเข้าไปในอิตาลีและในช่วงแรกได้ชะลอการพัฒนาของยุคเรอเนซองส์ดั้งเดิมลง จากนั้นเธอก็สามารถทำให้เขามั่งคั่งได้ ในเวลาเดียวกัน การพิชิตที่สมจริงของ Giotto (ในการนำเสนอแบบโกธิกของเซียนาและภาพวาดฟลอเรนซ์บางส่วนในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 14) แทรกซึมเข้าไปในฝรั่งเศสและประเทศทรานส์อัลไพน์อื่น ๆ และถูกนำมาใช้โดยงานศิลปะของพวกเขา

โกธิคตอนปลายประสบกับวิกฤติและความต้องการการเปลี่ยนแปลงอย่างลึกซึ้ง ดังนั้นจึงเปิดรับความสมจริงของ Trecento อย่างแข็งขัน หากในแบบโกธิกที่เป็นผู้ใหญ่ ทุกอย่างมุ่งความสนใจไปรอบ ๆ อาสนวิหาร ในศตวรรษที่ 14 การล่มสลายของความสามัคคีในสไตล์กอธิคของอาสนวิหารแห่งนี้เริ่มต้นขึ้น นอกเหนือจากรูปแบบที่ยิ่งใหญ่แล้ว ประเภทห้องที่ได้รับการพัฒนา (โดยเฉพาะหนังสือย่อส่วน) คริสตจักรและชุมชนในเมืองกำลังสูญเสียบทบาทผู้นำในชีวิตทางศิลปะ ซึ่งกำลังถูกถ่ายโอนไปยังอธิปไตยทางโลก ที่อยู่อาศัยของพวกเขากลายเป็นแหล่งรวมของพลังสร้างสรรค์ที่ดีที่สุด

ศูนย์หลัก

ภาพเหมือนของยุคกลางอิตาลี (โปรโต-เรอเนซองส์)

ลักษณะและอนุสาวรีย์ของยุโรปเหนือ

รูดอล์ฟที่ 4 สวมมงกุฎของท่านดยุค ภาพเหมือนครึ่งหน้าครั้งแรกในยุโรปตะวันตก

จุดสุดยอดของศิลปะกอทิกตอนปลายคือ กอทิกสากล วิวัฒนาการของภาพเหมือนแบบโกธิกตอนปลายส่วนหนึ่งอยู่ภายใต้อิทธิพลของอิตาลี และยังมีความเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับการพัฒนาภาพเหมือนในพลาสติกซึ่ง "ยืนด้วยเท้า" อย่างมั่นคงอยู่แล้ว

ภาพโปรไฟล์ในสไตล์ของซิโมเน มาร์ตินี ซึ่งโดดเด่นที่สุดโดยมัตเตโอ จิโอวานเนตติแห่งวิแตร์โบ เป็นตัวอย่างโดยตรงสำหรับศิลปินกอทิกตอนเหนือ สิ่งเหล่านี้อาจไม่ใช่แค่ภาพของผู้บริจาคและจิตรกรรมฝาผนังเท่านั้น แต่ยังรวมถึงภาพขาตั้งที่ยังมาไม่ถึงเราด้วย รูปแบบของภาพเหมือนในราชสำนักฝรั่งเศสพัฒนาขึ้นภายใต้อิทธิพลของพวกเขา ตัวอย่างแรกคือภาพเหมือนของจอห์นที่ 2 ผู้ดี ทาสีเมื่อประมาณ ค.ศ. ค.ศ. 1360 เชื่อโดย Girard d'Orléans (พิพิธภัณฑ์ลูฟร์) ตามประเพณีของอิตาลี พื้นหลังเป็นสีทอง รูปโปรไฟล์ และความยาวหน้าอก แต่เขาใช้รูปทรงที่แสดงออกและรายละเอียดใบหน้าอย่างละเอียด ซึ่งสื่อถึงความคล้ายคลึงกันโดยไม่มีอุดมคติซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของนางแบบชาวอิตาลี เขาเผยให้เห็นความชัดเจนและความเป็นกลางตามความเป็นจริงซึ่งจะกลายเป็นหลักการทางโปรแกรมของภาพเหมือนทั้งหมดของยุโรปเหนือ

แม้ว่าภาพเหมือนของอิตาลีจะรักษาความเชื่อมโยงกับรูปแบบและรูปแบบทั่วไปของจิตรกรรมฝาผนัง แต่ภาพเหมือนของฝรั่งเศสเผยให้เห็นถึงการพึ่งพาโดยตรงต่อศิลปะของภาพย่อส่วนแบบโกธิก ตัวอย่างเช่น ดูภาพผู้บริจาคของพระเจ้าชาร์ลส์ที่ 5 และโจนแห่งบูร์บงในองค์ประกอบเอกรงค์ด้วยปากกาบนผ้าไหม - "ชุดนอร์บอนน์" (ประมาณปี 1375 พิพิธภัณฑ์ลูฟร์)

มาสเตอร์ธีโอดริก (?) ภาพปฏิญาณของบาทหลวง Jan Oczko ส่วนที่เป็นรูปจักรพรรดิชาร์ลส์

"Walton Diptych": กษัตริย์ริชาร์ดที่ 2 กับ Sts. Edmund the Martyr, Edward the Confessor และ John the Baptist ปรากฏตัวต่อหน้าพระแม่มารี

ภาพเหมือนของอาวีญงเป็นเพียงหนึ่งในแหล่งที่มาของภาพเหมือนขาตั้งแบบโกธิก แนวเพลงกอทิกตอนปลายจำเป็นต้องมีแนวนี้ และแนวเพลงนี้ก็จะปรากฏโดยไม่ได้รับอิทธิพลจากอิตาลี ดังนั้นในเวลาเดียวกันภาพขาตั้งประเภทที่แตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิงก็ปรากฏขึ้นในหมู่ปรมาจารย์ชาวเยอรมันและเช็ก - แบบจำลองนั้นไม่ได้แสดงให้เห็นในโปรไฟล์ แต่ในสามในสี่ ตัวอย่างแรกคือภาพเหมือนของอาร์ชดยุครูดอล์ฟที่ 4 แห่งออสเตรีย (ประมาณปี 1365 เวียนนา อาสนวิหาร และพิพิธภัณฑ์สังฆมณฑล) ผู้เขียนไม่ทราบชื่อได้รับคำแนะนำจากสไตล์ของปรมาจารย์แห่งกรุงปราก Theodoric (โบสถ์น้อยในปราสาท Karlštejn ประมาณปี 1365 โดยที่ภาพครึ่งร่างของนักบุญจะปรากฎเป็นสามในสี่รอบ) เช่นเดียวกับภาพเหมือนของจักรพรรดิชาร์ลส์ที่ 4 และเวนเซสลาสพระโอรสของเขาบนแท่นบูชาซึ่งรับหน้าที่โดยอาร์คบิชอปยาน ออคซ์โก (ราวปี 1371-75, ปราก, หอศิลป์แห่งชาติ, ฝีมือของปรมาจารย์ธีโอดริก) เห็นได้ชัดว่าการแก้ปัญหาการจัดองค์ประกอบภาพบุคคลนี้เกิดขึ้นจากงานประติมากรรม

อาจารย์บูซิคัต. พระเจ้าชาร์ลที่ 6 ทรงพูดคุยกับนายกรัฐมนตรีปิแอร์ แซลมอนต่อหน้าเจ้าชาย 1955 “บทสนทนาของปิแอร์แซลมอน” เจนีวา ห้องสมุดสาธารณะและมหาวิทยาลัย

ในภาพเหมือนของอาร์คดยุครูดอล์ฟที่ 4 ปรมาจารย์พยายามสร้างพื้นที่สามมิติบนเครื่องบินด้วยความเป็นธรรมชาติที่ไร้เดียงสา โดยไม่รู้กฎของการลดเปอร์สเปคทีฟ โครงสร้างจมูกและตาโดยประมาณสอดคล้องกับการหันศีรษะ ปากเหยียดตรง และประดับมงกุฎด้วยงานปะติด ภาพบุคคลให้ความรู้สึกเหมือนภาพขนาดย่อที่ขยายใหญ่ขึ้น

ภาพลักษณ์รูปแบบใหม่นี้มีศักยภาพในการถ่ายทอดบุคลิกภาพได้อย่างทรงพลังยิ่งขึ้น แต่ในช่วงแรกนั้นมันยังคงดั้งเดิมและด้อยกว่าในความสมบูรณ์ของรูปโปรไฟล์แบบดั้งเดิม ตัวเลือกทั้งสองจะมีอยู่ในเงื่อนไขที่เท่าเทียมกันในการวาดภาพและภาพย่อจนถึงไตรมาสที่ 1 ของศตวรรษที่ 15 ขัดจังหวะด้วยชัยชนะของหลักการที่สมจริงเท่านั้น อาสโนวา.

ภาพเหมือนกลายเป็นประเภทอิสระอย่างรวดเร็วในเงื่อนไขของวัฒนธรรมศาล เขาได้รับบทบาทสำคัญในชีวิตส่วนตัวและสาธารณะ ภาพจะถูกรวบรวม ส่งโดยศาลที่เป็นมิตรพร้อมสถานทูต และใช้เป็นเอกสารในการสรุปสัญญาการแต่งงาน นอกเหนือจากภาพวาดของจอห์นเดอะกู๊ดและรูดอล์ฟแล้ว งานอื่นๆ ทั้งหมดที่กล่าวถึงในแหล่งที่มาก็ไม่รอด การสูญเสียของพวกเขาได้รับการชดเชยด้วยภาพวาดบุคคลในภาพทางศาสนา (เช่น Walton Diptych of King Richard II, ประมาณปี 1395, ลอนดอน, หอศิลป์แห่งชาติ) และภาพย่อส่วน

ในภาพย่อส่วน การถ่ายภาพบุคคลมีลักษณะเป็นผู้บริจาค และยังรวมอยู่ในฉากทางสังคมด้วย พวกเขาพัฒนาเทคนิคการจัดองค์ประกอบภาพที่เป็นเอกลักษณ์ ซึ่งจะส่งผลต่อการสร้างภาพในการถ่ายภาพพอร์ตเทรตแบบขาตั้ง Grashchenkov แสดงให้เห็นว่าการปรากฏตัวในภาพเหมือนของฝรั่งเศส - เบอร์กันดีในศตวรรษที่ 15 ขององค์ประกอบกึ่งร่างโปรไฟล์ซึ่งรวมถึงมืออยู่แล้วสามารถอธิบายได้โดยใช้ลวดลายจากภาพย่อในเวลานั้นพร้อมฉากชีวิตในศาล ผลงานดังกล่าวรวมถึงผลงานของสองพี่น้อง Limburg (โดยเฉพาะอย่างยิ่ง Magnificent Book of Hours, 1413-16) และงานย่อของ Master Boucicaut (1412, Geneva) ตัวอย่างทั่วไปของเทรนด์นี้คือภาพขนาดย่อที่แสดงถึงการนำเสนอต้นฉบับที่ส่องสว่างโดยศิลปินหรือลูกค้าต่อกษัตริย์หรือผู้อุปถัมภ์คนอื่นๆ รวมถึงฉากสวดมนต์และพิธีในโบสถ์

ภาพเหมือนของวงเวียนฟรังโก-เฟลมิช

ภาพเหมือนของพระเจ้าหลุยส์ที่ 2 แห่งอองชู (ศิลปินไม่ทราบชื่อ ราวปี ค.ศ. 1412-15, ปารีส, หอสมุดแห่งชาติ)

ศิลปินนิรนามแห่งวงการฟรังโก-เบอร์กันดี ภาพเหมือนของผู้หญิง แคลิฟอร์เนีย 1410-1420. วอชิงตัน, หอศิลป์แห่งชาติ.

ภาพเหมือนของวง Franco-Flemish-Burgundian จำนวนหนึ่งถูกสร้างขึ้นในช่วงปี 1400-1420 (มาถึงในต้นฉบับและสำเนา) ทั้งหมดมีประวัติและเขียนขึ้นภายใต้อิทธิพลของพี่น้อง Limburg และ Jean Maluel ในบรรดาภาพเหล่านั้น ภาพสีน้ำของพระเจ้าหลุยส์ที่ 2 แห่งอองชู (ศิลปินนิรนาม ประมาณ ค.ศ. 1412-15) มีความโดดเด่นเล็กน้อย ซึ่งยังคงสานต่อประเพณี "การทำให้เป็นอิตาลี" ของโรงเรียนในปารีสโดยตรง แต่แนวโน้มที่สมจริงที่วางไว้โดย Limburgs ก็สลายไปอย่างรวดเร็วในรูปแบบกอธิคที่มีมารยาทของศิลปินในราชสำนักของ John the Fearless - ดูตัวอย่างภาพเหมือนของ Duke เองที่เก็บรักษาไว้ในสำเนา (พิพิธภัณฑ์ลูฟร์): การยืดตัวที่ไม่สมส่วนของ รูปร่าง หัวเล็ก มือมีมารยาท ขาดมิติเชิงลึก ภาพเงาแบนๆ ภาพเหมือนของผู้หญิงคนหนึ่งจากวอชิงตันที่ได้รับการประดิษฐ์อักษรวิจิตรก็ดูน่ารักและซับซ้อนเช่นเดียวกัน

ศิลปะแห่งยุคกลางสะท้อนให้เห็นถึงการเปลี่ยนแปลงในความคิดของมนุษย์ยุคกลางจากภายนอกสู่ภายในอย่างเพียงพอมากที่สุดซึ่งเป็นการตกแต่งภายในของชีวิตฝ่ายวิญญาณของเขา อาสนวิหารยุคกลางต้อนรับผู้ศรัทธาเข้าสู่ตัวเองและมีอิทธิพลต่อเขาด้วยการตกแต่งภายในและผลงานประติมากรรมและภาพวาดที่กระจุกตัวอยู่ในวัด

ในการพัฒนาสถาปัตยกรรมในยุคกลางมีสองรูปแบบที่แตกต่างกัน: โรมัน (ศตวรรษที่ XI-XII) และโกธิค (ศตวรรษที่ XIII-XV) สไตล์โรมาเนสก์โดดเด่นด้วยโครงสร้างขนาดใหญ่ เช่น ปราสาทศักดินา ป้อมปราการเมือง มหาวิหาร ความชัดเจน มั่นคง น่าประทับใจเป็นคุณลักษณะของสถาปัตยกรรมโรมาเนสก์ Phantasmagoria ของการประพันธ์ประติมากรรม, สัญลักษณ์เปรียบเทียบทางวรรณกรรม, ความสยองขวัญและความอับอายของบาปของมนุษย์ต่อหน้าพระเจ้าผู้ไร้ความปราณีเป็นภาพของศิลปะยุคกลางตอนต้น

โกธิคเป็นรูปแบบหนึ่งของพฤกษ์ทั้งในด้านดนตรีและสถาปัตยกรรม ลักษณะที่ปรากฏในยุโรปมีความเกี่ยวข้องกับการเติบโตของจิตสำนึกสาธารณะและการเติบโตของความมั่นใจของมนุษย์ในความสามารถของตนเอง อาสนวิหารกอธิคเป็นป่าไม้โค้งสูงตระหง่าน มีกระจกสีแคบและใหญ่โต การก่อสร้างและตกแต่งใช้เวลาหลายทศวรรษและหลายศตวรรษ มีการจัดพิธีศักดิ์สิทธิ์ในมหาวิหาร การบรรยายในมหาวิทยาลัย การแสดงละคร และแม้กระทั่งการประชุมรัฐสภา

ความสำเร็จทางวัฒนธรรมในยุคนั้นคือการเกิดขึ้นของรูปแบบศิลปะที่ยิ่งใหญ่ซึ่งสังเคราะห์งานศิลปะประเภทอื่นๆ

3. การชมศิลปะในยุคเรอเนซองส์

ศิลปะแห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาคือยุคของมนุษยนิยมของยุโรป ลัทธิมานุษยวิทยา และการสร้างคุณค่าของบุคลิกภาพของมนุษย์ การขยายตัวของเมืองในอิตาลีและความเชี่ยวชาญของเมืองต่างๆ ทำให้ฟลอเรนซ์เป็นศูนย์กลางของวัฒนธรรมทางศิลปะและความคิดเกี่ยวกับสุนทรียศาสตร์ในยุคนั้น การเปลี่ยนแปลงทั้งหมดในชีวิตของสังคมมาพร้อมกับการต่ออายุวัฒนธรรมในวงกว้าง - ความเจริญรุ่งเรืองของวิทยาศาสตร์ธรรมชาติและที่แน่นอนวรรณกรรมในภาษาประจำชาติและโดยเฉพาะอย่างยิ่งวิจิตรศิลป์ การถือกำเนิดของการพิมพ์เปิดโอกาสที่ไม่เคยมีมาก่อนในการเผยแพร่ผลงานวรรณกรรมและวิทยาศาสตร์

ด้วยความซับซ้อนและความคลุมเครือของสุนทรียภาพในยุคเรอเนซองส์ หลักการสำคัญประการหนึ่งจึงสามารถระบุได้ว่าเป็นการทำให้บุคลิกภาพของมนุษย์มีความสมบูรณ์อย่างสมบูรณ์ บทความเกี่ยวกับสุนทรียศาสตร์และงานศิลปะในยุคเรอเนซองส์มีลักษณะเป็นความคิดในอุดมคติของมนุษย์ในฐานะที่เป็นเอกภาพของเหตุผลและราคะในฐานะความเป็นอยู่อิสระที่มีความเป็นไปได้ในการสร้างสรรค์ที่ไร้ขีดจำกัด มีความเกี่ยวข้องกับมานุษยวิทยาในสุนทรียภาพแห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาและความเข้าใจในความงดงาม ความประเสริฐ และความกล้าหาญ หลักการของบุคลิกภาพของมนุษย์ที่สวยงามและสร้างสรรค์ทางศิลปะนั้นถูกรวมเข้ากับนักทฤษฎีในยุคเรอเนซองส์ด้วยความพยายามที่จะคำนวณสัดส่วน ความสมมาตร และเปอร์สเปคทีฟทางคณิตศาสตร์ การคิดเชิงสุนทรีย์และศิลปะในยุคนี้เป็นครั้งแรกที่มีพื้นฐานจากการรับรู้ของมนุษย์เช่นนี้และจากภาพของโลกที่เย้ายวนใจ

สุนทรียศาสตร์ของศิลปะยุคเรอเนซองส์มุ่งสู่การเลียนแบบธรรมชาติ อย่างไรก็ตาม สิ่งสำคัญอันดับแรกที่นี่ไม่ใช่ธรรมชาติมากนักเท่ากับศิลปินที่ในกิจกรรมสร้างสรรค์ของเขากลายเป็นเหมือนพระเจ้า ในการสร้างสรรค์ผลงานศิลปะ ซึ่งค่อย ๆ หลุดพ้นจากอุดมการณ์ของคริสตจักร สิ่งที่มีค่ามากที่สุดคือมุมมองทางศิลปะที่เฉียบแหลมต่อสิ่งต่างๆ ความเป็นอิสระทางวิชาชีพ และทักษะพิเศษ และการสร้างสรรค์ของเขาได้มาซึ่งอุปนิสัยแบบพอเพียง แทนที่จะเป็นคุณลักษณะอันศักดิ์สิทธิ์ . หลักการที่สำคัญที่สุดประการหนึ่งของการรับรู้งานศิลปะคือความสุข ซึ่งบ่งชี้ถึงแนวโน้มประชาธิปไตยที่มีนัยสำคัญ ซึ่งตรงข้ามกับการศึกษาทางศีลธรรมและวิชาการของทฤษฎีสุนทรียศาสตร์ก่อนหน้านี้

วิจิตรศิลป์ของยุคเรอเนซองส์มีความแตกต่างจากยุคกลางหลายประการ นับเป็นการเกิดขึ้นของความสมจริงซึ่งกำหนดการพัฒนาวัฒนธรรมศิลปะของยุโรปมาเป็นเวลานาน

สิ่งนี้ส่งผลกระทบไม่เพียงแต่การแพร่กระจายของภาพทางโลก การพัฒนาภาพบุคคลและทิวทัศน์ หรือการตีความหัวข้อทางศาสนาแบบใหม่ที่บางครั้งเกือบจะจำเพาะเจาะจง แต่ยังรวมถึงการฟื้นฟูระบบศิลปะทั้งหมดอย่างรุนแรงด้วย ทฤษฎีนี้ซึ่งทำให้สามารถสร้างภาพสามมิติบนเครื่องบินโดยมุ่งเน้นไปที่ผู้ชมและคำนึงถึงมุมมองของเขา ซึ่งหมายถึงชัยชนะเหนือแนวคิดเรื่องภาพในยุคกลาง

ตัวแทนของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาค้นพบบางสิ่งบางอย่างในวัฒนธรรมโบราณที่สอดคล้องกับแรงบันดาลใจของตนเอง - ความมุ่งมั่นต่อความเป็นจริง ความร่าเริง ความชื่นชมในความงามของโลกทางโลก เพื่อความยิ่งใหญ่ของการกระทำที่กล้าหาญ ในเวลาเดียวกัน ด้วยการพัฒนาในเงื่อนไขทางประวัติศาสตร์ที่แตกต่างกัน โดยได้ซึมซับขนบธรรมเนียมประเพณีของสไตล์โรมาเนสก์และกอทิก ศิลปะของยุคเรอเนซองส์ยังคงประทับตราแห่งกาลเวลา เมื่อเปรียบเทียบกับศิลปะสมัยโบราณ โลกจิตวิญญาณของมนุษย์มีความซับซ้อนและหลากหลายมากขึ้นเรื่อยๆ ผลงานของศิลปินกลายเป็นลายเซ็นต์ กล่าวคือ มีลิขสิทธิ์อย่างชัดเจน มีภาพเหมือนตนเองเพิ่มมากขึ้นเรื่อยๆ สัญญาณที่ไม่ต้องสงสัยของการตระหนักรู้ในตนเองรูปแบบใหม่ก็คือ ศิลปินกำลังหลบเลี่ยงคำสั่งโดยตรงมากขึ้นเรื่อยๆ และอุทิศตนให้กับการทำงานโดยใช้แรงจูงใจภายใน ในตอนท้ายของศตวรรษที่ 14 ตำแหน่งภายนอกของศิลปินในสังคมก็เปลี่ยนไปอย่างมากเช่นกัน ศิลปินเริ่มได้รับการยอมรับจากสาธารณชน ตำแหน่ง เกียรติยศและผลประโยชน์ทางการเงินทุกประเภท ตัวอย่างเช่น A. Michelangelo ได้รับการยกระดับให้สูงจนเขาปฏิเสธเกียรติยศอันสูงส่งที่มอบให้โดยไม่ต้องกลัวว่าจะทำให้ผู้ถือมงกุฎขุ่นเคือง ชื่อเล่นศักดิ์สิทธิ์ก็เพียงพอแล้วสำหรับเขา เขายืนยันว่าในจดหมายถึงเขาควรละเว้นชื่อเรื่องใดๆ และควรเขียนเพียงชื่อ Michelangelo Buonarotti

ศิลปะแห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาแบ่งออกเป็นสี่ขั้นตอน: ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาขั้นสูงปลายศตวรรษที่ 13 - ครึ่งแรกของศตวรรษที่ 14 ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนต้นศตวรรษที่ 15 ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาสูงปลายศตวรรษที่ 15 สามทศวรรษแรกของศตวรรษที่ 16 ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนปลาย กลางและครึ่งหลังของศตวรรษที่ 16