Picturi Burne Jones. Edward Burne-Jones: ultimul prerafaelit. Dezvoltarea stilului artistului

Din cartea Formula pentru succes. Manualul liderului pentru atingerea vârfului

Eric Bern

Din cartea Scenarii ale vieții oamenilor [Școala Eric Berne]

de Claude Steiner Eric Berne Eric Berne era un psihiatru în vârstă de patruzeci și șase de ani când a abandonat formarea continuă în psihanaliza după cincisprezece ani de muncă în această direcție. A renunțat la eforturile suplimentare în această direcție după Institutul de Psihanaliza din San Francisco în 1956 Burne-Jones Edward Coley (1833-1898), pictor englez, desenator, maestru al artelor decorative și aplicate. Născut la Birmingham la 28 august 1833, într-o familie modestă de tâmplar. A aparținut tinerei generații de prerafaeliți. Străduindu-se să reînvie spiritualitatea și poezia naivă a artei medievale și renascentiste timpurii, Burne-Jones a stilizat formele lucrărilor sale în spiritul picturii italiene din secolul al XV-lea. Compoziții decorative și sofisticate de Burne-Jones pe subiecte religioase și mitologice ("Povestea lui Pygmalion", 1869-1879, Birmingham, Galeria de Artă și Muzeul Orașului; "Oglinda lui Venus" 1872-1877, Lisabona, Muzeul Național de Artă Antică „Povestea lui Perseus” după 1875, Stuttgart, Adunarea orașului „Scara de aur”, 1876–1880, „Regele Cofetua și femeia cerșetoare”, 1880–1884, „Dragoste printre ruine”, 1893; Tate Gallery, Londra) se disting prin trăsături de emoție și idealizare romantică, ritm liniar flexibil și tendință spre ornamentare. Din 1853, Burne-Jones studiază la Facultatea de Teologie de la Exiter College, Oxford, dar dorința de artă s-a dovedit a fi mai puternică, iar de la vârsta de 18 ani a urmat atelierul de pictură al lui Dante Gabriel Rossetti.

Între 1859 și 1873 Burne-Jones a făcut mai multe călătorii în Italia, ceea ce i-a permis să înțeleagă mai bine opera lui Mantegna, Botticelli și Michelangelo. Călătorind cu John Ruskin, care l-a convins pe pictor să înceapă să copieze vechii maeștri ai școlii venețiane, Edward Burne-Jones își actualizează tehnica. De atunci, stilul artistului a dat semne de noi influențe, care i-au adus în cele din urmă faimă și o calitate de cavaler, conferită artistului ca descoperitor al unei noi ere în artă.

În 1864 a fost ales membru al Old Watercolor Society. În 1877, artistul și-a prezentat lucrările pentru prima expoziție la Galeria Grosvenor și a devenit un participant regulat la saloanele sale până în 1887.

Faima lui Burne-Jones este în creștere, ajungând mult dincolo de Anglia. În timpul domniei reginei Victoria, britanicii au început să se gândească din ce în ce mai mult la rolul imperial al țării lor.

Edward Burne-Jones Echipamentul lui Perseus 1885 National Gallery, Londra Edward Burne-Jones Love Among the Ruins 1893 Tate Gallery, Londra Edward Burne-Jones Bound Andromeda 1885-1888, colecție privată Edward Burne-Jones Pan and Psyche 1870-1872 Edward Burne-Jones Bătălia de la Perseus cu dragonul 1878, Muzeul de Artă, StuttgartEdward Burne-Jones Capul sinistru al Medusei Gorgona, 1885 Interesul pentru creșterea literatura antica si la istorie Grecia anticăși Roma, precum și trecutului legendar al Marii Britanii însăși. Edward Burne-Jones devine un maestru atât al scenelor antice, cât și al celei medievale, creând lucrări precum seria „Pygmalion” sau „Regele Cophetua și cerșetoarea”, în care vine motivul educațional al superiorității nobilimii sufletului asupra bogățiilor pământești. prin. În 1882, la Expoziția Mondială de la Paris, Burne-Jones, împreună cu Frederic Leighton, au reprezentat Anglia. În 1885, Edward Burne-Jones a fost ales membru asociat al Academiei Regale de Arte.

Terenul de vânătoare al lui Cupidon, 1885 Ultimul vis al regelui Arthur, 1881-1898 Oglinda lui Venus 1870-1876 Roata norocului 1875-1883 Regele Cophetua și femeia cerșetoare, 1880-18844 Arborele iertării-187818781878718781 Steaua emsk 1887-1890Danae și castelul de cupru 1888Maria Zembeko 1870 Măceșul. Prințesa adormită 1870-1890Afrodita și Galatea 1868-1878Rose Hip.

Pădurea fermecată 1870-1890 În 1894, Burne-Jones a primit titlul de baronet; gloria vine, încununându-l cu premii. Ultimii ani viața sa este dedicată unor mari compoziții pe teme literare. Istoria mișcării prerafaelite s-a încheiat cu opera lui Burne-Jones, lăsând maeștrilor secolului al XX-lea o mare moștenire datorită credinței lor sublime în artă și realizări creative, care a schimbat atitudinea societății și a artiștilor față de pictură, design de carte și artele decorative. Pictura prerafaeliților reprezintă o trecere de la romantism la simbolismul începutului de secol al XX-lea, care, poate, s-ar numi mai corect neoromantism: a deschis din nou sfera fanteziei, aspirațiilor dincolo de limitele vieții de zi cu zi. . Ilustrațiile lui Burne-Jones, schițele de tapiserii, mozaicuri, vitralii și artele decorative și aplicate au contribuit la renașterea meșteșugurilor artistice englezești pentru atelierele lui W. Morris. Burne-Jones a murit la Londra pe 17 iunie 1898.

Arta Frantei. Artiști, sculptori, arhitecți, gravori parizieni. Istoria artei străine. Din epoca romanică și gotică din Evul Mediu până în prezent. Produse metalice La comanda - insigne, medalii. Productie proprie.

Îmi plac mult picturile și vitraliile acestui artist, dar nu cunosc prea bine biografia. Prin urmare, textul care povestește despre viața lui, cu câteva abrevieri, va fi preluat de pe Internet, iar ilustrațiile vor fi din colecția mea. Vă avertizez dinainte că nu cunosc numele unora dintre tablouri.

Sir Edward Coley Burne-Jones s-a născut pe 28 august 1833 într-o familie modestă de încadrator și auritor din Birmingham. El primește învăţământul primar la King Edward's School din Birmingham. Un desenator talentat, Edward a urmat cursuri de seară la școala guvernamentală de design din 1848. În 1853, hotărând să devină preot, a intrat în Exiter College, Oxford, unul dintre cele mai vechi orașe universitare din Anglia (fondat în secolul al XII-lea). Acolo îl întâlnește pe William Morris - studenții împărtășesc o prietenie strânsă și o pasiune comună pentru artă. Acolo ei absorb spiritul Evului Mediu și văd în el o sursă de inspirație creativă.
Aflând despre Frăția Prerafaelită din articolele criticului John Ruskin, în casa unuia dintre prietenii lor au văzut acuarela lui Dante Gabriel Rossetti „Dante Painting an Angel” (1853), care a făcut o impresie atât de puternică asupra tinerilor încât Prerafaeliții au devenit idealul lor în pictură, iar Dante Gabriel Rossetti este un idol.
William Morris și Edward Burne-Jones decid să abandoneze teologia pentru pictură. În 1855, tinerii au părăsit Oxford, hotărând în cele din urmă să se dedice artei, apelând la Rossetti pentru permisiunea de a participa la revista lor. Cunoașterea lui Rossetti cu acești doi studenți de la Universitatea Oxford a început o nouă etapă în mișcarea prerafaelită. În acest moment, un grup de prerafaeliți a dezvoltat o serie de teme în lucrările lor bazate pe Noul Testament și legendele medievale. Burne-Jones i-a cunoscut pe Ruskin și Rossetti la începutul anului 1856, iar în mai aceluiași an a fost deja acceptat ca student în studioul lui Rossetti. În anul următor, el este implicat într-un mare proiect mural al unui profesor în holul Oxford's Union Hall. În afară de această lucrare, atenția sa este aproape în întregime absorbită de desenele cu stilou sau acuarelă, care sunt elaborate cu mare atenție.
În 1860, Burne-Jones s-a căsătorit. În acest moment, a început să picteze acuarele cu adaos de guașă cu bilă de bou pe o bază maro. Din această perioadă aparțin două portrete ale fermecătoarei Sidonia von Bock și verișoarei ei Clara von Dewitz, inspirate de Renașterea italiană și marcate de influența lui Rossetti.
Pasiunea pentru Evul Mediu i-a forțat pe prerafaeliți să-și schimbe atitudinea față de arta decorativă și aplicată, opunându-se produselor fără suflet. producție industrială articole lucrate manual de înaltă calitate. În 1861, William Morris a deschis firma Morris, Marshall, Faulkner and Co. la Londra. Acest magazin de arte decorative vinde tot ce ai nevoie pentru a crea un interior de casa: mobilier, vitralii, ceramica, stofe pentru tapiterie, obiecte de arta. Lui Morris i se alătură prietenii săi de încredere Philip Webb, Rossetti și Burne-Jones.
Burne-Jones a lucrat în arte și meșteșuguri în așa-numitul atelier „Red House” al lui William Morris din Kent, proiectat în 1859 de Philip Speakman Webb în stilul unei căsuțe de țară engleză din cărămidă roșie cu ferestre de diferite forme ( pătrate, dreptunghiulare, rotunde), în unele erau vitralii, încâlcind pereții căminului, plantele cățărătoare atât de îndrăgite de prerafaeliți. Artiștii au realizat mobilier, covoare, perdele, vitralii și chiar mânere de uși cu propriile mâini. Dante Gabriel Rossetti a pictat un triptic pentru biroul lui Morris pe teme din poeziile lui Dante Alighieri. Au învățat să țese, să facă vase și să imprime modele pe țesături. Noul mod de viață a atras oamenii în atelierul lui Morris. Vizitatorii s-au simțit ca și cum s-ar afla în plin proces de creație. Apelul „Nu ai nimic în casa ta care să nu-ți fie de folos sau să nu ți se pară frumos” a găsit mulți adepți. Pentru atelierul lui Morisse au fost create ilustrații, schițe de tapiserii, mozaicuri, vitralii și obiecte de artă decorativă și aplicată. În multe privințe, desenele și desenele lui Burne-Jones au stat la baza activităților William Morris and Co. și Kelmscott Press. În tapiserii și vitralii, el, de regulă, a pictat figuri umane, iar Morris, ornamente. Aici Burne-Jones s-a străduit pentru completitudine și emotivitate în interpretarea fețelor, în ciuda protestelor lui Morris, care dorea să întărească principiul decorativ în acest gen de lucruri. Cărțile sunt create în același stil de design al paginii cărții, ei pagina de titluși obligatoriu. „The Canterbury Tales” de poetul englez Geoffrey Chaucer este decorat cu modele florale cățăratoare din Evul Mediu, textul este însuflețit de căptușeli în miniatură și majuscule ornamentate.
În 1861, artistul a călătorit în Italia împreună cu Brown și Rossetti și, la întoarcere, l-a ajutat activ pe Morris în crearea companiei sale artistice și industriale, pentru care a produs multe schițe de vitralii, placari ceramice, tapiserii și alte obiecte aplicate.
Între 1859 și 1873 Burne-Jones a făcut mai multe călătorii în Italia, ceea ce i-a permis să înțeleagă mai bine opera lui Mantegna, Botticelli și Michelangelo. Călătorind cu Ruskin, care l-a convins pe pictor să înceapă să copieze pe maeștrii școlii venețiane, Burne-Jones își actualizează tehnica. De atunci, stilul său a dat semne de noi influențe, care i-au adus în cele din urmă faimă și o calitate de cavaler, conferită artistului ca descoperitor al unei noi ere în artă.
În 1864 a fost ales membru al Old Watercolor Society; participă la expoziția Societății în 1870. În 1877, artistul prezintă șapte dintre lucrările sale pentru prima expoziție la Galeria Grosvenor; devine un participant obișnuit la saloanele sale până în 1887. Faima lui Burne-Jones crește, trecând cu mult dincolo de granițele Angliei.
Pe măsură ce domnia reginei Victoria a continuat, britanicii au început să se gândească din ce în ce mai mult la rolul imperial al țării lor. Există un interes tot mai mare pentru literatura antică și istoria Greciei și Romei antice, precum și pentru trecutul legendar al Marii Britanii. Burne-Jones devine un maestru atât al scenelor antice, cât și al celei medievale, creând lucrări precum seria „Pygmalion” sau „Regele Cophetua și femeia cerșetoare”, în care motivul educațional al superiorității nobilimii sufletești asupra bogățiilor pământești trece prin .
În 1882, la Expoziția Mondială de la Paris, el, alături de Frederic Leighton, a reprezentat Anglia. În 1885, Burne-Jones a fost ales membru asociat al Academiei Regale de Arte, dar în 1893 a refuzat acest titlu.
În 1894 a primit titlul de baronet; gloria vine, încununându-l cu premii. Ultimii ani ai vieții sale au fost dedicați unor mari compoziții pe teme literare. Artistul a murit la 17 iunie 1898.

Există o legendă frumoasă despre tânărul rege Cofetua. Nu a cunoscut niciodată femei și le-a evitat. Peste tot a căutat idealul frumuseții feminine. Și numai când a întâlnit o tânără cerșetoare, fiind uimit nu numai de frumusețea ei, ci și de virtuțile ei, a simțit trezirea iubirii.
În artă, această legendă se reflectă atât în ​​literatură, cât și în pictură.
Popularitatea acestei legende a fost adusă de o poezie de Alfred Tennyson.

Și-a întins brațele peste sân;
Era mai corectă decât pot spune cuvintele:
Desculță a venit slujnica cerșetoare
Înaintea regelui Cophetua.
Îmbrăcat și în coroană, regele coboară,
Să o întâlnesc și să o salut pe drum;
„Nu este de mirare”, au spus lorzii,
„Este mai frumoasă decât ziua”.

Cum strălucește luna pe cerul înnorat,
Ea în ținuta ei săracă a fost văzută:
Una îi lăuda gleznele, alta ochii,
Una dintre părul ei întunecat și înfățișarea drăguță.
O față atât de dulce, o asemenea grație de înger,
În tot acel pământ nu fusese niciodată:
Cophetua a depus un jurământ regal:
"Această servitoare cerșetoare va fi regina mea!"
(1833)

Acest complot a primit mai mult de o formă de realizare în pictură. Ceea ce îmi place cel mai mult este modul în care Burne-Jones îl interpretează. Regele stă, scoțându-și coroana și ridică privirea la fată, care este pictată în culori deschise și pare să radieze strălucire. După părerea mea, un tablou uimitor de poetic!.. Iată propriile cuvinte ale artistului: „În imagine văd un vis romantic frumos, despre ceva ce nu s-a întâmplat și nu va fi niciodată, care este luminat de o lumină nepământeană și este nevoie de loc în ţinuturi pe care nimeni nu le va identifica sau nu-şi va aminti. Singura mea dorință este ca formele să fie frumoase.”

„Regele Cofetua și femeia cerșetoare” (1884)

Scara de aur (1880)

În picturile lui Burne-Jones, contemporanii au fost atrași de grația figurilor gânditoare cu frumusețea lor ideală, adăugând o notă nostalgică. Uriașa pânză radiază o forță misterioasă și atrăgătoare, captivantă cu fluxul nesfârșit de fete care coboară într-o spirală de trepte. Sunt surprinzător de asemănătoare între ele: zvelte, grațioase, în tunici albe, fiecare cu un instrument muzical în mână. Aceștia ar putea fi confundați cu îngeri, dacă nu cu fereastra mică din acoperișul din partea de sus a imaginii, unde porumbeii albi sunt vizibili pe cer.

Merlin sub vraja (1870-74)

Imaginea lui Merlin a venit la noi din adâncul secolelor de cultură celtică ca imagine a unui profesor, consilier credincios și protector spiritual al Regelui Arthur. Văzătorul Merlin îi dădea întotdeauna sfaturi înțelepte tânărului rege ca dorințe sau ordine. Merlin este cel mai mult personaj celebru tradiția mito-poetică a celților și poveștile medievale despre regele Arthur. Mentorul lui Arthur a fost un om de știință talentat, el este creditat cu crearea frăției Mesei Rotunde, construirea orașului Camelot, capitala regatului, și a inelului de piatră de la Stonehenge. Prevăzând că Arthur va fi viitorul rege puternic care va uni Marea Britanie și îi va da pace, Merlin l-a luat pe Arthur în grija lui când era băiat. Legenda spune că Merlin a făcut o sabie uriașă, Excalibur, și, prin puterea magiei sale, a închis-o într-o piatră mare, pe care era inscripționat: „Cine scoate această sabie din piatră este prin drept de naștere rege peste toată Marea Britanie. .” Arthur a fost singurul care a fost capabil să facă acest lucru și a devenit pe drept conducătorul țării. Povestea lui Merlin se încheie într-un mod neobișnuit. Vrăjitorul își cunoștea viitorul și i-a dezvăluit lui Arthur că nu a avut mult să stea pe pământ, implorând regele să aibă mai multă grijă de sabia magică Excalibur. În pictura lui Burne-Jones, Merlin este vrăjit de iubita lui. Potrivit unei legende, el nu moare, ci este închis de vraja magică a zânei lacului Viviana. Frumusețea „l-a vrăjit fără speranță; pentru a-și menține puterea asupra lui, ea a extras din el secretul unui mormânt magic săpat în stâncă, l-a ademenit acolo și l-a închis acolo pentru totdeauna, astfel încât Merlin era în viață, dar rupt complet de lume. Povestea lui Merlin și a Regelui Arthur nu se termină aici, căci altundeva locuiește marele vrăjitor întemnițat de Viviana...

Oglinda lui Venus (1870-76)

Maria Zambaco (1870)

Katie Lewis

Danae și castelul de alamă (1888)

Ciclul de picturi „Frumoasa adormită” (6 tablouri; 1871-90)

Roata Norocului (1875-83)

Arborele iertării (1881-82)

Adâncimea mării

Buna Vestire (1879)

Nunta lui Psyche (1895)

Îndrăgostiți printre ruine

Capul Morții al Medusei

Povestea priorei (1898)

Cântecul dragostei (1868-1877)

Lament (1865-66)

Inima de trandafir

Grădina Hesperidelor (1887)

Ultimul vis al regelui Arthur în Avalon

armele lui Perseus

Bătălia lui Perseus cu dragonul (1878)

Andromeda înlănțuită (1885-88)

Pygmalion și statuia: mâna nu îndrăznește (1878)

Pygmalion și statuia: Zeii binecuvântează (1878)

Pygmalion și statuia: Perspectivă asupra sufletului (1879)

Dragostea conduce pelerinul

Vrăjitorul

Barona Deslandes

Lady Francis Balfour

Geirgiana Burn-Jones

Margaret Burn-Jones

Lady Burn-Jones, fiul ei Philip și fiica ei Margaret

Autor - NADYNROM. Acesta este un citat din această postare

Viața și opera lui Edward Cowley Burne-Jones

Edward Cowley Burne-Jones s-a născut la 28 august 1833, la Birmingham, într-o familie modestă de încadrator și auritor. Mama artistului a murit la o săptămână după nașterea fiului ei, iar acest lucru a lăsat o amprentă asupra relației sale cu tatăl său, care la început nu a putut vedea copilul, considerându-l cauza morții iubitei sale soții.
Încă din copilărie, băiatul a trăit în lumea propriilor vise și fantezii, ascunzându-se în ea de indiferența celorlalți și de plictiseala vieții de provincie. Primii douăzeci de ani din viața lui Burne-Jones au fost petrecuți în Birmingham și cei mai mulți impresii vii a început sărbătorile cu ocazia încoronării Reginei Victoria la 20 iunie 1837. La vârsta de unsprezece ani, Edward a fost acceptat în școala regelui Edward al VI-lea. Potrivit arhivelor școlii, a fost unul dintre primii elevi și a câștigat multe premii, în special la matematică. Tânărul a dat dovadă de talent la desen, făcând numeroase caricaturi ale profesorilor. Din 1848 a urmat cursurile serale la școala de stat de desen.
În 1853, Burne-Jones a intrat în Exeter College, Oxford, unul dintre cele mai vechi orașe universitare din Anglia, unde a studiat teologia, intenționând să devină mai târziu preot. Între zidurile colegiului l-a întâlnit pe William Morris, care i-a devenit prieten și o persoană cu gânduri asemănătoare pentru mulți ani. Tinerii erau legați de o dragoste comună pentru artă și de o pasiune pentru Evul Mediu, în care vedeau o sursă de inspirație creativă.

Burne-Jones și Morris

Din articolele criticului John Ruskin, prietenii au aflat despre existența Frăției Prerafaelite, ale cărei idei erau în ton cu propriile lor opinii asupra artei. Și după ce au văzut acuarela lui Rossetti „Dante pictând un înger” (1853), prerafaeliții au devenit un ideal artistic pentru ei, iar Dante Gabriel Rossetti însuși a devenit un idol. Morris și Burne-Jones au decis să abandoneze teologia pentru pictură - de acum încolo arta a devenit singura lor religie.
În 1855, tinerii, care nu au primit niciodată o diplomă, au părăsit Oxford pentru a se dedica în întregime artei. S-au mutat la Londra și au închiriat o cameră mică pentru doi, petrecându-și tot timpul liber făcând artă. Nu va trece mult până când vor conduce al doilea val de mișcări prerafaelite, trăsătură distinctivă care va deveni de acum încolo o pasiune pentru antichitate și stabilirea artistului ca maestru universal.
La începutul anului 1856, Burne-Jones l-a cunoscut personal pe Rossetti, care în acel moment preda personal la Colegiul Muncitorilor, și a devenit asistent în atelierul său.

D. G. Rossetti. Autoportret

Din noiembrie 1856, Burne-Jones și Morris au închiriat camera de la 17 Red Lion Square, care fusese odată ocupată de Rossetti și Deverell. În această perioadă, Edward, cunoscut anterior prietenilor ca pur și simplu Jones, a adăugat prefixul „Berna” la numele său de familie pentru a-i conferi individualitate. Numele de familie era prea comun.
Artistul a făcut cunoștințe personale cu Ruskin și Hunt, care l-au tratat favorabil experiențe timpurii. În anul următor, el a făcut parte dintr-un grup de artiști care lucrau sub conducerea lui Rossetti la un proiect pentru o pictură murală mare din sala Oxford Hall of the Union, cu scene din viața regelui Arthur. Morris, Hughes, Stanhope, Prinsep și Pollen au participat și ei la lucrările picturii murale.
În afară de lecțiile de la Rossetti, Burne-Jones nu a primit practic nicio educație artistică, realizând totul în artă printr-o perseverență incredibilă. Numeroasele sale lucrări, realizate în tuș sau acuarelă, sunt lucrate cu o grijă excepțională și reprezintă compoziții compuse pe subiecte literare și romantice. Pictura lui Burne-Jones „The Mermaid (1857)” datează din această perioadă [Spre cel mai profund regret, nu am găsit încă o reproducere a acestei lucrări, așa că v-aș fi recunoscător pentru ajutorul vostru], executată în acuarelă cu adaos. de guașă – tehnica preferată a artistului, care i-a permis să obțină prospețime și profunzime de culoare. Stilul său indică pasiunea lui Rossetti, în atelierul căruia petrecea câteva zile pe săptămână, încercând să înțeleagă toată înțelepciunea profesorului său.
Influența operei lui Rossetti asupra artei lui Burne-Jones este incontestabilă. S-a manifestat atât în ​​tipurile de fețe ale personajelor, cât și în caracterul decorativ și capricios al desenului. La fel ca profesorul său, artistul s-a străduit să estetizeze realitatea, dar cea mai mare pasiune a lui a rămas întotdeauna arta clasică, așa cum demonstrează elocvent pânzele lui Burne-Jones. S-a bucurat de patronajul lui Ruskin, care l-a introdus în misterele picturii și arhitecturii Renașterii italiene. Burne-Jones a copiat în mod repetat marii maeștri italieni, a căror influență (în special Michelangelo și Botticelli) este evidentă în multe dintre lucrările sale.

J. E. Milles. Portretul lui John Ruskin

În 1858, Burne-Jones a devenit membru al Clubului Hogarth, care, pe lângă el, includea și cei mai mari reprezentanți ai mișcării prerafaelite - Rossetti, Brown, Brett, Swinburne, precum și Ruskin, Watts, Webb. Clubul a existat până în 1861 și a fost implicat, în special, în organizarea de expoziții, prima dintre acestea fiind o expoziție de lucrări ale lui Burne-Jones, în vârstă de douăzeci și șase de ani, care a fost deschisă în 1859. În același an, artistul a făcut prima dintre cele patru călătorii extinse în Italia.
La 9 iunie 1869, Edward Burne-Jones s-a căsătorit cu sora vechii sale prietene de școală Georgiana MacDonald.

Portretul Georgianei

Ea a fost una dintre surorile MacDonald, fiecare dintre acestea fiind faimoasă în felul ei. Frumusețea orbitoare Aggie a fost căsătorită cu artistul Edward Poynter. Alice, cea mai mare dintre surori, a născut-o scriitor celebru Rudyard Kipling, care era astfel nepotul lui Burne-Jones. Louise a devenit mama prim-ministrului britanic Stanley Baldwin.
Cuplul s-a stabilit în Great Russell Street în camerele eliberate de Henry Wallis. Au fost oaspeții obișnuiți ai lui William și Jane Morris la Casa Roșie, pe care Burne-Jones a ajutat-o ​​la decorare.
Georgiana a devenit gospodina ideală și păstrătoarea vetrei. Avea un caracter uniform și calm. Acesta este exact genul de soție de care avea nevoie un artist nervos, ascet, care a preferat munca în studio decât plăcerile sociale până la epuizarea nervoasă completă, care apare invariabil după fiecare lucrare majoră. Georgiana l-a înconjurat cu grijă pe Edward, înlocuindu-l cu mama pe care nu a cunoscut-o niciodată, devenind muza și asistenta lui în afaceri. În 1861 a născut un fiu, Philip, iar cinci ani mai târziu, o fiică, Margaret.

Georgiana cu Philip și Margaret

Georgiana de Filip și Margaret

În 1879, când Burne-Jones s-a îndrăgostit de frumoasa sa studentă Maria Zambaco, căsătoria lor a fost în pericol și doar răbdarea și tactul Georgianei au permis cuplului să salveze familia.
Talentele Georgianei erau variate. A studiat la Scoala de Desen din Kensington și după căsătorie a continuat să deseneze, făcând ilustrații pentru basme din propria ei compoziție. Mai târziu, s-a orientat către tehnica gravurilor în lemn, realizând gravuri din desenele soțului ei, care i-au stârnit admirația lui Ruskin.

Georgiana

Georgiana nu era o frumusețe, dar Burne-Jones, care își înfățișa adesea soția în picturile sale, îi dădea trăsăturilor o puritate și o noblețe spirituală atât de sublimă încât ea, împreună cu Lizzie Siddal și Jane Morris, au intrat în istoria artei ca una dintre -Muzele rafaelite.
Anul căsătoriei a fost un punct de cotitură în cariera creativă a lui Burne-Jones. În această perioadă, a realizat tablouri care ne permit să vorbim despre el ca despre un maestru matur. Vorbim de pânze „Sidonia von Bork”(1860) și „Clara von Bork”(1860), conceput ca perechi. În ambele lucrări, se remarcă influența stilului lui Rossetti, care în acei ani era idolul artistului. Baza literară a filmului a fost nuvela romanticului german Wilhelm Meinhold „Vrăjitoarea Sidonia von Borck”, care a fost publicată pe englezăîn 1847, tradus de Lady Wilde, mama lui Oscar Wilde.
Chipul Clarei, pentru care Georgiana a devenit model, exprimă inocența. Intriga imaginii este elocventă și simbolică. Clara von Bohk ține în mâini pui cu gât galben, protejându-i de mașinațiile pisicii verișoarei ei-vrăjitoare, care plutește sub picioarele ei.

Clara von Bork

În schimb, Sidonia von Borck, pentru care se crede că a pozat amanta lui Rossetti, Fanny Cornforth, personifică natura prădătoare și diabolică. Cercetătorii observă unele asemănări între pictură și profilul Isabelei d’Este, pe care artistul ar fi putut să-l vadă în Palatul Hampton Court. O amenințare de rău augur se simte în tot ceea ce este în această imagine - plasticitatea figurii, modelul rochiei, care amintește de o rețea, colorarea sumbră și chiar în semnătura scrisă pe hârtie în colțul imaginii, lângă care artistul a descris un păianjen mare negru.

Sidonia von Bork

Un interes semnificativ nu este atât stilul de pictură, care este mai liber decât în ​​lucrările din anii următori, ci, în primul rând, construcția compozițională a pânzelor, al cărei spațiu profund este o infirmare a afirmațiilor unor critici care a considerat construcția plată a lucrărilor ulterioare un semn de îndemânare insuficientă, și nu rezultatul unei stilizări subtile și iscusite.
Printre succesele neîndoielnice ale perioadei timpurii a creativității se numără pictura „Binele Rosamund și regina Eleanor” (1862).

Mulți prerafaeliți au pictat pânze pe acest subiect - Rossetti, Hughes, Evelyn de Morgan.
Burne-Jones a folosit tema adulterului, populară în arta victoriană, punând cu pricepere și inițial accente plastice și semantice. Rosamund, fosta iubita Regele Henric al II-lea, apare în fața privitorului într-o rochie albă virginală, în timp ce regina este îmbrăcată toată în negru, ca o vrăjitoare rea. Înfățișând-o pe Rosamund ca o victimă, artista, contrar moralității general acceptate, a trezit sentimente de simpatie și compasiune pentru ea în privitorul victorian.
Tabloul este pictat în acuarelă, dar are densitatea și profunzimea culorii excepționale caracteristice picturii în ulei. Se știe că Burne-Jones practic nu a pictat în ulei în perioada timpurie, deoarece suferea de o alergie la acest tip de vopsea.
Există o a doua opțiune, realizată în tonuri de roșu:

În 1861, în compania lui Miles și Brown, Burne-Jones a călătorit din nou în Italia, iar în 1862 a vizitat acolo cu Ruskin, studiind cu atenție și scrupulozitate pictura renascentist, în special pe Mantegna, Botticelli și Michelangelo. Sub influența acestor artiști, el și-a modificat în mare măsură maniera timpurie, pe baza imitației lui Rossetti, dezvoltându-și propriul stil, care era mai mult speculativ decât emoțional. Munca lui a devenit mai rigidă. De acum înainte, linia și conturul domină în ele peste culoarea, care a devenit mai locală.
Temele preferate ale artistului au fost legendele medievale pline de misticism religios și scene din mituri antice, interpretate și ele într-o venă mistică. Principala temă artistică a picturilor sale este eroul ca jucărie a Sorții, instrument în mâna Providenței. Pozele statice și ritmul neted al pânzelor sale creează o senzație de încetineală și feerie a acțiunii. Picturile lui Burne-Jones sunt contemplative și pline de detașare nepământeană.
După ce și-a găsit idealul în arta clasică, Burne-Jones a fost extrem de intolerant la toate noile tendințe în pictură. Modest și rezervat în viață, artistul s-a remarcat în materie de artă prin judecățile sale extrem de categorice. În special, prin simplitatea lui caracteristică, el a susținut că impresionismul a oferit lumii doar „peisaje și curve”. Apropo, Rossetti nu a înțeles și nu i-a acceptat pe impresioniști.
Burne-Jones și-a formulat credo-ul picturii după cum urmează: „Îmi imaginez tabloul ca pe un vis romantic frumos despre ceva care nu a fost și nu va fi niciodată; Acest vis este iluminat de o lumină nepământeană, în el vedem acele pământuri pe care nimeni nu le va vizita și nici nu le va înțelege. Singura mea dorință este să fac formele frumoase.
Astfel de opinii artistice l-au făcut pe Burne-Jones unul dintre liderii estetismului și, ulterior, au permis ca operei sale să fie clasificate ca simbolism.
Mișcarea prerafaelită din al doilea val, la care s-a alăturat Burne-Jones, a exercitat o influență semnificativă asupra artelor decorative și aplicate, contrastând produsele industriale fără suflet cu calitatea înaltă a lucrurilor realizate manual. Pasiunea pentru Evul Mediu i-a forțat pe prerafaeliți să-și schimbe atitudinea față de meșteșuguri, făcându-i cea mai importantă componentă a artei. În 1861, când Morris a deschis firma Morris, Marshall, Faulkner and Co. la Londra, care era angajată în producția de arte decorative și ustensile de uz casnic (mobilier pictat, vitralii, ceramică, țesături pentru tapițerie etc.), Burne- Jones s-a alăturat prietenului, devenind unul dintre participanții activi la mișcarea Arts and Crafts.

Burne-Jones și Morris cu soțiile și copiii lor[Încă nu înțeleg cine este al treilea bărbat din fotografie.]

În multe privințe, desenele și desenele lui Burne-Jones au stat la baza activităților companiei, unde a fost designer de vitralii practic până la sfârșitul vieții. Peste o mie de pahare colorate făcute de el au supraviețuit.
Una dintre ultimele lucrări ale artistului în această zonă este vitraliul magnific al Catedralei Sf. Filip din Birmingham.

În tapiserii și vitralii, el, de regulă, a pictat figuri umane, iar Morris - ornamente. Aici Burne-Jones s-a străduit pentru completitudine și emotivitate în interpretarea fețelor, în ciuda protestelor lui Morris, care a insistat să întărească principiul decorativ în acest gen de lucruri.
Lucrând ca decorator, Burne-Jones nu a renunțat la pictură, în care s-a manifestat în mare măsură și principiul decorativ - picturile sale au fost realizate cu liniaritate accentuată. În același timp, spațiul din ele este decis foarte convențional, ceea ce le conferă o asemănare cu spalierele, iar numeroase detalii (pliuri de îmbrăcăminte, armuri, elemente arhitecturale, motive vegetale) sunt destinate mai degrabă decorațiunii.
În 1864, Burne-Jones a fost ales membru al Societății pictorilor englezi de acuarelă. Prima lucrare a artistului, prezentată la una dintre expozițiile sale, a fost „Cavalerul milostiv” (1863).

Baza intriga a filmului a fost legenda secolului al XI-lea, repovestită de Cynelm Digby. Eroul său este un cavaler pe nume John Gualberto, care a fost ulterior canonizat. Artistul, urmând exemplul multor prerafaeliți, a însoțit tabloul cu o inscripție în care se explică conținutul său: „Despre cavalerul care și-a iertat dușmanul când ar fi putut să-l distrugă și despre cum chipul lui Hristos l-a sărutat ca semn că acțiunea a fost plăcută lui Dumnezeu.” În „Cavalerul milostiv”, acele idealuri ale prerafaeliților care au fost cel mai aproape de sufletul artistului în această perioadă au fost reflectate vizibil - admirație pentru spiritul cavaleresc, aderarea la principii morale înalte. Versiunea finală a picturii, realizată în guașă, s-a remarcat prin severitatea și asceza atât a plasticității, cât și a culorii, în timp ce primele schițe erau pline de senzualitate și impuls, departe de reținerea religioasă.
Burne-Jones a participat la expoziții ale Societății pictorilor de acuarelă englezi până în 1870, când a izbucnit un scandal în jurul uneia dintre picturile sale. Organizatorii au cerut ca acuarela lui Burne-Jones să fie scoasă din expoziție „Phyllis și Demophon”(1870), șocat de nuditatea masculină flagrantă a personajului.

A subliniat erotismul în interpretare mit grecesc antic, aparent, a fost un ecou al aventurii sale extraconjugale cu Maria Zambaka, studentă și model al artistei, care a înzestrat-o cu trăsăturile imaginii feminine a tabloului. În semn de protest împotriva înlăturării picturii, Burne-Jones a părăsit rândurile Societății de acuarelă, privându-se astfel de posibilitatea de a participa la expozițiile acesteia.
Deja la mijlocul anilor 1860, Burne-Jones dobândise o oarecare reputație care i-a permis să ocupe o poziție puternică în lumea artei. A devenit un artist de succes printre oameni bogați și educați. Printre patronii săi obișnuiți s-au numărat Frederick Leyland și William Graham. Acesta din urmă a fost unul dintre cei mai devotați admiratori ai lui Burne-Jones. După moartea lui Graham, colecția sa a fost vândută la Christie's, iar printre tablouri s-a numărat una dintre versiunile celebrului „Oglinzile lui Venus”.

Nemulțumit constant de rezultat, Burne-Jones s-a întors adesea să lucreze la pânzele sale după mulți ani, așa că este foarte greu de urmărit evoluția stilului său. Artistul timid și neîncrezător a expus foarte rar și, prin urmare, era complet necunoscut publicului larg. Abia în 1877, sub presiunea prietenilor, a arătat șapte lucrări la o expoziție de la Galeria Grosvenor, care tocmai fusese deschisă de artistul amator Coates Lindsay.
Organizatorul său a văzut una dintre principalele sarcini ale Galeriei Grosvenor în faptul că a oferit o oportunitate pentru artiștii care au fost trecuti cu vederea de Academia Regală de a-și arăta publicul lucrările. Picturile lui Burne-Jones au fost remarcate și lăudate. Celebrul romancier englez Henry James a scris despre ei: „Aceasta este o artă culturală, extrem de intelectuală, rafinată din punct de vedere estetic pentru cei care privesc lumea nu direct - în realitatea ei întâmplătoare, ci prin reflectarea și reprezentarea ei în literatură, poezie și cultură. ” Această afirmație arată în mod elocvent cât de departe a mers Burne-Jones către ficțiune și fantezie față de ideea originală a prerafaeliților, formulată de Ruskin - „a picta ceea ce vezi, ce este fapt real».
Tocmai acest drum i-a adus artistului recunoaștere, mai întâi în patria sa, apoi în străinătate. În 1879, la Expoziția Mondială de la Paris, el, împreună cu Frederic Leighton, a reprezentat pictura în Anglia. Destul de repede, Burne-Jones a dobândit o avere semnificativă cu picturile sale. În anii 1880 a fost chiar mai solicitat decât extrem de populari Millais și Leighton, considerați cei mai bogați artiști ai vremii.
Sfârșitul anilor 1870 și 1880 au fost marcați de trecerea lui Burne-Jones către forme mari și monumentale. Dimensiunea pânzelor sale a crescut semnificativ în această perioadă s-a orientat tot mai mult către pictura în ulei. Totodată, artista a conceput și implementat mai multe cicluri de pictură, constând în tablouri care dezvăluie secvenţial tema aleasă. Unul dintre primele astfel de cicluri a fost o serie de patru picturi sub nume comun „măceș”, care este o interpretare strălucitoare a basmului lui Charles Perrault „Frumoasa adormită” și a poemului lui Tennyson „Visul”, scris pe un complot similar.

I. Pădurea măceșului

II. Sala de sedinte

III. Gradina in curte

IV. Foișorul lui Rose. (Frumoasa adormită)

În ea, artistul s-a îndreptat din nou către estetica Evului Mediu, pe care o adora. Toate cele patru pânze sunt realizate pe pânze orizontale alungite, care împreună formează un panou extins. Compoziția lui „Rosehip” este construită pe principiul unei frize - primul plan este format din figuri, înghițite de somn și întinse în diferite unghiuri. Acestea sunt asigurate cu un puternic suport ritmic de desișuri dense de măceșe sălbatici înfloriți, împletite în jurul celor care dorm, ca un ornament bizar. Pentru imaginea prințesei, fiica sa Margaret a pozat pentru artistă.

Portretul Margaretei

Burne-Jones s-a remarcat întotdeauna prin abordarea sa excepțional de temeinică a subiectului pe care îl descrie. Pentru a obține o mai mare fiabilitate în transferul de plante, l-a întrebat pe unul dintre prietenii săi care a avut casă de țară cu grădina, trimite-i cele mai spinoase ramuri ale tufișului și a studiat cu atenție plasticitatea lor bizară. În timp ce lucra la The Merful Knight, artistul a studiat cu atenție o colecție de armuri și arme medievale din colecția de brânzeturi Coates Lindsay. Cu toate acestea, pentru Rosehip, precum și pentru ciclul Perseus, el și-a inventat și creat propria armură din carton și tablă. Acest lucru a oferit operelor sale o mai mare libertate plastică și un sunet fantastic, atemporal, care era absolut în concordanță cu spiritul mitului.
Artistul a scris două versiuni ale acestui ciclu. Repetările autorului au fost o practică comună pentru Burne-Jones, ca și pentru mulți alți prerafaeliți. Unul dintre ele, lucrare la care a durat șase ani (1884-1890), a fost pictat la ordinul colecționarului Thomas Agnew.
Al doilea ciclu celebru Burne-Jones a fost „Pygmalion și imaginea”, care a constat, de asemenea, din patru picturi, care transmit secvențial conținutul celebrului mit antic despre dragostea sculptorului pentru creația sa. Acest ciclu este cunoscut și în două versiuni, dintre care prima (1867-1869) este executată în culori mai închise și mai dure, în timp ce a doua (1875-1878), pictată în ulei, se remarcă printr-o culoare și un ton mai moale, aproape pastelat. .
Artistul a urmărit toate etapele dezvoltării intrigii: nașterea ideii - „Dorința inimii”

Evlavie pentru crearea propriilor mâini - "Ține-te de mână"

Miracolul transformării - „Animție divină”

Evlavie pentru idealul dobândit - „Înțelegerea sufletului”.

Totuși, mitul în interpretarea artistului capătă un sens ușor diferit de cel canonic. Frumusețea ideală, creată de mâinile sculptorului, din voința Afroditei a căpătat fizicitate, dar a rămas la fel de rece. Acesta este rezultatul amar care așteaptă fiecare artist care se străduiește să realizeze un ideal. În același timp, ciclul reflectă sentimentele și emoțiile lui Burne-Jones, care în acei ani trăia o aventură pasională cu eleva sa Maria Zambaco și se afla atunci într-un conflict intern crud între sentiment și datorie.

Portretul Mariei Zambaco

„Pygmalion and the Image”, ca niciun alt ciclu, demonstrează influența asupra artistului a idealurilor Renașterii italiene, în special a lui Michelangelo. Uneori, artistul recurge la citatul direct: de exemplu, scena renașterii miraculoase a Galatei din „Spiritualizarea divină” cu mișcări și gesturi ale mâinilor se aseamănă izbitor cu „Creația lui Adam” din tavanul Capelei Sixtine. Această asemănare este dată de o gravitate suplimentară de faptul că în ambele cazuri despre care vorbim despre crearea omului. Burne-Jones a admirat geniul lui Michelangelo și chiar s-a despărțit de Ruskin după ce l-a criticat pe marele sculptor. Și asta în ciuda faptului că venerabilul critic a fost la un moment dat idolul artistului. Lăudând calitățile artistice și umane ale lui Ruskin, Burne-Jones a scris: „Este atât de frumos, atât de amabil – mai bun decât cărțile lui, care sunt ele însele cele mai bune cărți din lume”.
A doua versiune a ciclului „Pygmalion and the Image” a fost prezentată în 1879 la o expoziție la Grosvenor Gallery și a avut un succes răsunător. Publicul a perceput-o ca pe o expresie a ideii victoriane de iubire sublimă și femeie ideală– o soție și o mamă, așezate pe un piedestal de un bărbat.
Una dintre cele mai faimoase picturi ale lui Burne-Jones a fost „Regele Kefetua și fetița cerșetoare”(1884), care a adus artistului faima mondială.

Se bazează pe legenda medievală despre un viteaz rege care, întorcându-se dintr-o campanie, a văzut și s-a îndrăgostit cu pasiune de o fată cerșetoare, modestă și virtuoasă. Publicul a vrut să vadă în tablou doar o afirmare a virtuții ca bun cel mai înalt, demn de o răsplată regală. Ea a fost percepută ca un fel de consolare pentru femei frumoase Devotații din epoca victoriană ai familiei. Cu toate acestea, cei care erau familiarizați cu legenda potrivit căreia cerșetoarea, deși a devenit regină, a rămas o cerșetoare, demnă de dispreț în ochii numeroșilor curteni, au putut vedea ceva mai mult - o reflectare tristă asupra cruzimii societății și a triumful prejudecăților de clasă. În 1889, pentru acest tablou, expus la Expoziția Mondială de la Paris, artistului i-a fost distinsă Legiunea de Onoare.
Poate cel mai faimos ciclu al lui Burne-Jones este „Perseus, scris pe intriga unui mit antic. În 1875, artistul a primit un ordin de la politicianul și viitorul prim-ministru britanic Arthur Balfour pentru zece tablouri destinate salonului de muzică al reședinței sale din Londra. În ciuda faptului că toate schițele preliminare au fost realizate în guașă, doar patru dintre ele au fost în cele din urmă întruchipate în ulei - „Perseus și nimfele mării”? alias „Armamentul lui Perseus”. [Am dat peste două opțiuni]

„Rock of Doom”

„Roata norocului”

ŞI "Cap sinistru"

Lucrul la ciclu a durat mult. Motivul pentru aceasta a fost dimensiunea mare a picturilor, interpretările simbolice complexe ale subiectelor alese de artist și nemulțumirea constantă a autorului față de propriile sale rezultate. La final, clientul, obosit să aștepte ca întregul ciclu să fie finalizat, a acceptat cu amabilitate cele patru panouri care au fost finalizate.
Ulterior, artistul a realizat o repetare a repetarii celor patru lucrari finalizate, in timp ce schitele au ramas schite. Picturile ciclului „Perseus” au câștigat o popularitate enormă și au avut o influență uriașă asupra artei moderne, ulterior predeterminand în mare măsură problemele artistice ale simbolismului și modernismului.
În 1882, Burne-Jones a început o serie de mici acuarele sub titlul general „Cartea florilor”, la care a lucrat timp de un deceniu întreg.
[ Voi face o postare separată cu reproduceri de acuarele din Cartea Florilor. Lasă-mă să găsesc reproduceri care nu sunt foarte bune de bună calitate, dar asta e tot].
Dorința lui Burne-Jones pentru o formă mare și monumentală s-a reflectat în colaborarea sa activă cu firma prietenului său Morris, unde a fost unul dintre designerii principali în anii 1880. Sfârșitul deceniului a fost marcat de crearea primei serii majore de tapiserii pe tema „Adorarea magilor”. Conservat cantitate uriașă studii si schite pentru aceasta mare treabă, indicând cât de serios a abordat orice formă de creație artistică.
Cel mai mult realizare remarcabilă Lucrarea lui Burne-Jones la tapiserie a fost o serie de lucrări despre Sfântul Graal, menite să decoreze sala de mese de la Stainmore Hall, reședința la țară a industriașului australian William Norcy d'Arcy.

Viziunea Sfântului Graal

Tema căutării Sfântului Graal din tinerețe l-a entuziasmat pe Burne-Jones cu ambiguitatea, spiritul sublim și mistic al acestuia. Ei l-au considerat cel mai frumos și complet episod al ciclului Arthurian. Lucrările la seria de tapiserii au continuat câțiva ani. Au fost țesute la Merton Abbey între 1891 și 1894 și sunt cu siguranță una dintre cele mai impresionante creații pe acest subiect.
Burne-Jones a adus, de asemenea, contribuții semnificative la cealaltă afacere a lui Morris, Kelmscott Press, fondată la sfârșitul anilor 1880. Artiștii și-au văzut scopul în renaștere tradiție străveche editări de carte de mare artă. O adevărată capodoperă a artei cărții a fost publicarea Poveștilor Canterbury a lui Chaucer, cu ilustrații de Burne-Jones. Cartea a fost publicată în 1896, cu patru luni înainte de moartea lui Morris.

Una dintre paginile cărții lui Chaucer

În 1885, Burne-Jones a fost admis la Academia Regală, dar atmosfera de oficialitate care domnea acolo era străină artistului, iar acesta și-a dat demisia. A participat o singură dată la expozițiile anuale ale Academiei Regale, prezentându-și pictura „Adâncurile mării” (1886).

În 1894, la un an după demisia sa, Burne-Jones a primit titlul de baronet, ceea ce i-a surprins și amuzat foarte mult pe prietenii săi, care cunoșteau bine caracterul artistului și atitudinea acestuia față de recunoaștere oficială.
În anii 1890, sănătatea lui Burne-Jones, subminată de munca constantă epuizantă în atelier, s-a deteriorat semnificativ. Moartea lui William Morris în 1896 a fost o lovitură zdrobitoare pentru el, deoarece prietenia și cooperarea lor a durat aproape jumătate de secol.

William Morris

Edward Burne-Jones a murit brusc la casa sa din West Kensington (Londra) la 17 iunie 1898 și a fost înmormântat la Rottingdean (Sussex), unde avea o casă de țară.
Reputația lui Burne-Jones după moartea sa a fost controversată. Unii critici au reproșat lucrării sale decadență, iar pânzelor sale că sunt excesiv de elaborate. Alții i-au batjocorit ideile lui despre cavalerism. Artistul însuși a dorit ca picturile sale să fie savurate, nu analizate.
Astăzi, Burne-Jones este considerat unul dintre cei mai importanți reprezentanți ai școlii de artă britanice, care a dezvoltat principiile estetice ale Frăției Prerafaelite. Lucrările sale se disting prin rafinamentul uimitor al imaginilor și maturitatea stilului. Ele îmbină atât senzualitatea, cât și decența exterioară, caracteristice epoca victoriană.

Atelierul lui Burne-Jones

Frumusețea lui nepământeană, femeile, parcă luminate din interior de cea mai înaltă lumină spirituală, au fost bucurate chiar și de public. mare succes, decât imaginile mult mai senzuale create de Rossetti. Burne-Jones a avut o influență notabilă asupra unui număr de artiști contemporani mai tineri, precum John Melhus Stradwick, John Roddam Spencer Stanhope, Charles Fairfax Murray și Evelyn de Morgan. Un rol special în această serie îi revine artistului Thomas Matthews Rooke, care timp de mulți ani a servit ca asistent în studioul lui Burne-Jones și a luat parte activ la crearea celor mai mari picturi și cicluri ale maestrului.
Cea mai reprezentativă colecție a operei lui Burne-Jones este păstrată în Galeria de Artă a orașului din Birmingham natal.

Textul se bazează pe un articol din carte: Artă mondială. Prerafaelism / Comp. I. G. Mosin. SPb., SZKEO Crystal LLC, 2006

Edward Coley Burne-Jones (28 august 1833, Birmingham, Marea Britanie - 17 iunie 1898, Londra, Marea Britanie) a fost un pictor și ilustrator englez apropiat în spirit de prerafaeliți, unul dintre cei mai importanți reprezentanți ai mișcării Arts and Crafts. Cunoscut pe scară largă pentru vitraliile sale.

Burne-Jones a primit educația timpurie la King Edward's School din Birmingham. Din 1848, a urmat cursuri serale la școala guvernamentală de design. În 1853 a studiat teologia la Exeter College (Universitatea din Oxford). Aici îl întâlnește pe William Morris și amândoi, impresionați de picturile prerafaeliților, decid să abandoneze teologia de dragul picturii. Când Dante Gabriel Rossetti i-a cunoscut pe William Morris și Edward Burne-Jones în 1856, această întâlnire a marcat începutul unei noi etape în dezvoltarea mișcării prerafaelite.

În 1856, Burne-Jones s-a logodit cu Georgiana (Georgie) MacDonald (1840-1920), una dintre surorile MacDonald. Ea studia pentru a deveni artistă și era sora unui vechi prieten de școală, Burne-Jones. În 1860, cuplul s-a căsătorit. Georgiana a început să facă gravuri în lemn și s-a împrietenit cu George Eliot. (O altă soră Macdonald s-a căsătorit cu artistul Edward Poynter, un al doilea s-a căsătorit cu proprietarul fierăriei Alfred Baldwin și a devenit mama prim-ministrului Stanley Baldwin, iar o a treia a fost mama lui Rudyard Kipling. Astfel, Kipling și Baldwin erau nepoții lui Burne-Jones).

Georgiana a născut un fiu, Philip, în 1861. Al doilea fiu, născut în iarna anului 1864, când Georgiana suferea de scarlatina, a murit la scurt timp după naștere. Familia s-a mutat apoi în Piața Kensington nr. 41, iar fiica lor Margaret s-a născut acolo în 1866.

În 1867, Burne-Jones și familia sa s-au mutat la Grange, o casă din secolul al XVIII-lea, cu o grădină mare, în Fulham. În anii 1870, Burne-Jones a expus puțin din opera sa, suportând o presă intens ostilă și o aventură pasională (descrisă drept „apogeul emoțional al vieții sale”) cu modelul grecesc Maria Zambaco, care s-a încheiat cu tentativa ei de sinucidere aruncându-se. în Canalul Regentului. În acești ani grei, Georgiana a devenit o prietenă apropiată cu Morris, a cărui soție Jane era îndrăgostită de Rossetti. Poate că Georgie și Morris au fost îndrăgostiți, dar dacă i-a cerut să-și părăsească soțul, ea a refuzat. În cele din urmă, soții Burne-Jones, ca și soții Morris, au rămas împreună, dar Georgie și Morris au rămas apropiați până la sfârșitul vieții.

Fiul lor, Philip, a devenit un faimos pictor portretist și a murit în 1926. Fiica lor iubita Margaret (decedată în 1953) s-a căsătorit cu John William Mackale (1850-1945), prietenul și biograful lui Morris, profesor de poezie la Oxford 1911-1916. Copiii lor Angela Firkel și Denis Makeil au devenit scriitori.

Burne-Jones a primit Legiunea de Onoare pentru pictura sa Regele Cophetua și slujnica cerșetoare, 1884.

În 1894, Burne-Jones a primit titlul de baronet.

În 1885 Edward Burne-Jones a fost ales membru asociat al Academiei Regale de Arte, dar în 1893 a refuzat acest titlu.

La vârsta de douăzeci și doi de ani, Burne-Jones a descoperit Le Morte d'Arthur a lui Thomas Malory, iar pentru tot restul vieții a creat tablouri dedicate acestor legende. Frumusețea și misterul legendelor antice l-au captivat pe Burne-Jones și pentru că erau legende creștine, construite pe tema bătăliei dintre bine și rău, păcat și mântuire. La fel ca mulți alți contemporani care și-au pierdut credința în Dumnezeu, Burne-Jones și-a păstrat credința în virtuțile creștine, dragostea romantică și noblețea. Cu doi ani înainte de moartea sa, el a scris: „Este uimitor că această poveste a Sfântului Graal a fost mereu în gândurile mele... Există ceva atât de frumos în lume?”

Burne-Jones pictează o mulțime de corpuri masculine goale. Picturile sale sunt aproape plate, nu există un joc pronunțat de clarobscur. Se concentrează pe linie, iar culoarea lucrării sale este adesea auriu-portocaliu. Detaliul și realismul excesiv al prerafaeliților nu sunt caracteristice lui Burne-Jones. Personajele lui sunt foarte statice, fețele lor sunt detașate, iar ipostazele lor amintesc mai mult de ipostazele grațioase ale statuilor. Nu există aproape nicio dinamică în picturi, doar contemplare.