În holurile Galeriei de Artă Zurab Tsereteli la adresa: st. Prechistenka, 19 ani, se deschide o expoziție de lucrări ale unui membru corespunzător Academia Rusă artă de Yuri Zlotnikov „Pictură – analiză a psihofiziologiei umane și reflectarea spațiului său existențial”.

Expoziția retrospectivă a cuprins peste 150 de picturi și lucrări grafice create în anii 1950 - 2015.

Yuri Zlotnikov este unul dintre cei mai străluciți și mai importanți artiști ai artei abstracte rusești. S-a născut în 1930 la Moscova. A studiat la Școala de Artă din Moscova, a lucrat ca decorator stagiar la Teatrul Bolșoi, a fost angajat în design de expoziție la VDNH și a colaborat cu edituri ca ilustrator de carte. Și în tot acest timp am căutat propriul meu drum în artă, propriul meu sistem arte vizuale. La mijlocul anilor 1950, Zlotnikov a creat o serie de foi grafice abstracte numite „Signal System”. Împreună cu psihologi, a efectuat experimente încercând să înțeleagă modul în care creierul uman percepe semnalele trimise de picturi. „Pentru mine, arta este în primul rând cercetare”, spune artista.

La începutul anilor 1960, Zlotnikov s-a întors din nou către realitate și a plecat în călătorii creative de afaceri. Măiestria compoziției și simțul natural al culorii îi disting picturile și seriile figurative: „Vitrina”, „Orașul”, „Balakovo”. Deja în aceste lucrări este evidentă înțelegerea sa asupra picturii ca construcție convențională. Și apoi a pictat compoziții cu mai multe figuri, văzute de sus și parcă în depărtare, o astfel de viziune i-a permis să transmită la scară mare chiar și în picturile de dimensiuni mici. Începând cu sfârșitul anilor 1940, el a dedicat multe lucrări temei Moscovei.


În anii 1970, Zlotnikov a lucrat la seria „Koktebel”, în care a revenit la pictura abstractă, dar într-un stil diferit față de faimosul „Sistem de semnal”. Alături de peisajele lirice sudice apar lucrări unde rol principal spațiul se joacă, iar vederea de sus transformă figurile și obiectele umane în pete de culoare, linii, virgule pe suprafața foii, dizolvându-le în mediul natural.

În anii 1970 - 2000, fiecare noua serie artistul denotă o anumită etapă de creativitate, adesea fără legătură cu cea anterioară. „Ciclul biblic” este metaforic și alegoric. Există personaje destul de recunoscute („Sacrificiul”, „Nașterea lui Iosif”) și o abstractizare pură din pete de culoare și forme geometrice- toate lucrările sunt unite de imagini intense și de un simț tragic al istoriei sfinte.


Spiritul constant de experiment îl obligă pe artist să caute noi căi. În pictura „Antithesis to Malevich’s Black Square” (1988), Zlotnikov, cu loviturile sale atrăgătoare și energice, transmite infinitatea senzațiilor de culoare ale lumii înconjurătoare.

În anii 1990-2000 și-a continuat experimentele plastice, lucrând la seria: „Construcții spațiale”, „Ierusalim”, „Combinatorică spațială”, „Polifonie”, etc., surprinzând constant cu descoperiri creative neașteptate.

Doctorul în istoria artei A. Rappaport scrie: „Zlotnikov este unic prin faptul că nu a imitat niciodată pe nimeni, nu și-a stabilit propriile legi și tipare și nu a trădat principiile artei abstracte, care au fost ulterior supuse unei revizuiri decisive de către conceptualiști. Opoziția sa față de conceptualism este o dovadă a lipsei de compromisuri. Ceea ce Zlotnikov are în comun cu arta conceptuală este respectul său pentru știință și filozofie. Dintre toate direcțiile avangardei, Zlotnikov alege non-obiectivitatea și abstracția.”

Lucrările lui Yu Zlotnikov se află în colecțiile Galerii de Stat Tretiakov, Muzeului de Stat al Rusiei, Muzeului de Arte Frumoase Pușkin. A. S. Pușkin, Muzeul Literar de Stat, Muzeul de Artă Modernă din Moscova, în multe muzee și colecții private ruse și străine.

În urmă cu nouă ani, Maria Kravtsova și Valentin Dyakonov au venit cu ideea de a-l intervieva pe artistul Yuri Savelyevich Zlotnikov. Maestrul a fost măgulit de atenția tinerilor (la acea vreme) critici, i-a primit cu căldură, le-a arătat munca lor și nu le-a lăsat să plece. Criticii, ca de obicei, au descifrat totul, l-au editat, l-au tipărit (clasicul, desigur, a preferat să citească de pe o bucată de hârtie) și l-au dus la Zlotnikov pentru viză. Și apoi... Zlotnikov a țipat că vede acest text pentru prima dată, că îi vede pe acești critici pentru prima dată și că în general erau escroci! Zhu-li-ki!! ÎNȘELĂTORIE!!! Dar interviul a fost încă publicat - artileria grea a intrat în luptă în persoana (persoanele) redactorului-șef de atunci al revistei Artchronika Nikolai Molok și fotografului Ignat Daniltsev, ale căror personalități nu au evocat asocieri neașteptate cu maestrul. Acesta a fost preambulul. Și iată ambulatoriul (adică conducția către interviu): printre legendele artei sovietice postbelice, Yuri Savelyevich Zlotnikov ocupă un loc onorabil ca primul abstractionist al noii ere. El a devenit faimos pentru seria sa „Semnale” - picturi de cercetare care implică cibernetica și semiotica, care erau la modă în anii 1950. În ziua morții unui clasic. Din descendenți recunoscători (Maria Kravtsova și Valentin Dyakonov).

Iuri Zlotnikov. Serial muzical. Simfonia a 8-a a lui Șostakovici. 1970. Hârtie, guașă. Serviciul de presă cu amabilitatea Academiei Ruse de Arte

Maria Kravtsova: Unde ai studiat?

Yuri Zlotnikov: Am absolvit școala de artă la Academia de Arte în 1950. Majoritatea copiilor au studiat acolo. oameni celebri. Geliy Korzhev și Pavel Nikonov au ieșit din el. Am încercat să merg la facultate, dar nu am reușit să desenez într-un spirit iluzoriu. Erau studenți pricepuți acolo, au început de la călcâi și au șlefuit silueta. Și m-am obișnuit cu designul.

M.K.: Adică nu ai studii superioare?

Yu.Z.: Spre cel mai înalt institutii de invatamant Am aplicat de patru ori. La VGIK, Yuri Pimenov mi-a dat A la pictură și desen. Dar în timpul interviului, când prorectorul Dubrovsky-Eschke a întrebat cum mi-a plăcut sculptura lui Mukhina „Femeie muncitoare și fermă colectivă”, am spus că îmi place mai mult Bourdelle, cu care a studiat. Poate că nesimțirea mea a influențat rezultatul: mi s-a spus că nu am promovat pe baza scorurilor. Pentru a compensa eșecul meu, am promovat examenele pentru un stagiu la Teatrul Bolșoi. A lucrat acolo în echipa designerului de teatru Fedorov, care a fost autorul decorului pentru Lacul lebedelor. La sfârșitul stagiului, aș fi putut rămâne să lucrez acolo, dar am plecat într-o călătorie liberă. De ceva vreme a lucrat la VDNH în pavilionul „Mecanizarea și Electrificarea Agriculturii”.

Yuri Zlotnikov în ziua deschiderii expoziției „T/o „Cupidon”. Metamorpheus” la Fundația de Artă Stella. 2011. Sursa: safmuseum.org

Valentin Dyakonov: Ești numit primul abstractionist al „dezghețului”.

Yu.Z.:În perioada dezghețului, au apărut cărți despre arta modernă occidentală. În special, Oleg Prokofiev, fiul compozitorului, fiind critic de artă, s-a abonat la cărți prin intermediul Institutului de Istoria Artei. Prietenul meu Vladimir Slepyan, care a demisionat institut pedagogic(mecanica), nu sa despărțit niciodată de faimoasa carte a lui Kleene „Introduction to Metamatematics”. Nu am fost foarte prietenos cu științe exacte, eram mai atras de psihologie si istorie. În același timp, prietenii mei de atunci erau matematicieni și logicieni care au început să studieze o nouă știință - cibernetica. Și prin intermediul lor am ajuns să particip la seminare la Universitatea de Stat din Moscova despre biomatematică susținute de celebrul matematician I.M. Gelfand. Am înțeles matematica din punct de vedere artistic, realizând puțin în special - acest lucru, destul de ciudat, a ajutat foarte mult la înțelegerea artelor plastice. Prietenii mei de la Institutul de Informatică și timpul însuși m-au făcut să arunc o privire nouă asupra matematicii și să văd o esență mistică în ea. Misterul acestei lumi și posibilitatea de a o înțelege. Slepyan, după ce a studiat trei cursuri de pedagogie, era mai degrabă îndrăgostit din punct de vedere romantic de matematică decât să o urmeze profesional. Acest lucru a permis comunicarea noastră să fie liberă. Conversațiile au început din inițiativa lui cu teoria mulțimilor. Aceasta este cea mai potrivită introducere în matematică pentru un începător. I-am pus întrebări cu caracter umanitar. Trebuia să găsească răspunsuri legate cumva de logica științifică. Și aceste conversații ne-au condus la un interes intelectual pentru procesul de artă. Aceasta a fost pentru mine intrarea în arta abstractă în acei ani.

M.K.: Prin ce diferă abstracția ta de lucrările predecesorilor și contemporanilor tăi?

Yu.Z.: Ideea principală a muncii mele: ne realizăm activitatea mentală. Arta este un model al vieții noastre interioare. Comunicarea cu matematicienii mi-a arătat că pe lângă operațiile verbale există un limbaj mai simplu - limbajul fiziologiei noastre. Astăzi au fost publicate multe cărți, abstracția a devenit la modă. Dacă eram interesați de cunoaștere, atunci arta abstractă este astăzi un fel de poziție care poartă o încărcătură socială.

V.D.: Deci ai încercat să faci lucruri care să producă un anumit efect asupra privitorului la nivel fizic?

Yu.Z.: Da. Am jucat chiar la conferinta stiintifica, dedicat psihologiei inginerești. De ce este interesantă psihologia inginerească? Ea studiază persoana implicată în procesul de muncă. M-a interesat modul în care munca mea se încadrează în problemele domeniului. Am întâlnit și oameni de la laboratorul de electrofiziologie de la Spitalul Botkin. M-a interesat impactul obiectelor mele asupra percepției umane, biocurenții lui.

Iuri Zlotnikov. Proiectul centralei electrice din regiunea Volga. 1970. Hârtie, tehnică mixtă

V.D.: Ați arătat poze și vă așteptați la o reacție fiziologică la ele?

Yu.Z.: Adevărat, atunci am fost dezamăgit de asta. Mi-am dat seama repede că o persoană asimilează orice influență și o traduce în limbajul semnelor este un al doilea sistem de semnalizare. De aceea am devenit interesat de design industrial. Făceam un proiect de design pentru o școală pentru un studio de arhitectură. Creat concepte de design pentru sediul fabricii. Ideile mele au fost consemnate în Enciclopedia copiilor din acei ani sub forma unui tabel: proiectarea atelierelor industriale și organizarea structurii panoului de control. Este interesant că artistul Dima Gutov își amintește această masă din copilărie. Ideea mea a fost să scot la suprafață întregul proces de producție pentru ca operatorul care lucrează în atelier să vadă clar acest proces și în concordanță cu senzoriala și psihofiziologia sa. Am reușit să pun în aplicare unele dintre ideile mele. În special, în timp ce lucram la VDNKh, am creat un mare proiect expozițional Institutul ucrainean sub conducerea academicianului Paton în trecerea pavilionului ucrainean. Am folosit un semn care a subliniat mișcarea acestui flux în pasaj și a lucrat nu numai decorativ, ci și constructiv. Nu știam că, în același timp, lucram la VDNKh ca un simplu designer arhitect de geniu Leonidov.

M.K.: Probabil că în anii 1950 trebuia să fii o persoană curajoasă ca să faci abstractizare.

Yu.Z.: Este ridicol să consideri un abstractionist un dușman ideologic. Guvernul sovietic a fost ghidat de reticența subofițerului Prișibeev de a gândi liber. Eram atât de pasionat de arta abstractă încât nu întâmplător am căutat contacte cu oamenii de știință pentru a scăpa de presiunea ideologică. Era imposibil să expun lucrări abstracte. Prin urmare, am profitat de seri de discuții la Uniunea Artiștilor din Moscova, de exemplu, dedicate problemelor muzicii color. Acolo au fost posibile expuse lucrări abstracte legate de muzica color. În ceea ce privește reacția publicului, chiar și artiștii buni se temeau de noutatea lucrării mele. Dar toată atmosfera din acea vreme - interes pentru cibernetică, psihologie - a ajutat arta abstractă să nu se stingă, ci să trăiască. După cum înțeleg acum, o astfel de atmosferă a fost benefică, a înlăturat afectația boemă și ne-a făcut să percepem arta abstractă ca artă a cunoașterii. Care, din păcate, lipsește acum. Arta a devenit, mai degrabă, nu un domeniu de cunoaștere, ci un tip de influență teatrală și etică asupra unei persoane.

Iuri Zlotnikov. Oameni, spațiu, ritm. Sfârșitul anilor 1970

V.D.: Se știe că în anii ’60 ai primit un fel de ordin militar.

Yu.Z.: Da. Mi s-a cerut să proiectez una dintre fabricile din industria de apărare. Apoi mi-am revenit oarecum în fire, realizând că voi fi ocupat să întăresc conștiința imperială. Și am refuzat.

V.D.: A fost acesta o comandă prin intermediul Uniunii Artiștilor din Moscova?

Yu.Z.: Nu, am fost oferit de oameni pe care îi cunoșteam din munca la VDNKh. Dar, la un moment dat, Uniunea Artiștilor din Moscova a trimis artiști tineri pe șantierele din țară. Am fost trimis la Balakovo, lângă Saratov, unde se construia centrala Balakovo. Când am apărut acolo, mi s-a propus să organizez o expoziție economică în regiunea Volga. Am făcut proiectul, dar a rămas pe hârtie.

M.K.: Erai deja membru al Uniunii Artiștilor din Moscova?

Yu.Z.: Am fost acceptat în 1972.

M.K.: Cum ai reușit să ajungi acolo fără studii superioare?

Yu.Z.: Mulți artiști - membri ai Uniunii Artiștilor din Moscova nu aveau studii superioare. Un alt lucru este că figurile cheie ale administrației de atunci mă cunoșteau de la școala de artă. Apropo, unul dintre cei care m-au acceptat a fost Ilya Kabakov: am intrat în secțiunea de grafică a cărții. Desigur, au apărut conflicte. Aș fi putut să fiu invitat la o expoziție la început, iar apoi să nu îmi permită să-mi arăt munca. Dar am luat-o cu calm: în primul rând, pentru un raport de poliție era nevoie de apartenența la Uniunea Artiștilor din Moscova. La Uniunea Artiștilor din Moscova am susținut seminarii științifice: „Favorsky și școala lui”, „Simonovich-Efimova și școala ei”. Pe vremea aceea mă mai interesau desenele pentru copii. Și am fost trimis într-o călătorie de afaceri peste tot Asia Centrală colectează desene pentru copii pentru o mare expoziție în Occident. Lucrul cu copiii a fost foarte important pentru gândirea mea.

Iuri Zlotnikov. Salt triplu. 1979. Hârtie, tempera. Galeria de Artă Magnitogorsk

V.D.: Ce ți-a dat această lucrare?

Yu.Z.: Am predat la Casa Pionierilor din districtul Leninsky. Am crezut că nu va dura mult, dar m-am lăsat teribil de luat. Lucrul cu copiii a devenit o modalitate pentru mine de a studia psihologia umană. Fiecare are propriul scris de mână, în funcție de caracterul și abilitățile motorii. Erau cei mai interesanți copii acolo. Un băiat rus, care și-a petrecut întreaga copilărie în Asia Centrală, a pictat frumos mănăstiri și biserici rusești. Băiatul evreu înfățișa shtetli, deși nu fusese niciodată la ei. Apropo, acum acest băiat este unul dintre cei activi personalități publice Israelul, împovărat cu o familie, conduce excursii la Zidul de Vest. Adică, genele au influențat puternic creativitatea.

M.K.: Ți-a trecut vreodată gândul de a emigra?

Yu.Z.: Plecarea lui Slepian în 1957 a fost ca și cum ar fi plecat pe Marte. În străinătate i se părea de neînțeles celor confuzi conștiința sovietică. Cărțile și filmele despre viața în străinătate erau incredibil de atractive. Și, desigur, plecarea prietenilor mei a fost dureroasă și părea că devin din ce în ce mai subordonat vieții care se contura atunci în Uniunea Sovietică. Desigur, a trăi în Rusia este dificil, uneori extrem de dificil, dar incredibil de interesant. Nimeni nu te împinge sub cot, lumea intelectuală a lăsat posibilitatea de a fi singur, și astfel lucrarea a început de fiecare dată de la zero, cu un fel de infantilism, am apreciat foarte mult asta.

V.D.: Este întotdeauna interesant ce observații din viață inspiră un artist abstract. Care dintre lume vizibilă te-a influentat?

Yu.Z.: Este important pentru mine să călătoresc și să mă mișc în spațiu. De exemplu, în 1994, cinci artiști, inclusiv eu, condus de Tair Salakhov, au mers în Irak pentru o expoziție în onoarea victoriei lui Saddam Hussein asupra Iranului.

Iuri Zlotnikov. Panoul spațial. 1989

V.D.: Cum ați acceptat să participați la o expoziție dedicată victoriei unui stat asupra altuia?

Yu.Z.: Am aflat doar la sosire cum se numește. Irakul la acea vreme mi-a amintit de epoca lui Stalin: portretele lui Hussein atârnă peste tot, toată lumea se teme să spună prea multe. Dar am văzut Babilonul, sculptura sumeriană, iar aceasta a fost una dintre principalele mele experiențe artistice. În general, călătoriile și mișcarea în spațiul geografic au un impact important asupra mea. În timp ce eram în Israel, eu și discipolul meu creștin am mers pe drumul de la Grădina Ghetsimani până la Golgota. Am creat o anumită imagine a lui Hristos. Această imagine m-a bântuit atât când am fost mai târziu la Paris, cât și în bisericile rusești. Era un sentiment de personalitate acolo și ce culturi religioase diferite au crescut din învățăturile sale!

M.K.: B vremurile sovietice Au existat cumpărători pentru munca ta?

Yu.Z.: Acesta este privilegiul generației mele: doar am făcut artă, fără să ne gândim la bani sau la carieră. Deși mulți dintre contemporanii mei au luat o cale puțin diferită.

V.D.: Îl cunoșteați pe Victor Louis, spion și mediator între nonconformiști și Occident?

Yu.Z.: L-am avut în studioul meu în anii 1970. L-am filmat de la prietenul meu Oleg Prokofiev. Louis a venit cu Prokofiev în vizită. Apropo, Camilla Gray, autoarea cărții despre avangarda sovietică „Experimentul rus”, l-a cunoscut pe Prokofiev. Apoi s-au căsătorit. Camilla a murit la Moscova din cauza bolii lui Botkin.

V.D.: Ați avut o expoziție la NCCA dedicată internetului. Petreci mult timp pe internet?

Yu.Z.: Nu. Pentru mine, internetul este interesant, la fel cum matematica a fost cândva interesantă, din punct de vedere existențial. Lumea a devenit foarte transparentă din punct de vedere informațional.

Iuri Zlotnikov. Din seria „Signal System”. 1957-1962. Hârtie, guașă, tempera

M.K.: Pe care artist de avangardă rus îl prețuiești cel mai mult?

Yu.Z.: Pentru mine cel mai mult figuri importante avangardă - Malevici și Larionov. Larionov pentru mine este mai înrădăcinat și mai slav decât Kandinsky. Cine este pentru tine întruchiparea artei ruse din toate epocile?

M.K.: Malyavin. Sau Stargazers.

Yu.Z.: Pentru mine, principalul simbol al artei rusești este Rublev. „Trinitatea” lui, pe de o parte, este luminoasă, iar pe de altă parte, substanțial complexă.

M.K.: La urma urmei, a fost spălat pe substrat în timpul restaurării rândul XIX-XX secole. Au încercat să ajungă la pictura lui Rublev, dar, ca urmare, au răzuit stratul de vopsea aproape până la rădăcini.

Yu.Z.: Crezi că „Trinitatea” este rezultatul restaurării? Cunoaștem multe icoane pe acest subiect. Dar tocmai în „Trinitatea” lui Rublev nu există nicio poveste. Există un amestec de contemplare și certitudine pe care nimeni, nici măcar Giotto, nu l-a exprimat. Lumina este foarte importantă pentru mine. Unul dintre vizitatorii expoziției mele din Israel a scris „Muzică, muzică, toată muzică”. L-am ajuns din urmă, i-am mulțumit și i-am spus că voi pleca în curând. „Este păcat”, a spus el. „Nu avem destule cu acest tip de artă.” Artiștii israelieni poartă pecetea istoriei poporului lor. Sunt duri. Istoria țării nu este propice distracției. Și este important pentru mine să transmit că lumea noastră este binecuvântată, că nu este doar o vale a tristeții.

Iuri Savelievici Zlotnikov provine dintr-o cohortă glorioasă a anilor şaizeci - arta rusă modernă se sprijină încă pe ele, ca pe structuri de susținere. Dar bioritmul lucrării lui Zlotnikov astăzi este uimitor - parcă nu se oprește nici un minut și extinde constant frontul experimentului, înregistrând ideile și imaginile care îl copleșesc în sute sau chiar mii de schițe.

Procesualitatea în creștere și entuziasmul creativității, libertății, curajului și purității soluțiilor artistice sunt uimitoare - unde, s-ar părea, vârsta, experiența și statutul în sine cer calm și completitudine, Yuri Zlotnikov este încă atras de tot ce nu a fost testat - forme noi, mijloace, tehnologii. Nu cu mult timp în urmă, pictura sa a trecut cu succes testul de arhitectură (un panou într-unul dintre hotelurile din centrul Moscovei). A devenit clar că arta noastră a pierdut mult pentru că lui Zlotnikov nu i s-au dat pereți de pictat, precum Matisse sau Chagall. Artista a găsit și o altă formă, extrem de modernă, dacă nu chiar la modă, pentru pictură. A devenit interesat de tipărirea pe pânză și a creat afișe expresive care i-au permis să combine analiza și sinteza, fragmentarea și întregul, procesarea și rezultatul în limitele unei singure imagini. Aceste lucruri, conform remarcii pline de spirit a criticului Andrei Kovalev, „parcă ar fi ștampilate mintea superioarăși imediat pe hard disk.”

Artistul Yuri Zlotnikov a intrat în artă rapid și luminos, prezentând lumea artistică la cumpăna anilor 1950-1960, lucrări care i-au asigurat odată pentru totdeauna locul în istorie. Celebrele „Semnale” nu numai că s-au întors să picteze energia forma-creativă pierdută din vremurile avangardei (Zlotnikov, fără îndoială, a început aici de la Mondrian și Malevici), dar, posedând resurse independente, a intrat pe orbită. tendințele actuale Abstracția geometrică europeană. Arta, potrivit lui Zlotnikov, este „un sistem de direcție reglare inteligentă reacții spontane ale psihicului.” Captează „semnele” experiențelor tactil-senzoriale și abilităților motorii fiziologice ale unei persoane, obiectivându-le în limbajul natural al semnelor geometrice elementare. „Semnale” se bazează pe un interes real pentru matematică, cibernetică, psihologie și arată ca o serie de experimente științifice bine gândite. Estetica logicii, formulele, dovezile, organizarea, deciziile raționale, credința romantică în rațiune, capabilă să deducă o lege universală, să înțeleagă adevărul obiectiv... Fiind o expresie absolută a „spiritului vremurilor”, „Semnalele” par să radiază entuziasmul erei revoluției științifice și tehnologice. Le-a făcut având în vedere aplicațiile vieții - de la medicină, psihologie, ergonomie până la design și construcție.

Zlotnikov a fost un radical nu numai în abstract. La scurt timp după „Semnale”, a pictat o serie de autoportrete, care, de asemenea, nu aveau analogi în pictura rusă din acei ani. Se remarcă printr-o îndrăzneală atunci de neînchipuit, care se raportează în egală măsură la subiectul imaginii și la modul de execuție. Într-o serie de foi, artistul, nesocotind convențiile și rupând tot felul de tabuuri, cu o franchețe sfidătoare s-a prezentat în „costumul lui Adam”, fără să-și înfrumusețeze deloc trupul deloc atletic. În fața unei societăți de subordonați, înfricoșați și controlați, el a demonstrat cu curaj o independență interioară, întărită de încrederea în sine a tinereții. Și, în același timp, nesiguranța „eu-ului” artistului față de „aspectele” curioase și traumatizante ale destinului, privitorului și societății. Îmi amintesc de la Galich: „aici stau în fața ta, ca gol” - doar aici fără „parcă”. Soluția plastică a imaginii nu a fost mai puțin îndrăzneață și ascuțită - o formă ascuțită, liberă, ritm sincopat, culoare concentrată, mișcare haotică a liniilor și a petelor.

Autoportretele sunt comparabile cu „Semnale” - în ceea ce privește claritatea și eficacitatea sarcinii, în ceea ce privește focalizarea cercetării și natura conceptuală a ideii. Zlotnikov nu s-a dedicat în totalitate „elementului de autoexprimare emoțională, expresie” (folosesc și aici cuvintele artistului, el a păstrat aceeași atitudine analitică). De aici principiul serialității, repetarea motivului și deschiderea tehnicii (oglindă, reflecție, peering), succesiunea deviațiilor treptate ale intrigii (acțiune, îmbrăcăminte, format și poziționare a figurii, unghi și punct de vedere, interior mediu), modificări ale condițiilor picturale și plastice (viteza și caracterul cursei, schema de culori, gradul de generalizare, modul de aplicare și grosimea stratului de vopsea).

De la mijlocul anilor 1960, a început o perioadă de „metaforică” în opera lui Zlotnikov, care a durat până la sfârșitul anilor 1980. În compozițiile centrifuge, „multiple”, unde domnesc formele vii neliniare, „impetuoase”, iese la iveală o imagine atotcuprinzătoare a lumii, pătrunsă de un singur ritm de formare continuă și intensă. Spațiul și timpul, lumina și întunericul, viața și moartea, natura și cultura, geografia și istoria, omul și universul sunt sintetizate aici. Aici, potrivit lui Pasternak, „continentele ard în spații nemărginite” și se poate auzi, ca în Zabolotsky, „cântarea aprigă a vântului”. Metafora pe care se bazează acest nou limbaj expresiv se bazează pe principiile formării asociative, păstrând în improvizația abstractă prezența pâlpâitoare a unei realități depășite și transformate. Zlotnikov a venit cu cel mai expresiv mod de a „descrie” omenirea: cu ajutorul nenumăratelor grupuri de mișcări scurte în zig-zag, răsucire și fluturare, în care pot fi deslușite siluetele oamenilor. Spațiul lui Zlotnikov însuși încolțește ca o „masă umană”, ca o „trestie care gândește”.

În lucrările din ultimii 10-15 ani, Zlotnikov, ca un dispozitiv sensibil, surprinde „indicativele de apel” ale procesului de gândire, asigurându-l într-un sistem special de notație simbolică. Compoziția amintește de o ciornă scrisă de mână sau de un afișaj de computer - personajele seamănă vag cu fragmente de formule, grafice, diagrame, precum și cu descărcări și valuri de dispozitive electronice. Ei zboară, se ciocnesc, se confundă, se stratifică, se intersectează, se ating și se taie unul pe altul - cursul gândirii, al cărui rezultat este cutare sau cutare decizie logică, este irațional și imprevizibil.

În același timp, Zlotnikov, în nenumărate foi și pânze, pare să testeze abstracția însăși, confirmând din nou și din nou capacitatea sa de a fi un limbaj universal al gândirii plastice.

Pionierul abstracției ruse de după război, Yuri Zlotnikov, nici măcar nu auzise numele lui Clement Greenberg când și-a creat seria „Signal System” la sfârșitul anilor cincizeci. Dar, fără îndoială, a împărtășit patosul teoreticianului american al înaltului modernism în ceea ce privește separarea avangardei și kitsch-ului. Acesta din urmă pentru Zlotnikov nu a fost doar sistemul realist socialist, ci și opera multora dintre camarazii săi din tabăra nonconformistă, pentru care, după părerea sa, elementele metafizice străine au fost țesute în abstracție. În acel moment, el însuși a șters cu cea mai mare atenție aceste elemente din pictura sa, așa cum Kazimir Malevici în anii douăzeci și-a aplicat teoria cvasiștiințifică a „elementului excedent” în practica sa didactică. Dar Zlotnikov a criticat serios utopismul lui Malevici și a spus că el continuă tradiția căutării spirituale deschisă de Wassily Kandinsky. Aceasta este o circumstanță foarte importantă pentru înțelegerea atmosferei intelectuale a vremii - dizidenții artistici sovietici au respins categoric utopia ultra-comunistă a lui Malevici.

În același timp, Yuri Zlotnikov, un strict pozitivist și raționalist, era ferm convins că limbă nouăîn artă trebuie confirmată prin exactitate cercetarea stiintifica. Perfecționate până la o claritate cristalină, „Semnalele” ar trebui să fie percepute nu doar ca picturi, ci ar trebui să „dezvăluie tiparele activității motorii psihofiziologice și natura reacțiilor la culoare și formă”. Trebuie avut în vedere faptul că majoritatea artiștilor nonconformiști sovietici din acea vreme, care au ales abstracția ca stil, au fost influențați direct de picturile lui Mark Rothko și Jackson Pollock, care au fost prezentate publicului sovietic la Expoziția Națională Americană din Moscova în 1959. Dar Zlotnikov a mers exact în direcția opusă și a insistat că este important să nu cedezi elementelor de autoexprimare emoțională, expresie, ci să analizăm. Și, ceea ce este deosebit de interesant, cel mai mare sprijin pentru cercetarea sa a fost găsit nu în comunitatea artistică, ci în comunitatea științifică - printre matematicieni, filozofi și ciberneticieni.

Acesta este un detaliu foarte caracteristic al acelei vremuri - cel mai mult oameni liberiÎn perioada post-Stalin, inginerii care lucrau în institute militare închise se simțeau. Ei au fost cei care au dezvoltat noi sisteme de arme pentru armata URSS și au susținut artiștii independenți în toate modurile posibile, organizându-și expozițiile în cluburile lor. Și erau gata să testeze ipotezele artistului Yuri Zlotnikov în laboratoarele lor. Și el, la rândul său, era încrezător că descoperirile sale vor fi cu siguranță utile pentru design. nave spațialeși chiar a lucrat ceva timp ca artist la o fabrică. Tinerii tehnocrați se simțeau câștigători ai timpului și spațiului, iar Zlotnikov, la fel ca constructiviștii ruși, credea sincer că arta ar trebui să schimbe mediul material, iar societatea, așa cum credeau visătorii anilor șaizeci, ar trebui apoi să evolueze ea însăși către valorile umane universale în conformitate cu influența unui mediu nou, extrem de estetizat. Dar într-o zi și-a dat seama că eforturile sale au condus indirect la crearea unor mijloace de distrugere mereu noi și teribile - și nu a mai făcut astfel de experimente. Ideea reorganizării lumii prin estetizarea ei totală s-a confruntat din nou cu o problemă etică insolubilă.

Cu toate acestea, această experiență de contact cu eroii revoluției științifice și tehnologice are pentru metoda creativa Zlotnikov este de o importanță fundamentală. Pentru contemporani, aceste elemente care pluteau în spațiul pur semănau cu cipurile computerelor și erau potențial umplute cu câteva informații foarte importante. Rețineți că primul tablou abstract al lui Yuri Zlotnikov din 1955 a fost numit „Geiger Counter”. În aceasta, Zlotnikov l-a urmărit direct pe Vasily Kandinsky, care a recunoscut în cartea „Pași. Textul artistului" ( 1918, p. 20) că „unul dintre cele mai importante obstacole pe calea mea s-a prăbușit în sine datorită unui eveniment pur științific. Aceasta a fost descompunerea atomului. A rezonat în mine ca distrugerea bruscă a lumii întregi.”

Dar această mecanicitate și dorința de acuratețe matematică absolută în munca adevarata contrastează în cel mai paradoxal mod cu moliciunea și textura liberă a formei. Este interesant că artistul spune că în perioada de lucru la seria „Semnale”, muzica atonală a lui Anton Webern a fost deosebit de importantă pentru el. Deci, dacă avem într-adevăr în fața noastră o cercetare care este fundamental incompletă, sau mai degrabă, chiar procesul de cercetare în sine, a cărui sarcină este să încerce să schimbe percepția stereotipată a realității sau să creăm noua realitate. Și ceea ce este deosebit de important este că din punct de vedere psihologic această realitate este percepută ca fiind destul de confortabilă și chiar prietenoasă cu oamenii.

Iar această libertate emoțională internă, surprinzătoare pentru era încă destul de sumbră post-staliniană a anilor cincizeci și începutul anilor șaizeci, este pentru noi cea mai importantă dovadă a acelei perioade de speranță pentru reînnoirea societății. Și Zlotnikov însuși nu a aspirat niciodată să devină european - pur și simplu a fost unul.

Recent, s-a închis expoziția lui Yuri Zlotnikov „Pictură - analiza psihofiziologiei umane și afișarea spațiului său existențial”. Expoziția retrospectivă a cuprins peste 150 de picturi și lucrări grafice create în anii 1950 - 2015.

Yuri Zlotnikov este unul dintre cei mai străluciți și mai importanți artiști ai artei abstracte rusești. S-a născut în 1930 la Moscova. A studiat la Școala de Artă din Moscova, a lucrat ca decorator stagiar la Teatrul Bolșoi, a fost angajat în design de expoziție la VDNH și a colaborat cu edituri ca ilustrator de carte. Și în tot acest timp și-a căutat propriul drum în artă, propriul său sistem de mijloace vizuale. La mijlocul anilor 1950, Zlotnikov a creat o serie de foi grafice abstracte numite „Signal System”. Împreună cu psihologi, a efectuat experimente încercând să înțeleagă modul în care creierul uman percepe semnalele trimise de picturi.

Care pentru o lungă perioadă de timp comunică cu artistul, a acceptat să ne acorde un scurt interviu în care ne-a povestit despre această expoziție și cum îl vede pe Zlotnikov.

Prin ce se deosebește expoziția de la Academie de retrospectiva anterioară de la Muzeul de Artă Modernă?

Această expoziție se deosebea de retrospectiva de la MOMMA prin faptul că expoziția anterioară, desigur, a fost realizată mult mai convențional, împărțită pe etaje, pe perioade sau serii, cu suspendare modernă și spațioasă. La Academie, datorită caracteristicilor arhitecturale (sunt doar două săli) și datorită faptului că autorul însuși s-a ocupat de agățat, toate seriile și proiectele au fost amestecate după voința artistului. Acest lucru creează conexiuni complet noi: de exemplu, acuarele tradiționale din anii șaizeci atârnă lângă abstracțiuni destul de radicale. Adică, vedem cum în capul autorului toate acestea sunt combinate într-o ordine complet diferită de cea cu care suntem obișnuiți. Acesta este un efect foarte interesant și ciudat, care arată legătura dintre lucrările lui Zlotnikov, pe de o parte, cu tradiția sovietică fluidă de stânga MOSH și, pe de altă parte, cu căutarea artiștilor occidentali radicali moderni. Când aceste lucrări sunt amestecate, mi se creează un efect foarte neașteptat și nou, deși am văzut aproape toate aceste lucrări la expoziții sau în atelierul lui Iuri Savelevici.

Când un artist este curatorul său, nu este acesta întotdeauna un lucru bun?

Nu, nu am spus asta. Această expoziție este poate chiar mai bună decât cea de la MOMMA, deoarece arată modul în care artistul însuși vede legăturile dintre lucrările sale și seriale. Acest lucru este mult mai interesant. Expoziția s-a dovedit a fi mai concentrată, deși se pare că acum nu o atârnă așa. Acum se crede că fiecare lucrare este o valoare separată, deci este necesar ca acestea să nu interfereze între ele, să nu se intersecteze sau să polueze câmpul vizual al celuilalt. În mod ideal, privitorul ar trebui să vadă o singură piesă.

Când are loc o expoziție personală, artistul dorește ca totul să se potrivească, pentru că i se pare că fără o singură lucrare sensul se va pierde. Aici este clar că spânzurarea a avut sens; Nu este deloc rău, dar este neobișnuit. Acest lucru oferă o altă înțelegere, non-standard, a lucrării. Cu toții suntem obișnuiți să credem că Zlotnikov este un abstracționist radical, iar cele mai radicale lucrări sunt seria „Semnale” timpurie. Când totul este amestecat, căutarea autorului devine vizibilă. Vedem cum cercurile și dungile se transformă în muncă din viață, într-o imagine de gen despre construcția Centralei Nucleare Balakovo. Vedem cum toate aceste lucrări sunt interconectate. Dă proaspăt și aspect nou asupra creativității artistului. Probabil că aceste două expoziții se completează. La MMSI era o sală uimitoare cu „Semnale”, unde erau agățate puțin și spațioase pe un rând, era foarte muzeală, era un „aspect istoric”. Aici am văzut auto-reflexia lui Zlotnikov. Este clar că unele laitmotive, care pentru noi sunt doar o parte din istorie, există și pentru el în același timp și sunt încă relevante. Malevici și-a schimbat datarea lucrărilor pentru că își construia propria poveste. Poți agăța lucrările lui Malevich așa cum a vrut el sau le poți agăța așa cum au fost cu adevărat – ambele vor fi interesante. La fel este și aici, doar că Zlotnikov, desigur, nu a schimbat datele. Și-a construit povestea așa cum o vede. Nu aș spune că aceasta este o poveste „personală”, nu există nicio exprimare de sine aici. Aceasta este pur și simplu o comparație între alte lucruri, construind conexiuni complet diferite pe care un curator extern nu le va observa. Acest lucru este foarte educativ pentru mine. De exemplu, există un proiect de interior pentru Casa de Cultură cu niște panouri colorate pe tavan, foarte asemănătoare cu abstracțiile sale. Acest lucru nu ar fi fost vizibil dacă ar fi existat o spânzurare diferită.

Ce este Zlotnikov pentru tine?

Zlotnikov este un artist foarte important, un artist al valorilor plastice. Discutam asta cu el in mod constant. Are mentalitatea unui adevărat modernist. Amândoi ne place foarte mult să vorbim și să discutăm ceva, așa că conversațiile noastre telefonice durează o oră și jumătate. Este o persoană foarte reflexivă și un conversator interesant, spune adesea lucruri foarte subtile, inclusiv despre arta mea.

Cât de relevant este Zlotnikov astăzi?

Relevanța variază. Această gândire modernistă este interesantă și importantă pentru mine. Conversațiile cu Iuri Savelevici, părerea lui, nu sunt mai puțin importante pentru mine decât munca lui.